Los 100 mejores discos de la década (2010-2019)

Escritos del pasado y el presente. Voces nuevas y viejos conocidos. Joyas escondidas y celebraciones generacionales. Todo alrededor de la música, ese arte sublime y envolvente que tiene la cualidad exclusiva para generar este tipo de encuentros. Por esto es que existimos, y por eso aquí recordamos 100 álbumes que nos marcaron, y que nos hacen vivir de nuevo todos esos gratos momentos que nos ha dejado esta década.

*El listado no incluye artistas o grupo nacionales (Costa Rica) porque se tratarán en un proyecto aparte a lanzarse a inicios del 2020.


100. John Talabot – ƒIN (2012)
99. Death Grips – The Money Store (2012)
98. El Sueño de la Casa Propia – Historial de Caídas (2010)
97. Young Thug – Barter 6 (2015)
96. DJ Python – Dulce Compañía (2017)
95. Maifersoni – Telar Deslizante (2010)
94. Grouper – A | A (2011)
93. Flying Lotus – Cosmogramma (2010)
92. Haru Nemuri – Haru To Shura (2018)
91. Tim Hecker – Virgins (2013)

90. ANOHNI – Hopelessness (2016)

Hopelesness (2016) es un lindo accidente para Anohni, pero es sin duda un paso más angular hacia adelante, y más emocionalmente complejo. Su primera aventura como solista carece de la inocencia del Antony and the Johnsons. A Anhoni se le nota más agresiva y fuerte de la mano de Oneohtrix Point Never y Hudson Mohawke. Hasta ahora su voz había servido como confort para las personas, pero ahora su interés no es hacer música que le permita dormir bien de noche, sino conseguir un claro sentido de quien es en relación con el mundo que le rodea. – Pablo Acuña

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89. Whitest Taíno Alive –¿Dónde Jugarán los cueros? (2014)

Previo a que los Bad Bunny’s del mundo consolidaran una idea de “trap” en el mainstream latino, proyectos como Whitest Taíno Alive aprovechaban el canvas en blanco que representaba tal referente sonoro para dar rienda suelta a su creatividad. ¿Dónde Jugarán los Cueros?, álbum debut de este proyecto dominicano, es de cierta forma la excesiva y lúdica culminación de tal libertad. 12 temas donde las atmosféricas producciones de Cohoba entrelazan el futurismo sintético con la tradición polirritmia caribeña para crear un universo congruente con las desatendidas personalidades y absurdos one-liners de Jon Blon Jovi y Dominicanye West; una visión de hedonismo puro e hiper-referencialidad que sintetiza a la perfección el mindset del nuevo milenio en un idea tan sencilla como “Chillin’ en Jaragua”. –Alonso Aguilar

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88. SVPER – PEGASVS (2012)

PEGASVS se trata de una colección simple de nueve canciones, donde la banda se olvida de las reglas y da una agradable bienvenida con sonidos que fluyen entre lo retro-futurista, el krautrock setentero y una especie de dream pop; todo unido sutilmente a la delicadeza en la voz de Luciana Della Villa, y apenas sobrepasando los 30 minutos duración. – Fabiola Ureña

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87. Lorde – Melodrama (2017)

Lorde nació en una época de transición n el área gris de los Millennials y la famosa Generación Z. Un momento muy extraño para crecer. Por esto mismo, Melodrama, el segundo álbum de esta artista, es un símbolo de esta generación. Esos sentimientos y emociones que perfectamente puede tener una persona entrando a sus primeros años de adultez. Todo esto impulsado con una mejora exponencial en cuanto a no solo la composición sino también a la producción en relación a su disco debut, lo que va ligado a una mejora vocal y la introducción de influencias que la llevan a explorar sonidos un poco más experimentales. – Daniel Matarrita

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86. Burial – Rival Dear (2013)

En Rival Dealer, Burial se convierte en un angel protector de personas que sufren abusos de otras personas usando synths meditativos con muestras vocales interrumpidos brevemente por líneas de saxofón radiantes. Suficiente para protegernos de momentos oscuros y de nuestras propios demonios. – Pablo Acuña

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85. Pharmakon – Bestial Burden (2014)

Una vez que se entra al mundo de Bestial Burden no se puede escapar, y esto no es por que este sea necesariamente atractivo, o mucho menos placentero, simplemente no hay por donde huir. El sufrimiento que transmite Margaret Chardiet a través de sus gritos y chillidos ensordecedores, y sus instrumentaciones mínimas pero infernales es tan palpable que se vuelve aterrador, y este es el punto. En la portada del álbum vemos a Chardiet desgarrando su torso, y esto no es mero shock value, ya que en efecto es en este trabajo en el que la vemos más vulnerable, y que encontramos hasta cierto grado de introspección, claro, a través de la brutalidad hostil que tanto amamos. – Alonso Aguilar

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84. Mula – Aguas (2017)

Con una expansión bien premeditada, MULA desplegó uno de los discos más completos del 2017. Rectificando el leimotiv de su título, Aguas se siente como un espacio donde distintas vertientes (cumbia, moombathon, hip hop, reggaeton y demás) confluyen pacíficamente en un río de música festiva, que hace del álbum un caudaloso retrato del sonido en la isla dominicana.  El géminis futurista no sería el mismo sin la intervención estricta de Rachel Rojas que, con su aporte en la producción y las melodías, concede a las hermanas Acevedo (Anabel y Cristabel) el permiso para efectuar sólidamente un tour hipnótico por la historia política de República Dominicana, la sensualidad y el empoderamiento. Alejandro Ortiz

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83. Father John Misty – I Love You, Honeybear (2015)

Este en un disco único por la razón de que una persona como Josh Tillman se desnudara en frente de todos sus seguidores respecto a su matrimonio. I Love You, Honeybear cuenta la historia de como Josh conoció a su esposa hasta que se casaron y terminando en como el espera pasar el resto de sus días con su “Honeybear”. Sea como sea, tal riesgo podía costarle caro, pero lo puso como el Don Juan de la música indie. – Pablo Acuña

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82. Earl Sweatshirt – Some Rap Songs (2018)

Después de desaparecer por varios años, Earl Sweatshirt regresó con un álbum innovador y completo, que desdibuja las fronteras entre el rap, el jazz y la poesía en su carácter performativo. No es un álbum común de hip-hop, con una línea de bajos y beats fuertes; es una mezcla de sonidos lo-fi, loops, samples y clips de audios que aparecen de forma aleatoria, siempre sobre la base de una batería estridente. Detrás de Some Rap Songs –titulado así casi con ironía–, Sweatshirt evidencia un interés por contar su historia de vida. Mediante tracks de uno o dos minutos, nos habla sobre su rehabilitación, la vivencia de una negritud radical y la relación con sus padres, quienes se convierten en actores activos del álbum. Some Rap Songs es un álbum de vanguardia, porque rompe con esquemas líricos, musicales y de producción, y demuestra que Earl Sweatshirt es un artista prodigio. – Mario Fernandez

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81. Yung Beef – ADROMICFMS (2013)

“All diz ratches on me can’t feel ma soul” es la declaración de principios que nos regala Yung Beef para cada uno de los volúmenes creados de A.D.R.O.M.C.F.M.S. Si hacemos un recorrido por cada una de estas obras, podemos ver la misma sensibilidad y vulnerabilidad en cada uno de ellos, pero con un viaje por diversos sonidos. Desde el 2013 en su primera edición con un trap más duro y oscuro hasta el 2018 con dembow ya declarado en canciones como “Infierno”, nos dan muestra de la versatilidad de Fernandito Kit Kat. Algunas canciones que podemos destacar dentro de estos collages sonoros son: “Ready pa morir”, “Sad Molly” o “Rosas Azules”, cada una mejor que la anterior. –Paula Altamirano

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80. Helado Negro – Invisible Life(2013)

Roberto Carlos Lange ha trabajado durante los 2010’s como Helado Negro, construyendo un catálogo de música llena de sensibilidad y detalles auditivos. En Invisible Life, juega con sonidos electrónicos y construye canciones que son gentiles a la escucha, por la suavidad de sus sonidos y por la forma casi etérea en que Lange surfea sobre sus temas con las melodías que dibuja su voz. Fue con Invisible Life que nos dimos cuenta de lo delicado que podía ser en sus obras. Es, dentro del catálogo de discos de Helado Negro, una joya que brilla con su propia luz y encanto inexplicable, características que, afortunadamente, siguen estando presentes en sus discos desde entonces y hasta hoy, fijando el estándar para uno de los artistas destacados por su elegancia y constancia lo largo de toda la década. – David Penado

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79. Parquet Courts – Wide Awake (2018)

El Punk no está muerto. Si bien ha cambiado a lo largo de los años, el género está más vivo que nunca. Parquet Courts es un gran ejemplo de esto.
Esta banda originada en New York, ya en su cuarto disco de estudio, con ayuda del legendario productor Danger Mouse, lograron consolidar su sonido que une influencias en bandas de generaciones pasadas como Minutemen con un sonido fresco, con mucha personalidad y un manifesto de nuestros tiempos a través del Punk. – Daniel Matarrita

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78. Solange – A Seat at the Table (2016)

Después de una larga espera de ocho años, Solange llegó en el 2016 con su tercer proyecto discográfico. Este lanzamiento abriría diálogo con la ayuda de metáforas y comparaciones sobre la lucha negra desde una perspectiva política sumamente personal. Discute temas como el racismo visto desde ángulos diferentes a la vez que introduce interpretaciones musicalmente emotivas y colaboraciones de ensueño (Dave Longstreth, Nicholas Savage, Sampha, Kindness, Kelela, Kelly Rowland, Nia Andrews, etc). Este disco se compone del estilo más puro y característico del R&B, con melodías vocales y armonías relajadas y tranquilas, acabando en una mezcla de hip-hop fusionado con jazz. Una hermosa ejecución que será recordada por muchas décadas mas. – Jimena Pizarro

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77. Cupido – Préstame un Sentimiento (2019)

En papel, los distintos elementos que componen a Préstame un Sentimiento pueden percibirse como una sobrecarga de cultura del internet: Pop de alcoba retro, estética kitsch ochentera, narraciones de auto-flagelo romántico, referencias a los Simpson, un estrafalario trapero como frontman, etc. Sin embargo, tan solo son necesarios un par de segundos de los cálidos sintetizadores de “No Sabes Mentir” para caer en cuenta de que no existe ironía o cinismo alguno en la propuesta de Cupido. El caótico Pimp Flaco se modula lírica y melódicamente en sintonía con las amenas texturas anacrónicas de las instrumentaciones de Solo Astra, resultando en un genuino y sentido ejemplo de arte naïf; una celebración generacional de la nueva sinceridad donde vivir en un piso pequeño y apropiar el narcisismo se convierten en una bandera ondeada con orgullo. – Alonso Aguilar

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76. Fleet Foxes – Helplessness Blues (2011)

Siendo el segundo larga duración de la banda estadounidense de folk, Fleet Foxes, tres años después de su debut, Helplessness Blues (2011) llega siendo un disco oscuro pero con una madurez musical destacable, que incluso lo puso entre los primeros 15 puestos de medios como Pitchfork o Consequence of Sound, en ese año. 

Un disco que se concibió para ser lanzado un par de años antes, según el cuarteto de Seattle, pero que llegó en el momento justo para todos nosotros. –Stuart Roldán

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75. Fuete Billete – Música de Capsulón (2013)

Antes de que el mundo se convirtiera en hogar de joseadores de medio pelo haciendo música, Fuete Billete le dio vida a un disco que a la distancia luce como el punto de partida de la nueva era. Claro que sus técnicas y recursos no eran nuevas en aquel lejano 2013, pero la dinámica para ponerlas en práctica era tan efectiva que fue difícil de ignorar. BB Johnson, Pepper Kilo y Freebass no solo tenían virtudes individuales que los hacía brillar por separado, sino que juntos eran una bomba atómica para los oídos. No importa si todo era drogas, mujeres y calle, porque era todo lo necesario para llenar un extenso disco con una narrativa especial. Es en Fuete Billete -y en la Pxxr Gvng- en donde la fundación del sonido de la segunda mitad de la década puede encontrarse. A diferencia de todo lo que vino después, Música de Capsulón es un animal en constante mutación. Un disco que no suena igual a casi 10 años de distancia es uno que vale la pena atesorar. – Joan Escutia

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74. Charli XCX- Vroom Vroom (2016)

Vroom Vroom es uno de los mejores EP de la década. Cuatro canciones perfectas creadas en el punto de inflexión de dos grandes artistas, Charli XCX y SOPHIE cruzaron caminos en el momento perfecto. Justo después de su break-out comercial con “Boom Clap”, “Fancy” y “I Love It”, Charli da un giro inesperado al trabajar en este proyecto. Tanto ella como SOPHIE buscaban dejar su marca en el mundo pop, y deciden hacerlo con un disco que en iguales cantidades celebra y burla su tradición. Parte futurista, parte absurdo y siempre con un sentido del humor auto consciente, Vroom Vroom no desperdicia ni un segundo y en su camino destruye barreras y pulveriza a la competencia. El impacto que tuvo el proyecto, además de abrir puertas a artistas como Cupcakke y Dorian Electra, es la confianza profética con la que se entregó al mundo. – Jose María Quirós

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73. Kelela – Take Me Apart (2017)

Kelela se tomó su tiempo con su álbum debut Take Me Apart, pero valió la pena. Ella toma influencias de cantantes e intérpretes icónicas del R&B como Janet Jackson, Aaliyah o Brandy, pero también de Björk y de la música electrónica de vanguardia, quizás traídas por algunos de sus colaboradores como Arca, Jam City o Aaron David Ross. Aunque esta combinación no es única, especialmente en los últimos años, la forma en que se fusionan aquí es algo completamente nuevo. Sus letras la muestran como una persona vulnerable y emocional, pero decidida y con una fuerte actitud, celebrando su identidad y sus experiencias de vida de una manera muy libre y honesta. Take Me Apart es la exploración del R&B como el sonido del pasado, del presente y del futuro. – Tomás Gauna

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72. Ariel Pink’s Haunted Graffiti – Before Today (2010)

La historia de Ariel Pink antes de Before Today es casi como un mito. Se dice que grabó tantas canciones en su habitación que hasta la fecha todavía hay un montón de ellas que no han visto la luz de manera oficial. Su carrera ha sido explorada con cautela y el culto hacia su obra es tan apasionado que puede ser equiparado al de una religión. Hay grupos dedicados a encontrar sus canciones, discutirlas y compartirlas; hay ensayos diseccionando su carrera y hay esfuerzos para reeditar todas esas grabaciones en mejor calidad. Nada de esto hubiera sucedido si Before Today no hubiera existido. Al ser su primer disco con 4AD, aquí Ariel Pink se escucha como nunca antes: lleno de vida, con una fidelidad impresionante y con un pozo sin fondo de ideas en donde lo mismo caben reminiscencias a Bowie o Joy Division que a Jim Sharman o Roger Corman. Before Today es un disco que se encuentra suspendido entre el tiempo y el espacio y en donde cada canción vive en un universo diferente. Si el hypnagogic pop de David Keenan describía a Pink como el recuerdo de un recuerdo, entonces este disco es todo aquello que nadie quiere -ni querrá- olvidar.  – Joan Escutia

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71. Lil Ugly Mane – Mista Thug Isolation (2012)

El comentario más votado en el stream de Youtube de Mista Thug Isolation (2012) dice “tres minutos de ruido estático al inicio para asustar a los fuckbois”. Si bien tal chiste se puede leer un tanto anticuado en tiempos cuando las disonancia de Death Grips se cuela sin problema en bandas sonora de comedias adolescentes y Yeezus (2013) de Kanye West es idolatrado por adolescentes blancos de los suburbios, hubo en momento en donde la interpolación de hip-hop y noise era un evento limitado a las endogámicas barreras del underground; afortunadamente, los 73 minutos de producción poco ortodoxa y homenaje a las vertientes más ominosas del rap que componen el debut de Lil Ugly Mane ayudaron a difuminar tales distinciones. –Alonso Aguilar

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70. Perfume Genius – Put Your Back N 2 It (2012)

Perfume Genius es el sobrenombre por el que se conoce a Mike Hadreas, compositor y cantante instalado en Seattle. Put Your Back N 2 It, exhibe las melodías más personales del artista de la mano de temas que revelan el sentido de su nombre creativo: fragancias que nunca se acaban. – Pablo Acuña

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69. María y José – Club Negro (2013)

En un mundo más justo, Tony Gallardo sería considerado uno de los productores más importantes de la década. No es ninguna exageración. Sus aportaciones van desde la representación musical del cyber-punk hasta la fundación del Ruidosón y la creación de melodías perfectas para pistas de color neón. Uno podría asegurar que Gallardo hizo de todo y para todos, pero es en Club Negro en donde se encuentra su exposición más formal como María y José. Aquí se escucha como nunca y es tan valiente como siempre. Canciones como la increíble “Granada”, la sorprendente “Ultra” y la legendaria “Club Negro” lo hacen ver como un habilidoso escritor; y otras como “Violentao” o “Rey de Reyes” lo confirman como un sensible conocedor del baile salvaje. Este disco lo llevó a centímetros de la gloria social de la que debió haber gozado desde sus inicios. – Joan Escutia

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68. Jenny Hval – Apocalypse Girl (2015)

En su libro Paradise Rot, Jenny Hval convierte una historia de horror en una reflexión sobre el despertar sexual, la feminidad y la obsesión. Leerlo con Apocalypse, Girl de fondo es una combinación perfecta, porque es en este disco en donde Hval lleva todas esas preguntas a una especie de monólogo musical que no solo funciona, sino que lo hace de una manera muy distinta a como lo hacía en sus anteriores discos. Aquí es en donde Hval llegó a los oídos del mundo para dejar de ser una extraña escandinava y convertirse en una de las mujeres más ambiciosas e interesantes del mundo musical. Años más tarde el disco se siente esencial para entender una carrera dedicada a la exploración interior a partir de los grandes debates sociales. La mirada de Hval es tan valiosa como en ese entonces, y este disco es fundamental para comenzar a entenderla. – Joan Escutia

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67. Empress Of – Me (2015)

La norteamericana con raíces hondureñas Lorely Rodríguez puede estar segura de que con Me, su álbum debut, redefinió lo que se conoce como pop latino. Mezcolanza de R&B, jazz latino, y el pop mainstream, fueron tomados por la artista y redimensionados en un estilo de lo más novedoso que escuchamos por estas latitudes. De una forma directa y honesta la artista nos interpeló con distintas cuestiones como el sexo, la intimidad y la sensación que deja cualquier ruptura amorosa. Son los temas bien retratados en el álbum, lo cual lo convierten en una experiencia imperdible e irrepetible. – Migue Chaves

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66. Deafheaven – Sunbather (2013)

Para una banda como Deafheaven, 7 canciones bastan para convertir un álbum en trascendental. Es la combinación perfecta entre la atmósfera post-rock y las agallas del black metal. Este disco de 2013 nos llena los brazos de escalofríos en una tarde con lluvia, o en caluroso día de verano; de camino al trabajo o simplemente mientras nos preparamos para dormir. Su segundo lanzamiento nos seguía insistiendo que esta era una banda para poner siempre atención, y desde entonces no nos ha decepcionado. –Stuart Roldán

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65. Autre Ne Veut – Anxiety (2013)

Mucho se ha hablado sobre los artistas reservados y vulnerables que le han dado forma al R&B alternativo de los últimos años, con su sonido turbio y oscuro y sus letras decadentes y existenciales. A primera vista, Autre Ne Veut parece caber perfectamente dentro de esos parámetros: una personalidad inicialmente encubierta, un primer disco grabado por cuenta propia y un segundo disco que toca temas como la muerte y el anhelo. Pero a diferencia de vocalistas como The Weeknd, que parecen haber caído en un miserabilismo auto-paródico, Autre Ne Veut en Anxiety es puro sentimiento sin filtro; una explosión improvisada de emociones que, con la ayuda de una paleta de sonidos inspirada por Daniel Lopatin, nos lleva de la melancolía al éxtasis y la aceptación en poco más de media hora. – Manfred Vargas

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64. Extraperlo – Chill Aquí (2016)

Paralela a una escena donde nos enamorábamos de El Guincho, también desde Barcelona, y dentro del pop y funk con sintetizadores, podemos encontrarlo a Extraperlo, quienes para mediados de la década nos regalaron un disco cuyo nombre lo encapsula a la perfección: Chill Aquí (2016). Aleix Clavera, Alba Blasi, Cacho Salvador y Borja Rosal, lanzaban, posiblemente sin saberlo, su último álbum de la década (y posiblemente de la vida) retratando a toda una generación de personas mediante el baile lento. –Stuart Roldán

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63. D’ Angelo – Black Messiah (2014)

D’Angelo no solo sorprendió a propios y a extraños con su inesperado retorno luego de 14 años, sino que este vino en la forma de su lanzamiento más ambicioso hasta la fecha. Black Messiah es un álbum tan conceptualmente relevante, como musicalmente sublime, pero sobre todo, un trabajo lleno de emoción y alma.  –Alonso Aguilar

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62. Mitski – Puberty 2 (2016)

El cuarto de Mitski álbum presenta una visión más personal de la lucha interna del día a día de la artista por simplemente ser feliz. Es un estudio detallado del significado de la felicidad al llegar a la adultez y golpearse directamente con la realidad. La composición de sonidos se transforma a medida que el disco va avanzando en un paisaje emocional bastante maduro, pero fácil de entender y simpatizar con el. Sus letras, una yuxtaposición de sentimientos oscuros y desesperanzados, cierran en una nota de ilusión que despierta sentimientos de confianza en el porvenir. Su cuarto proyecto incluye elementos de dream pop y R&B, a la vez que combina falsetes y cambios de clave junto con ritmos de caja de percusión. Sin duda Mitski Miyawaki es y seguirá siendo una de las voces más poderosas y convincentes de la esfera del sonido indie-rock. – Jimena Pizarro

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61. Japandroids –Celebration Rock (2012)

La juventud es un tesoro que se escapa en un abrir y cerrar de ojos. El segundo LP de Brian King y David Prowse es una celebración a las noches de borracheras y estupidez, pero a la vez a los momentos únicos de un período en la vida que puede ser considerado una época dorada; una en la que la pérdida de la inocencia, la integración al mundo, el amor, la amistad, el dolor y la esperanza, son los protagonistas; una de la que Japandroids logró hacer una historia épica. – Gabriel Castro

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60. Lou Reed & Metallica – Lulu (2011)

La colaboración más infame en lo que sin duda es el proyecto más incomprendido de la década. Un álbum tan osado que desde su mera concepción estaba destinado a alienar a todo aquel afín a cualquiera de las partes involucradas. Por un lado, están los macabros spoken word de Lou Reed, que por sí solos evocan los momentos más absurdos de la poesía surrealista, pero una vez que estos son sobrepuestos a la implacable disonancia instrumental de Metallica (recordando los momentos más abrumadores del odiado St. Anger de 2003), el resultado es una verdadera oda al caos; uno de los momentos más subversivos en la historia moderna del rock, y una apropiada despedida en modo troll para uno de los grandes anarquistas del género en Reed.  – Alonso Aguilar

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59. Jessy Lanza – Oh No (2016)

La reivindicación del R&B más meloso fue una tendencia inesperadamente duradera en los últimos 10 años, y a raíz de esto, nos dio  muchos resultados que caen en el pastiche, aunque unos pocos de carácter mucho más inspirado. Dentro de esta última categoría podemos ubicar a la canadiense Jessy Lanza, quien en su segundo álbum se encuentra en una muy refrescante intersección entre el R&B, el pop electrónico y la música de clubes. Alternando entre baladas de un romanticismo naïf y autoconsciente con joyas de pop eufórico como “It means i love you” ; en segmentos parece lograr una extraña alquimia entre música de baile y su énfasis en el diseño de sonido , la funcionalidad absoluta y el anonimato, con las estructuras y temas más familiares del pop.  Todo esto unido por una voz a ratos frágil y exageradamente femenina, alejada de los histrionismos vocales de las divas, acompañada siempre de una producción prístina, rozando lo estéril pero siempre efectiva. Tal vez Jessy Lanza es la multifacética anti-estrella pop que pudimos tener para esta década pero que no supimos merecer. – Marvin Coto

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58. Oneohtrix Point Never – R Plus Seven (2013)

Luego de un par de discos en los que minó a cabalidad el potencial musical enterrado en el detrito de una distópica sociedad consumista, Daniel Lopatin (mejor conocido como Oneohtrix Point Never) decidió dejar atrás el retrofuturismo de esos esfuerzos anteriores para abordar un sonido que solo puede ser descrito como contemporáneo. R Plus Seven es un disco fragmentado y abstracto en el que, con ayuda de una bolsa de trucos sonoros que mezcla lo análogo con lo digital, Lopatin explora las tensiones de una vida cada vez más mediada por lo virtual. Es otro mundo verde, pero visto a través de un fondo de pantalla de Windows. – Manfred Vargas

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57. El Guincho – Pop Negro (2010)

Si algo sabemos de El Guincho es que es un estudioso de la música, algo que demuestra en cada uno de sus discos y colaboración con diferentes artistas. En especial con Pop Negro (2010), en donde demostró que los sonidos del Caribe y la africanía podían ser llevados a un pop exquisito de los años de cuando todavía ocupábamos Tumblr. Con coros que se remarcan a lo largo de todo el disco y que nos sirven como un hilo conductor, escuchamos marimbas, mixes de teclados y sintetizadores ochenteros, y beats que nos dan un paseo por los colores más brillantes del universo de Pablo Díaz-Reixa. –Paula Altamirano

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56. Sun Kil Moon- Benji (2014)

Un disco dedicado a la muerte, o casi. Sun Kil Moon crea en 2014 uno de los lanzamientos con mayor sentimiento de la década. Un disco crudo y sincero, que al ritmo de una guitarra folk y la voz de Mark Kozelek hilvana canciones sencillas a nivel compositivo, pero cargadas de un implacable peso emocional en sus letras que nos obligaba a darle repeat una vez que se acaba.  – Stuart Roldán

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55. Jai Paul – Leak 04-13 (Bait Ones) (2019)

El anonimato puede ser una herramienta pedante para muchos artistas, pero nadie, ni Daft Punk, ha tenido la tenacidad laboral de este joven inglés. Tras singles que son obras magistrales por si solas, este leak fue la muestra definitiva de la grandeza de esta brillante mente. Si esto son demos, no quiero ni saber lo que va a ser (si es que llegara a pasar) un disco de estudio. – Gabriel Castro

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54. Blood Orange – Cupid Deluxe (2013)

Esta obra es una detallada narración de los sentimientos de angustia de Dev Hynes a través de sus más grandes anhelos. Demuestra con composiciones de pop melancólico inspirado en el sonido de los años 80’s, que el desamor es real, y eventualmente nos alcanza a todos. Esta vez, combina invitados en los vocales, ondas con frecuencias más tranquilas y relajadas que las que solía utilizar y rap fresco y europeo. Las variaciones del amor están presentes en todas las canciones, sin embargo, la narrativa es abierta y da lugar para interpretaciones diferentes, cada una definida por cada oyente. Dev Hynes se ha caracterizado durante estos años por su enorme presencia y fuerza creativa y su segundo proyecto discográfico definitivamente elevó su perfil artístico en el 2013. – Jimena Pizarro

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53. El Mató A Un Policía Motorizado – La Dinastía Scorpio (2012)

El Mató a un Policía Motorizado con La Dinastía Scorpio demostró la madurez que habían alcanzado después de un largo recorrido. Un sonido mucho más pulcro, y la voz de SantiagoMotorizado”, su vocalista, lograron alcanzar un punto bastante alto. Los sudamericanos crearon himnos que nos acompañaron y aún nos acompañan en nuestro día a día; y  es que La Dinastía Scorpio va de eso: de momentos cotidianos y las emociones que nos acompañan en nuestro caminar. La amistad más pura, el amor intenso, la música y lo vital que es en nuestras vidas. El soundtrack perfecto para una generación con más preguntas que respuestas. – Migue Chaves

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52. Carly Rae Jepsen – EMOTION (2015)

Por donde se vea, Emotion es una anomalía en el panorama pop contemporáneo. En tiempos regidos por un portento confesional y melancólico, Carly Rae Jepsen decidió llevar el pop de vuelta a sus raíces más azucaradas y coloridas. Tema tras tema este álbum de culto sorprende con sus matizadas atmósferas de neón ochentero, sacando sonrisas con infecciosas melodías rebosantes en amenidad y sentimiento; uno de los grandes triunfos de la hiper-sinceridad y el wholesomeness musical. –Alonso Aguilar

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51. TNGHT – TNGHT (2012)

Los 15 minutos que cambiaron para siempre los sonidos electrónicos en el nuevo milenio. Una despiadada descarga de maximalismo puro, donde cada tema parece intentar superar al anterior en una demencial competencia por determinar la canción más bombástica de la historia. Un hito tan indescifrable hoy como lo fue cuando incendió al mundo hace ya 7 años. –Alonso Aguilar

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50. FKA Twigs – LP1 (2014)

Con sus dos primeros EPs, la artista británica FKA Twigs comenzó a construir su propio estilo musical, pero con su álbum debut LP1 lo terminó de solidificar. Reflexionando acerca de su sexualidad y el empoderamiento femenino, pero también sobre sus propias emociones, ella explora el punto medio entre la sensualidad y lo grotesco, y no teme reflejarlo en su música. Sus colaboraciones con artistas más experimentales como Arca, Sampha, Clams Casino o gente más adentrada dentro del mainstream como Paul Epworth o Emile Haynie hicieron que LP1 sirva como puente para unir el pop o el R&B con la música electrónica más futurística, demonstrando que FKA Twigs es una artista única que vale mucho por si sola. A pesar de que ya hayan pasado varios años del lanzamiento de LP1, este sigue siendo muy influyente, y lo es merecidamente. – Tomás Gauna

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49. The War on Drugs – Lost in the Dream (2014)

Lost in The Dream es una oda sincera y profunda hacia la nostalgia. A ese amor al pasado que tanto nos persigue. Esto se puede ver representado en el sonido ochentero que recuerda las mejores épocas de The Boss (Bruce Springsteen), pero sin olvidar el presente de ese momento. La carretera en el suelo norteamericano, un corvette rojo y el cassette con “Red Eyes” sonando a todo volumen. Y el sentimiento es extraño al pensar que la misma nostalgia que este disco  tiene, es la misma que uno llega a sentir al volver a escuchar ese ahora icónico intro de “Under The Pressure”, canción que abre este álbum. – Daniel Matarrita

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48. Gepe – Audiovisión (2010)

Iniciando la década, un joven Gepe lanzaba su tercer disco en estudio del que se desprende una de sus canciones más emblemáticas: “Por la ventana”. Llegó a ser #1 en varias lista de México y a estar entre los mejores diez discos de ese año para medios como Club Fonograma o Panamérika Redbull.  Apenas 2010 y  Gepe nos regalaba uno de sus álbumes esenciales, que no podemos recordar sin retornar a los sentimientos que evoca, y que ponía a sonar a Latinoamérica en nuestros corazones. – Stuart Roldán

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47. Robyn – Body Talk (2010)

¿Qué más se puede decir del disco que contiene la canción de la década? Lanzado a finales del 2010, Body Talk es realmente un disco que hace que se mueva tu cuerpo y tus ideas preconcebidas del pop. Con una obra que de principio a fin nos entrega lo mejor del electropop, dancehall, eurodance e inclusive algunos cortes con tonos más hip hoperos, Robyn nos demuestra una vez más que debería estar en el sitial del pop mundial. Manejándose en cualquier ritmo y con toda clase de colaboradores – como Snoop Dogg, Diplo o Royksopp – nos hace sentir que está dentro de nuestra mente cuando en plena pista de baile vemos a quien nos gusta bailando con alguien más. El amor te puede matar y el buen pop estará ahí para salvarnos del abismo. –Paula Altamirano

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46. Against All Logic – 2012-2017 (2018)

Nicolas Jaar es sorprendente. Su estilo fue desarrollado durante la década como atrevido y experimental, y justo cuando parecía que, con los álbumes que había lanzado hasta 2017, teníamos un retrato más o menos completo de sus facetas, aparece Against All Logic, un proyecto en el que vació algunas composiciones hechas en el período de tiempo que da título al álbum (2012-2017). Las canciones contenidas en este material se presentan con honestidad ante quien escucha, son temas directos, con bases que no se hacen esperar, a veces influenciados por formas más tradicionales de pop y house que las de otros álbumes de Jaar, matizados por su capacidad de hacer canciones con pausas, bajadas y subidas, como si al escuchar cada tema nos subiésemos a una montaña rusa que podría no tener fin, y aún sin final, estaríamos bien. – David Penado

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45. Chief Keef – Finally Rich (2012)

En un momento donde el hip-hop parecía favorecer a los artistas más melódicos e introspectivos de la ola Drake, un joven pandillero de 17 años se aseguró de que el género descendiera una vez más a su esencia más escabrosa. Lanzado como cierto tipo de celebración del meteórico ascenso del rapero adolescente en la escena de Chicago (y posterior a un arresto domiciliario), Finally Rich compila el exceso maximalista y la extravagancia posmoderna que años más tarde caracterizaría al trap de figuras excéntricas como Playboi Carti y Lil Uzi Vert. Pero más allá de su incuestionable influencia, los 12 temas del debut de estudio de Chief Keef se mantienen como una escucha despiadada, donde la energía incesante del de Illinois y la innovadora producción de su destacado roster de productores, logran que se viva en carne propia el hedonismo y las contradicciones inherentes a ser un adulto incipiente en la cima del mundo. – Alonso Aguilar

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44. Fiona Apple – The Idler Wheel Is Wiser Than the Driver of the Screw and Whipping Cords Will Serve You More Than Ropes Will Ever Do (2012)

El lado agresivo de Fiona Apple fue plasmado en The Idler Wheel.  Luego de 7 años de desaparecer de todo reflector público, llega la sorpresa (incluso para su disquera) de que ya tenía un álbum grabado; uno que intentaba ser lo más genuino posible, en palabras de la artista. Poderosas y desgarradoras letras son la base de un álbum que se sostiene en lo acústico, lo cual da la sensación de intimidad y de cercanía, esa forma tan próxima con la cual se pueden sentir ese cúmulo de emociones rabiosas de Fiona, y que hace que se empatice con facilidad con esas sensaciones explosivas. – Migue Chaves

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43. Bam Bam – Futura Vía (2012)

Futura Vía es un caso excepcional. El resurgimiento y nuevo auge de los sonidos del rock psicodélico que tuvo lugar en la primera mitad de la década también permeó latinoamérica. Desde México, Bam Bam planteó un sonido explosivo y vistoso. Futura Vía es un disco osado, al lograr con éxito una atmósfera de audio que ha sido difícil de encontrar en la historia del rock latinoamericano, con pasajes de claridad mezclados con otros más turbulentos; y con él, Bam Bam deja un legado de expansión y nuevas frontera de estilo y sonido para las bandas de rock en latinoamérica que aún están por llegar. –David Penado

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42. Kanye West – My Beautiful Dark Twisted Fantasy (2010)

La ejecución de My Beautiful Dark Twisted Fantasy es un homenaje a las bases y el estilo característico de Kanye West: uso de samples, composiciones de soul y gospel como cimiento, colaboraciones icónicas pero impredecibles, romper los esquemas del rap como lo conocíamos en ese entonces, entre otros. A pesar de no cumplir con los estándares tradicionales del género, la influencia del hip-hop clásico siempre siguió presente y esta vez se combinó con sonidos de rock, pop, funk y música electrónica. La relevancia de esta obra se mantendrá por muchos años debido a la búsqueda de West de llevar al ser humano a otro nivel de pensamiento y conocimiento; un ser que como él mismo ha afirmado en varias entrevistas, “se asfixia de creatividad”. Estas palabras quedaron plasmadas en la cultura del hip hop y el rap y hacen que el estudio de este proyecto musical sea siempre revelador en cuanto a nuevos descubrimientos y significados. – Jimena Pizarro

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41. Chromatics – Kill For Love (2012)

Uno de los clichés más repetidos de la crítica es el de “música para una película imaginaria”, incluso el mismo Johny Jewel, auteur detrás de Chromatics, tituló de manera similar a uno de sus proyectos paralelos de corte instrumental. Pero en Kill For Love el lugar común está más que justificado, pues en una duración casi cinematográfica (77 minutos), las canciones se van sucediendo de una manera tan vívida y coherente que es como si pudiéramos reconstruir una serie de eventos dramáticos ocurridos tras la caída de la noche y con personajes enmarcados en luces de neón (no es de extrañar que Chromatics apareciera en la banda sonora de la fallida Drive). Kill For Love es pop sintético sin pretensiones de futurismo, pero tampoco es una simple reconstrucción de época. De un romanticismo estilizado, incluso frío, esta es música que solo puede ser efectiva a través de la voz plana e inexpresiva de Ruth Radelet (dicho esto como un halago) quién se convierte en el centro emocional del disco, que también está completado por pasajes instrumentales, casi ambient, que le dan un carácter épico, nocturno e inconfundible. – Marvin Coto

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40. Laurel HaloQuarantine (2012)

Quarantine de Laurel Halo, es un disco que junta sus facetas de música electrónica con enfoques vocales muy interesantes, evocando ambientes espaciales y personales desde su misma portada – Pablo Acuña

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39. Angel Olsen – My Woman (2016)

En su tercer disco de estudio, Angel Olsen decidió evolucionar sus letras esperanzadoras y simultáneamente dolorosas, pero intentando experimentar con algo más complejo. Múltiples guitarras, sintetizadores y pues simplemente algo más envolvente. Estos deseos nos dieron como resultado My Woman. Un disco que nos da un pequeño viaje por múltiples sentimientos, pensamientos e historias desde los lugares más llenos de luz, hasta los más oscuros, pasando por en medio de unos momentos un tanto auto-reflexivos para ella. Una belleza que demuestra la versatilidad como compositora que tiene esta joven de St. Louis, Missouri. – Daniel Matarrita

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38. Juana Molina – Wed 21 (2013)

La obra de Juana Molina es como un cristal fluorescente en medio de una cueva; es una cascada de frescura llegando al oído, una piedra rara en el panorama de la música latina. Wed 21 se plantea como un álbum misterioso y complejo, que genera una atracción casi inexplicable para quien se deja envolver por su sonido, y las canciones que lo componen mantienen la calma a pesar de lo intrépido de los sonidos que las componen. En él, una vez más, Juana Molina traspasó los márgenes marcados con su obra pasada, y con ello, también los de la música latinoamericana como ha sido conocida hasta los 2010’s. –David Penado

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37. John Maus – We Must Become the Pitiless Censors of Ourselves (2011)

Hay algo en la música de John Maus que lo pone a la par de alguien como Larry Cohen, como una especie de profeta de otros tiempos. Alguien cuyas creaciones permanecen atesoradas solo por un puñado de personas, y que, a pesar de su bajo perfil, tienen una influencia palpable en generaciones posteriores. En donde las técnicas de Cohen sirven como inspiración para el horror y el sci-fi de hoy, las de Maus son parte fundamental para el pop de esta década que termina. En We Must Become The Pitiless Censors of Ourselves se muestra casi como un ser paranormal y su estudiosa vida fuera de la música complementa un mito que no deja de inspirar. La música de John Maus es tan sencilla como efectiva, tan extraña como simple y es en este disco en donde pone a la vista todo aquello como nunca lo hizo antes. –
Joan Escutia

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36. LCD Soundsystem – This Is Happening (2011)

Con la titánica tarea de crear algo diferente, James Murphy asumió el reto y logró lo imposible: un disco que cambió todo. Desde lo electrónico mezclado con los instrumentos base del rock en general (guitarra, bajo y batería), fueron creados himnos que nos acompañaron toda la década, tales como: la mítica “Dance Yrself Clean” y “Home”. El punk y el dance, dos géneros tan diferentes que jamás nadie pensaría que se podrían juntar, y que gracias al This is Happening nos pusieron a bailar hasta al amanecer miles de veces. – Migue Chaves

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35. Cate Le Bon – Reward (2019)

Reward es definitivamente un disco que exige reproducciones repetidas, no solo porque desafía a su oyente, sino también porque es totalmente gratificante. La letra puede ser abrumadora, la instrumentación y el canto discordante, pero cada elemento permanece en nuestros pensamientos mucho después de haber levantado la aguja. Algunos momentos evocan a Bowie, de la era de Berlín, con su bajo trippy y funky que sienta las bases para algunos gritos de vanguardia. Sónicamente, los momentos más brillantes del álbum vienen en forma de singles como “Daylight Matters” y “Home to You”. Reward es solo eso: el precioso y bien ganado resultado de la paciencia y la introspección. –Pablo Acuña

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34. Arca – Arca (2017)

Esta década, la venezolana Alejandra Ghersi se hizo conocer con su proyecto Arca gracias a su colaboración con artistas de renombre como Kanye West, Björk, FKA twigs o Kelela, pero sobre todo por su propio estilo de música electrónica densa, detallista y caótica por discos como Xen (2014) o Mutant (2015). Sin embargo, con este álbum homónimo Arca cambió su sonido en gran medida. Tomando su mayor influencia de la tonada, un tipo de música folklórica sudamericana presente en Argentina, Chile y Venezuela. Ghersi utiliza su voz sin efectos, de la forma más cruda posible, con la producción inmaculada de siempre. En este álbum Alejandra explora su propia identidad, no sólo al cantar exclusivamente en español, sino al mostrarse de forma más abierta a través de sus letras, sin esconder nada de sí misma. – Tomás Gauna

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33. DJ Rashad – Double Cup (2013)

Un frenético estilo de música electrónica con tempos que llegan a los 160 BPM no parecía ser material para discos de larga duración. Aun así, el genio de Chicago pareció explorar, en poco menos de una hora, todas las variantes posibles del footwork y sus afinidades rítmicas con el Drum and Bass , el House mas crudo y el Techno, entregándonos incluso momentos de belleza en medio del ataque insistente de las máquinas de ritmo. Los bajos atronadores que parecen vibrar en la misma caja torácica, incluso en parlantes menos que idóneos, los samples vocales desorientadores y el particular uso de los tiempos dobles en donde un track puede parecer lento e imposiblemente rápido a la vez ,son parte de un arsenal de trucos sonoras que hacen que este disco suene increíblemente físico y casi psicotrópico, incluso si se escucha bajo un completo estado de sobriedad. Por supuesto el espíritu hedonista y festivo de esta música también tenía su lado oscuro y lamentablemente fue lo que se llevó prematuramente a Rashad, quien sin embargo nos dejo este gran álbum y cientos de tracks sueltos muy dignos de redescubrir. – Marvin Coto

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32. Bflecha – βeta (2013)

Cuando pensamos en cómo evolucionó el pop durante los 2010’s, es difícil centrarnos en una sola arista musical. Las libertades de sonidos y estilos que fueron tomadas por los artistas de pop en estos diez años hacen complicado resumir el género en un solo sonido. Es justo en ese punto, donde BFlecha logra la certeza que impregna su álbum. Beta es una colección de canciones que podría ser una muestra de los estilos a los que podría optar un artista de pop en español de los 2010’s. Doce temas que van desde sonidos electrónicos que reverencian al New Wave, pasando por las bases trap y el estilo de R&B, hasta la música electrónica. Todo esto planteado con ímpetu y elegancia, completan un álbum que se vuelve un adecuado y sobrio retrato del pop de estos años. –David Penado

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31. Playboi Carti – Die Lit (2018)

Si el hip-hop ya era mal visto por los Ben Shapiros del mundo, el mumble rap era mal visto por los fans más “conservadores” del hip-hop. No contaban con Die Lit. Como todo buen arte transgresor, la visión del artista vence, apropia y descarta la idea de arte “high-brow”. La producción estelar de Pi´erre Bourne y compañía permite que Playboi Carti sea libre y experimente. El resultado es una racha olímpica de ad libs, ideas surreales, y artistas invitados luchando para no ser ahogados por los beats o el carisma de Carti. “Bought a crib for my mama with that mumblin´shit”, dice orgulloso el rappero de Atlanta en “R.I.P.”, provocando elogios de aquellos que celebran el llamado “Black Excellence”. El lugar canónico de Die Lit está establecido, continuando con la tradicional idea de que el hip-hop es el sucesor del jazz: ritmo, improv y comunidad. – Jose María Quirós

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30. Buscabulla – EP

Amalgamado de géneros latinos, licuados, y reinterpretados, aparecieron en el debut de Buscabulla. De la mano de una pareja puertorriqueña, llegó un álbum que inyectó frescura a la escena latinoamericana. Las líneas entre lo tradicional y lo vanguardista se volvieron difusas. Con letras y ritmos seductores fuimos envueltos en una novedad que se posicionaba como uno de los proyectos más ambiciosos de la década. Fueron suficientes 4 canciones, todas con tintes tropicales y modernos, para ser conquistados sin remedio. – Migue Chaves

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29. Danny Brown – Atrocity Exhibition (2016)

La grandeza de Danny Brown va de la mano con lo demencial de su arte, y si bien sus lanzamientos anteriores habían sido destacados, Atrocity Exhibition vino a confirmar el potencial que sabíamos que el rapero de Detroit tenía. Su flow frenético y sus rimas poco ortodoxas pintan un paraje de excesos y decadencia que es ambientado con varios de los beats más disonantes y descabellados jamás grabados. Cuesta pensar en algún otro rapero que si quiera se atreva a experimentar con las texturas abrasivas de este álbum, y mucho menos en alguien que logre conjugarlas con la maestría en que Brown evoca la esquizofrenia y el éxtasis. Una experiencia desafiante que sin lugar a duda será vista como un hito dentro del género y más allá. –Alonso Aguilar

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28. Godspeed You! Black Emperor – Allelujah! Don’t Bend, Ascend (2012)

Atmósferas pesadas y complicadas. Colapso, muerte, tristeza, redención, crisis económica, protestas globales. El 2012 era el tiempo idóneo para el regreso de la agrupación canadiense. El regreso más importante de ese año. Más que una mirada a la actualidad un disco demoledor que se trae abajo hasta al más optimista – Gabriel Castro

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27. Joanna Newsom – Have One On Me (2010)

Escuchar a Joanna Newsom siempre ha requerido ciertas cosas: paciencia, confianza, la capacidad de pasar por alto los defectos cosméticos a favor de una imagen más completa, más paciencia. Sus lanzamientos precedentes, Milk-Eyed Mender (2004) y Ys (2006), requirieron estas virtudes en números cada vez mayores, pero Have One On Me pide  un compromiso mucho más importante. Newsom es una artista de considerable talento e intencionalidad, y Have One On Me está tan cuidadosamente construido que requiere toda pizca de paciencia para apreciar y criticar. Newsom siempre será una figura divisiva, abierta a acusaciones de fantasía y, a pesar de la relativa franqueza de Have One On Me, que con letras como “Su cara de pez impecablemente etiolada” (de “No Provenance”) siempre proporcionanrá municiones para sus detractores. Para los devotos, sin embargo, suena muy parecido a una segunda obra maestra. –Pablo Acuña

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26. Frank Ocean – Channel Orange (2012)

Muchos recordamos detalladamente lo que estábamos haciendo cuando leímos la carta de agradecimiento de Frank Ocean por primera vez. Lo que no sabíamos era lo que sucedería después: la llegada de su primer trabajo discográfico; el complemento imprescindible del famoso mensaje de descubrimiento propio que recibimos 6 días antes. El sonido de su primer álbum se aleja de los orígenes donde se dio a conocer el colectivo de rap Odd Future, ya que toma un camino más cálido y clásico, donde se deriva del soul y termina mezclado con pop, funk y r&b. Es probable no entender en totalidad el valor y significado de ‘channel ORANGE’ sin haber leído su texto antes. Cabe destacar su impresionante habilidad para narrar historias, su poder de convertir letras y composiciones en momentos de intimidad, al mismo tiempo que mantiene un tono confesional.  Uno de los aspectos que hizo que el proyecto fuera tan conmovedor es su autenticidad y crudeza de expresión. Frank no tuvo que etiquetarse a sí mismo para lograr un impacto, de tal forma que obligó a los lectores y oyentes a involucrarse en una experiencia romántica específica y anhelar llegar a experimentar lo que él mismo sintió en aquel verano. – Jimena Pizarro

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25. Rosalía – El Mal Querer (2018)

El disco debut de Rosalía, Los Ángeles (2017), es una versión oscura, minimalista y éterea del flamenco, realizada junto al músico Raül Refree, que fue un éxito en su natal España. Pero El Mal Querer, producido por la propia Rosalía y El Guincho, es casi todo lo contrario. A veces, toma el flamenco en un contexto más pop, tomando la influencia de la producción moderna que se encuentra en muchos éxitos radiales, pero también lleva el género a terrenos más experimentales y extraños, añadiendo samples, autotune, vocoder, cuerdas o sintetizadores. Basado en un libro occitano escrito en el siglo XIII, cada canción de El mal querer es en sí un capítulo, explicando una parte diferente de la historia. Es algo ambicioso, pero evidentemente funciona, justificando muy bien el estatus de Rosalía como un ícono en ascenso. – Tomás Gauna

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24. Julia Holter – Loud City Song (2013)

El 2013 Julia Holter nos llevaría a un universo de armonías llenas de ensoñación y tranquilidad en Loud City Song, un disco que perfectamente puedes escuchar en la intimidad de tu casa mirando el atardecer, a pesar de que fuera el primer disco que Holter grabara fuera de su habitación. Añadiéndole un poco más de dramatismo que en sus entregas anteriores, con trombones y cuerdas que generan sonidos más voluminosos, esta obra de la artista norteamericana nos entrega a una narradora que no teme mostrar su interior ni sus emociones más profundas: Julia Holter es tan real como tú, sufre como tú, sólo que tiene las herramientas y una preciosa voz con la cual puede transmitir esa interioridad al mundo. –Paula Altamirano

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23. Future Islands – Singles (2014)

Si bien géneros por los que se puede poner esta banda como Synth Pop o incluso Indie, ya eran algo recurrente en la música cotidiana, la unión de melodías de verano con la voz tan particular de Samuel T. Herring fue algo extremadamente sorprendente. Y es que la mejor forma de describir Singles es como si una terapia de introspección fuera hecha en medio de la playa, con camisa de flores, tomando agua de pipa y con lentes oscuros. Singles es esperanzador, es melancólico, es oscuro pero más importante, es uno de los discos más honestos de la década. – Daniel Matarrita

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22. The Caretaker – Everywhere At The End of Time (2016-2019)

Al anunciar Everywhere at the End of Time, Leyland James Kirby dijo que “iba a darle demencia” a The Caretaker, como una forma de retirar este mismo pseudónimo. Esto llevo a varios malentendidos, tanto como gente que aseguraba que esto se trataba de una apropiación burda de lo que es una enfermedad tan dura como es el Alzheimer o la demencia, o quienes pensaba que el músico padecía de esta enfermedad. Sin embargo, esta serie de discos probó ser una exploración sincera de un tema difícil de abordar, hecho por alguien que sabe lo que hace. Un trabajo de música ambient complejo en temática, que logra provocar muchos sentimientos. Quizás no sea algo para escuchar en el día a día, pero es una experiencia que logra ser confusa, aterradora y maravillosa al mismo tiempo. –Tomás Gauna

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21. Carmen San Diego – Mapas Anatómicos (2016)

Mucho se asombraron en el 2016 de ver este disco como nuestro #1 de ese año ¿Pero por qué Carmen Sandiego? La pregunta es obligada, pero la respuesta no la van a encontrar en mis palabras o en las de otra persona, sino en cada una de las piezas que le dan vida a este maravilloso álbum en el que Flavio Lira y compañía no sólo utiliza sus cuerdas vocales para transmitir un sentimiento, sino también su corazón.  No sé qué más decir, es un álbum bañado de honestidad y sensaciones que se adhieren al cuerpo para arrancarnos una lágrima como es el caso de “Iluminada” con letras como “En todos los ingredientes de mi comida estás presente. En mi rutina vos estás siempre”. Mapas Anatómicos es un ejemplo de crecimiento, de madurez, y del cómo se deben de hacer las cosas: con el corazón. – Pablo Acuña

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20. Grimes – Art Angels (2015)

El proyecto número cuatro de Grimes fue mucho más que un álbum, ella misma lo presentó como su manifiesto feminista en contra del sexismo de la relación entre mujeres en la música y algunos productores. Fue en aquel año que descubrió que no necesitaba la ayuda de nadie más, ya que ella era el elemento clave para finalizar y darle vida a su obra. Su estructura narrativa, sumamente experimental, introduce una nueva mezcla sonora que no habíamos escuchado antes: pop, rap, electro-funk y acústicos comprimidos. A pesar de experimentar con nuevos sonidos, su característica melodía electrónica-alienígena sigue siendo la estructura dominante de la obra, elevada y mejorada bajo su propia directriz. Esta joya de la década, además de ser una composición brillante, está llena de pura voluntad, valentía y deseo de ser escuchada en sus propios términos. – Jimena Pizarro

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19. Destroyer – Kaputt (2011)

En Kaputt, Dan Bejar se entrega a algunos de los géneros pop más mal vistos de todos los tiempos: jazz suave, ambiente new age, easy listening y white disco. El álbum está lleno de riffs sórdidos de saxofón, teclados electrónicos voluminosos, desgloses de jazz ácido y sintetizadores profundos. Musicalmente, parece surgir de un salón de baile nocturno de un hotel en declive, donde los hombres fingen perseguir a las mujeres para conseguir cocaína, y las mujeres desaparecen en los cuartos traseros para desaparecer para siempre. Dan Bejar es un músico privilegiado, y nosotros lo somos aún más al poder escucharlo. –Pablo Acuña

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18. Diosque – Constante (2014)

Estrafalario poeta pop, Diosque dejó atrás las miniaturas y los momentos de cantautor más tradicional de sus anteriores álbumes para entregarnos su siempre personalísima versión del electropop. Hay canciones que suenan a Miranda! en ácido, otras parecen obras de luminarias del rock argentino vestidas en sintetizadores, algún sonido de teclado remite, aunque sea subliminalmente, a la cumbia villera y su omnipresente keytar. Además, están las palabras, a veces incomprensibles, en otras de una originalidad memorable, frases sueltas en donde Diosque se declara un bicho de culto, afirma que de todas las horas del día se identifica con las seis y nos recuerda que a veces no importa quien lo hace primero sino quien lo hace mejor. Y es probable que ese estilo de pop con sensibilidad de autor y ligeramente torcido, “raro” en el mejor sentido, esté perfeccionado en Constante . – Marvin Coto

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17. Yves Tumor – Safe in the Hands of Love (2018)

En este frenesí posmoderno, la música que destaca es la que se encuentra en constante reinvención y hace un esfuerzo consciente para escapar de los preconceptos y los lugares comunes. La encarnación sonora de todas estas ideas fluyen y se rebasa en los densos canales de Safe In The Hands of Love de Yves Tumor. Al librarse de toda noción de lo que es “experimental” y lo que es “pop”, el artista conocido como Sean Bowie conjuga sus ideas sobre identidad y transfiguración desde una estética tan fresca como desconcertante. Desde el primer segundo, las abrumadoras barreras de disonancia se hacen presentes. Al jugar tanto con el apocalíptico  llamado de trompetas como con punzantes distorsiones electrónicas, Tumor sumerge en una dimensión cuya corporalidad es latente. La transformación, y el dolor que es inherente a ella, consumen todo a su alrededor. La incertidumbre del contexto social, del sexual y del emocional coexisten y se alimentan entre sí en lo que es una búsqueda de sentido integral que explora texturas tan disímiles como la sutil melancolía melódica y la devastadora confrontación del ruido. La tumultuosa narrativa de Safe In The Hands of Love culmina con un renacer, aludiendo así a la idea de que la verdadera liberación solo puede existir con el desprendimiento total de lo que hubo antes. Para Yves Tumor, el cambio solo puede llegar cuando la revolución es interna, y su radical exploración de esta idea sirve como un potente testamento sonoro que resuena particularmente en nuestros tiempos. – Alonso Aguilar

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16. Swans – To Be Kind (2015)

Una de las experiencias sonoras más fascinantes y agresivas que nos dejó el 2014 fue To Be Kind, producto de la perturbada mente de Michael Gira y compañía. En sus dos horas de duración, el disco reta al oyente con ritmos tribales e infecciosos, guitarras ensordecedoras, inmensas murallas de sonido y los desgarradores alaridos de Gira. Momentos de una tensa y perturbadora calma adornan piezas como “Kirsten Supine” y “Just a Little Boy”, canciones que expanden la riqueza sonora del álbum. Mientras que “Oxygen” y “She Loves Us!” ofrecen una experiencia más cruda y salvaje, todo esto girando al rededor del monstruo que es la pieza central del disco: “Bring The Sun”, 30 minutos en los que se desata toda la locura y caos que caracterizan To Be Kind. Esta obra musical a fin de cuentas nos recuerda una idea importante, tanto del arte y de la música como de la vida misma: que la belleza se se encuentra tanto en lo limpio y ordenado, como en lo salvaje y violento. – Marco Gölcher

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15. Deerhunter – Halcyon Digest (2010)

Hay bandas que dan la sensación en algún momento de su producción discográfica de haber tenido un disco de gracia. Un álbum que muestra a la banda en total esplendor. Halcyon Digest se siente como ese álbum en la discografía de Deerhunter. Sus canciones podrían ser como joyas trabajadas con suavidad por una banda que sin esfuerzo deja salir algunos de los sonidos más destacados de su catálogo. Este álbum podrá ser una digna muestra en el tiempo de lo que Deerhunter logró como banda. Un sonido que a principios de la década sorprendió por su frescura, que aún habiendo pasado algunos años desde su lanzamiento, sigue vigente, pudiendo ser descubierto por quienes todavía no se han aproximado a escucharlo. –David Penado

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14. Alex Anwandter – Rebeldes (2012)

Si la revolución del pop chileno también fue sexual, Rebeldes es el disco que mejor lo refleja. Alex Anwandter le dio vida a un disco que suda y gime en todo momento: no importa si es una oda a la impotencia (“Que se acabe el mundo por favor”), un desgarrador lamento (“Tormenta”), una especial carta de amor (“Como una estrella”) o una autorreflexión (“Como puedes vivir contigo mismo)”, todo está bañado en un erotismo sutil que recuerda a las mejores películas de Gregg Araki. A partir de aquí la carrera de Anwandter se convertiría en algo crucial para el desarrollo cultural de una generación que aún continúa liberándose con su música de fondo. A casi 10 años de distancia sigue siento tan vital como aquel entonces. – Joan Escutia

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13. Sufjan Stevens – Carrie & Lowell (2015)

Carrie & Lowell, de alguna forma es ese grito catártico que Sufjan necesitaba (y tal vez alguno de nosotros también). A partir de la muerte de su madre, nace uno de los álbumes más íntimos e introspectivos del artista. Encauzando todas las posibles emociones y sentimientos que una pérdida de un ser querido puede traer se nos presenta en una (casi) narración anecdótica y metafórica. El álbum como la magnum opus de Sufjan, se ve impregnado de una tristeza profunda pero recubierta de una tranquilidad sagrada. – Migue Chaves

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12. Beach House – Teen Dream (2010)

El primer clásico definitivo del dúo es también su mejor álbum, lo cual no es poca cosa dentro de una discografía tan sólida, aunque a veces malinterpretada como monótona. Un sonido más elaborado y extrovertido en comparación con los delicados y algo tímidos comienzos del grupo llevó a que Beach House entrara en las “grandes ligas” del indie anglosajón (si es posible semejante oxímoron) sin necesariamente cambiar radicalmente el universo sonoro que venían cultivando. Aunque los referentes no eran difíciles de señalar: Mazzy Star, Cocteau Twins y el shoegaze de inicios de los 90, no hay en Teen Dream la referencialidad excesiva de la llamada “música de coleccionistas”, sino más bien la continuación de un legado de pop ensoñador, con aires psicodélicos, pero alejado del rock entendido como sudor, furia y guitarras,  aunque también del hermetismo de la experimentación o los eternos tonos grises del slowcore. En Teen Dream nos dieron joyas como “Norway” o “Silver soul”, canciones laboradas hasta el cansancio (cualquier entrevista con el dúo nos revela su carácter obsesivo en el estudio) que suenan engañosamente simples, alejadas de cualquier significado concreto y a pesar de eso, extrañamente emotivas y atemporales. – Marvin Coto

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11. David Bowie – Blackstar (2016)

¿Cuántas veces uno tiene la oportunidad de escribir una despedida, antes de la última mudanza? ¿Mas cuando es una despedida para un número inimaginable de personas? Bueno, Bowie así fue como se despidió de su vida en la tierra. Un disco que capturó perfectamente cómo vivió esos últimos meses. Un disco que se lanzó el día de su cumpleaños número sesenta y nueve. Dos días antes de su muerte. Y es que no importaba si uno era fan desde hace décadas o alguien interesado en la música. La sorpresa fue la misma para todos, pero agradecemos que haya quedado un último mensaje antes de su partida. – Daniel Matarrita

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10. Scott Walker – Bish Bosch (2012)

Hablar de Scott Walker es referirse a una de las figuras más enigmáticas y osadas en la música moderna. La mera progresión de su genio artístico crea una narrativa llena de subversiones, visualizada en una espiral decadente hacia los parajes más oscuros y demenciales jamás explorados de manera sonora. Bish Bosch (2012), su proyecto final en solitario, es la culminación de este impulso de abrasividad que se venía perfilando desde Tilt (1995) y The Drift (2006) ; una pesadilla disonante que se extiende por 73 minutos y consume en su horrorizante universo de cacofonías. Quizás el mejor legado posible para un artista que encarnó, y llevó al extremo, los puntos de concordancia entre vanguardismo y música popular. –Alonso Aguilar

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09. Alex & Daniel – Alex & Daniel (2013)

Una amistad llevada a la creación de un disco que nadie vio venir, pero que no sabíamos que necesitábamos. Se alinearon los astros y lograron conjugar lo mejor del pop de Gepe y Alex Anwandter en Alex & Daniel (2013): media hora de capas de sintetizadores, secuencias y una mezcla de melodías suaves y pegajosas que hacen que tus pies se muevan solos mientras te compadeces de ti mismo por culpa del mundo real. Esta obra lanzada bajo el alero del sello Quemasucabeza nos entregó grandes canciones como “Mundo Real”, “Cada vez que invento algo sobre ti” y “Una nueva aventura”. ¿Volveremos a escuchar novedades de esta dupla? Si nos gana la ansiedad ante esta incertidumbre, siempre podemos volver a Alex & Daniel. –Paula Altamirano

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08. The Knife – Shaking The Habitual (2013)

En la década del 2000, el dúo sueco The Knife lanzaron dos de los discos más influyentes del electropop en Deep Cuts (2004) y Silent Shout (2006). Hubiese sido fácil para ellos regresar de su larga pausa con algo como “Heartbeats” o “We Share Our Mother’s Health”. Sin embargo, optaron por todo lo contrario. Shaking the Habitual deja casi completamente a un lado la música pop, los estribillos pegadizos y las letras simbólicas para hacer algo abiertamente experimental y político – un álbum doble con una fuerte posición en contra del machismo, la homofobia, el capitalismo y toda estructura tradicionalista. Pasando desde la improvisación electroacústica al techno, de pasajes ambient de casi 20 minutos a canciones pop altamente complejas, Shaking the Habitual pudo haber sido demasiado pretencioso – sin embargo, logro ser el magnum opus del grupo y de la electrónica de esta década. – Tomás Gauna

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07. Björk – Vulnicura (2015)

Muchos discos se hicieron sobre rupturas, sobre divorcios, sobre pérdidas. Pocos se sienten tan devastadores y detallados como Vulnicura de Björk. Es un disco que, viniendo de una artista acusada injustamente de esotérica o incomprensible, muestra sus sentimientos de tristeza, confusión y ruina de forma increíblemente directa a lo largo de sus nueve temas. Estructurado de forma lineal desde el comienzo de la ruptura hasta la sanación y madurez emocional final, logra transmitir cada momento explícitamente. Musicalmente, junto con Arca y The Haxan Cloak, lograron construir un mundo sonoro tan fascinante como el de Homogenic (1997) o Vespertine (2001), prácticamente solo a través de instrumentos de cuerdas y beats intensos. Vulnicura demostró ser uno de los mejores discos dentro de una discografía ya excelente como es la de Björk, que siempre será una figura única en la historia de la música. – Tomás Gauna

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06. Mount Eerie – A Crow Looked At Me (2017)

La música, y las expresiones artísticas en general, suelen ser un espacio ideal de consuelo y catarsis para canalizar el duelo. Luego de perder a su esposa, víctima de cáncer, Phil Elverum no filtró su dolor a través de la estilización o trató de hacerla digerible desde algún enganche sonoro. No.  A Crow Looked At Me es un testamento documental sobre la crudeza de la depresión. Es una mirada invasiva hacia el alma quebrantada de un hombre incapaz de lidiar con el dolor en el momento; aquel que no encuentra enseñanza alguna en la experiencia y que no quiere dejar ir.  Es leer el diario íntimo de alguien cuya desolación ha carcomido cualquier otro sentimiento. En tiempos tan convulsos, A Crow Looked At Me es un recordatorio de volver a mirar hacia adentro y confrontar lo universal desde las batallas personales, por más insignificantes que puedan parecer en el amplio panorama de lo universal. La idea que explora puede no ser nueva, pero pocas veces se ha hecho sentir de forma tan palpable y visceral: la muerte es real. – Alonso Aguilar

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05. Ases Falsos – Juventud Americana (2012)

58 minutos que definieron un gran debut. Juventud Americana – el disco que le abrió paso a un nuevo sonido y una nueva formación a los ex Fother Muckers – se transformaría con el paso de los años, en uno de los discos más relevantes para el sonido latinoamericano. Cuando comenzamos a escuchar “Misterios del Perú” es entrar a un universo literario. Diversos capítulos que son parte de una misma composición, como una serie de crónicas que describen a Chile y el cono sur. 

Pasando de describir el amor juvenil hasta la relación existente entre los animales y la policía chilena, Cristóbal Briceño se desenvuelve con prolijidad en estas 15 canciones – algunas en colaboración con el guitarrista Martín del Real – dentro de las que destacan “Pacífico”, “Manantial” o “Séptimo cielo”, singles que quedarán para siempre en la memoria colectiva de esta década. –Paula Altamirano

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04. EMA – Past Life Martyred Saints (2011)

Existe un cliché inescapable asociado a la música confesional; la imagen de stock de una figura en silla de madera y con guitarra acústica cantando con los ojos cerrados, enfatizando sus vulnerabilidades y apelando a una preconcepción de lo que es “empatizable”. Al inicio de la década, y en pleno auge de los ejemplos más estériles y genéricos de la tendencias anteriormente mencionada, Past Life Martyred Saints apropió las bases del subgénero para moldearlas a su semejanza. Por medio de elementos de noise, rock distorsionado y una sutil sensibilidad pop, Erika M. Anderson materializa las desgarradoras experiencias de su vida en un testamento de catarsis emocional. Un viaje musical de dolor implacable expresado desde una idiosincrasia liberadora que plantea una nueva gramática tanto para artista como para escucha. –Alonso Aguilar

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03. Javiera Mena – Mena (2010)

La cantante y productora chilena Javiera Mena estuvo presente en el mundo de la música independiente latinoamericana desde mediados de la década del 2000, y su disco Esquemas juveniles (2006) podría ser uno de los mejores retratos de esta época. Sin embargo, en su segundo álbum, Mena, es donde Javiera brilla en cada aspecto. La mayoría de los temas en el disco tienen estribillos brillantes – en especial los singles “Luz de Piedra de Luna” y “Hasta la Verdad” –, y una producción inspirada en la música post-disco y el synthpop de los años 80 que no tiene nada que envidiarle a Robyn, Carly Rae Jepsen o varias otras representantes del “poptimismo” angloparlante. Mena es pop en su estado más puro, y uno de los trabajos más impresionantes dentro del género que vio esta década. – Tomás Gauna

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02. Kendrick Lamar – To Pimp A Butterfly (2015)

Érase una vez en una ciudad tan divina llamada West Side Compton, un pequeño niño. Ese niño crecería escuchando Tupac y Dr. Dre y haciéndose su propio nombre en el género del hip-hop. Luego de dos discos en los que fue creciendo gradualmente como artista, llegó To Pimp a Butterfly. Su obra maestra. Un álbum que habla de un sinfín de temas pasando desde la adicción, religión, violencia policial, legado, entre muchos otros. Y que de igual forma, un inimaginable número de interpretaciones de fans, melómanos, periodistas o simplemente fans del arte. To Pimp es una fotografía de lo que era el mundo en el 2015. Pre Trump y Post Eric Gardner. Esto sucedió en el preciso momento cuando el movimiento Black Lives Matter más necesitaba un himno, himno que terminaría siendo “Alright”. Si bien seguirán habiendo nuevas interpretaciones, conversaciones o simplemente recuerdos de esas dieciséis canciones por mucho tiempo en el futuro, y solo por eso merece estar en esta posición. – Daniel Matarrita

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01. Dënver – Música, Gramática, Gimnasia (2010)

Con toda la explosión del rap y reggaetón pisando los talones del mundo, parece haberse olvidado que toda la primera parte de esta década estuvo dedicada al pop, y que Dënver fue uno de los grupos más importantes para que sucediera. Con Música, Gramática, Gimnasia encontraron el punto más alto de toda esa revolución que también incluyó a otros personajes como Alex Anwandter o Javiera Mena. En este disco está el balance perfecto entre la inocencia y la rabia que solo algo como la juventud puede brindar. Es una colección de canciones que se sienten sexys, agresivas, amorosas y, sobretodo, apasionadas. Lo visceral del sentir adolescente nunca se escuchó tan bien como aquí. – Joan Escutia

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