Las 100 mejores canciones de la década (2010-2019)

Celebraremos el final de la década a través de listas y textos. Únanse a nosotros mientras exploramos la música que nos ayudó a definir la década.

Sí, somos unos románticos y unos nostálgicos. Nos encanta recordar tiempos pasados y platicar sobre lo acontecido en ellos, sobre lo bueno y lo malo, aunque conscientemente y para el disfrute de todos nos enfocamos en lo excepcional. Porque, ¿quién quiere que le recuerden los malos momentos?

Ni hablar, les presentamos esta primera lista de lo mejor de la década 2010-2019 con las 100 mejores canciones. Tanto en español como en inglés, porque al final todo es música y cabe dentro de una misma lista. LOS AMAMOS.

*El listado no incluye artistas o grupo nacionales (Costa Rica) porque se tratarán en un proyecto aparte a lanzarse a inicios del 2020

100. Best Coast – Boyfriend

99. yaeji – raingurl

98. John Maus – Believer

97. Un Planeta – Girando

96. Maria Usbeck – Moai y Yo

95. Future feat Kendrick Lamar – Mask Off REMIX

94. Ariel Pink – Round & Round

93. Tony Gallardo – Tormento

92. Caribou – Can’t Do Without You

91. El mató a un policía motorizado- Mas o Menos Bien

90. Japandroids- Younger Us

89. Jamie xx feat. Young Thug & Popcaan – I Know There’s Gonna Be (Good Times)

88. Diosque – Una naranja

87. Ms Nina – Tu Sicaria

86. Putochinomaricón – Gente de Mierda

85. Perfume Genius – Queen

84. Gepe feat. Pedro Piedra – En la naturaleza

83. Bflecha – B33

82. Julien Baker – Sprained Ankle

81. Odisea – Casa Latina

80. TNGHT – Higher Ground

79. La Plata – Un Atasco

78. Bam Bam – Abismático

77. Lil Uzi Vert – XO Tour Llif3

76. María y José – Granada

75. The War On Drugs – Baby Missiles

Cuando el fundador The War on Drugs, Adam Granduciel, aterrizó en su actual ciudad natal de Filadelfia en 2003, gran parte de su viaje al este fue a través del Zephyr de California. Ese tren serpentea desde California a Chicago, a través del desierto de Nevada y las Montañas Rocosas de Colorado y grandes extensiones de praderas, exactamente el tipo de paisaje que hace que los viajes por carretera en Estados Unidos sean clásicos. En Wagonwheel Blues (2008), el primer LP propio de su proyecto, Granduciel pudo destilar todo tipo de majestuosidad panorámica en sus collages de rock clásico: de principio a fin, esa música encajaba perfectamente en el camino. En “Baby Missiles”, canción de Slave Ambient (primer disco sin el ex guitarrista Kurt Vile), reconocer la habilidad de Granduciel para escribir canciones es inevitable. “Baby Missiles es perfecta para reproducirla durante un largo viaje. La guitarra acústica es como si tuviera vida propia sentada de copilota. Los sintetizadores zumban en los parlantes traseros. Un piano ronronea. Y yo grito al son de Granduciel por las ventanas. Pero, por encima de todo, la columna vertebral de esta canción es el tipo de drumbeat que pide ser golpeado en el volante de un vehículo. – Pablo Acuña

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74. Big Thief – Mythological Beauty

Big Thief ha disfrutado de un estatus muy importante en la música de los últimos dos años, incluso se trata de una de las bandas favoritas de artistas como Wilco, Frankie Cosmos y Conor Orbest. “Mythological Beauty” es un viaje personal que cuenta la vida de Adrianne Lenker, la cantante, guitarrista y escritora de Big Thief. Desde el primer disco, Lenker ha dejado en claro que algo que la inspira es su pasado; el pasado de su madre, de su familia y amigos. Honesta y personal, el tema es una oda a su figura materna, quien a una edad muy joven (17 años), dio a luz a su primer hijo. A los 27 pasó por momentos difíciles, que casi culmina con la vida de Adrianne, que a sus cinco años casi muere cuando una barra de metal cayó en su cabeza mientras jugaba en su casa en Nisswa, Minnesota.  Difícilmente encontrarán una canción así de sincera, musicalmente brillante y con una letra tan personal que pareciera que estuviéramos dentro de su viva memoria, sintiendo a ras de piel todas estas cosas que ella nos cuenta. – Pablo Acuña

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73. ANOHNI – Hopelessness

La música de protesta no se puede juzgar solo si genera un cambia al mundo. Idealmente, su primera prioridad es comunicar de manera efectiva las preocupaciones de la persona que lo hizo, y “Hopelessness” lo logra. Escuchamos dónde está ANOHNI y por qué, y luego debemos averiguar dónde estamos nosotros. Hasta ahora su voz había servido como confort para las personas, pero su interés no es hacer música que nos permita dormir bien de noche, sino conseguir un claro sentido de quien somos en relación con el mundo que nos rodea. Desesperada por el estado del mundo, en “Hopelesness” ANOHNI expresa su disgusto por la avaricia de la humanidad, comparándolo con un virus infeccioso. Cuando entramos en este tema, ANOHNI es imposible de parar. Habla de forma parsimoniosa, pero enlaza una expresión de indignación, una tras otra, cayendo en un juego de negación: Un país que piensa que el enemigo está fuera de ellos, y nunca aceptando que puede estar ahí dentro. – Pablo Acuña

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72. Arcade Fire – Sprawl II

“Sprawl II” es tal vez el mejor himno a la vida que nos dejó esta década.
Una canción de puro entusiasmo, alegría, adrenalina y que llega hasta a los lugares más escondidos del cerebro y contagia de este positivismo.
Es un gran contraste, hablando del disco como un todo, ya que la mayoría de este ganador del premio a álbum del año en el ya lejano 2011, habla de temas un poco más crudos y duros. “Sprawl II” llega para cerrar el disco, antes de su epílogo, con una nota positiva con la más que bella voz de Régine Chassagne. Un simple recordatorio que en estos diez años , a pesar de los momentos trágicos o problemáticos, esta gran banda de Montreal, Canadá nos recordó una razón más por las que uno debe seguir hacia un futuro mejor. – Daniel Matarrita

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71. Helado Negro – Running

“Porque te siento / En mi mente / Todo el tiempo / Porque te veo / En mis manos / Todos los días” canta Helado Negro en las nostálgica “Running”, un poema que rescata algunos de estos recuerdos de una manera melancólica. La música se desarrolla con una gracia paciente y una belleza absolutamente sublime. El tema se desarrolla respaldado por un encanto rítmico que no solo se ajusta a su título, sino que también parece flotar, especialmente las voces frías de Lange, que van suspendiéndose suavemente a través de atmósferas sombrías. Su trabajo visual logra la misma hazaña visceral, el movimiento constante que evoca las acciones de nuestras cabezas, manos y corazones, cuando se ven superados por lo que más apreciamos.- Pablo Acuña

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70. Andy Stott – Faith in Strangers

En 2014 el nombre de Andy Stott era sinónimo de atmósferas ominosas. Hasta aquel entonces, el productor británico había hecho una carrera a partir de sus disonantes composiciones industriales y densa experimentación rítmica, por lo que el lanzamiento de “Faith In Strangers” sacudió a todo aquel que pensaba tener encasillado al músico electrónico. Los elementos característicos de su estética seguían ahí, pero esta vez eran moldeados hacia una intención diferente; una exploración de paisajes luminosos y evocaciones románticas, amenas inclusive, donde Stott demuestra la pluralidad de su proeza en composición aún cuando se sale de su zona de confort.  –Alonso Aguilar

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69. Battles feat. Matias Aguayo – Ice Cream

Si hay algo que siempre ha distinguido a Battles de otras bandas de música experimental con guitarras es su apropiación sin complejos de una estética lúdica. Las estructuras de sus canciones son poco convencionales, y las texturas por momentos abruman intencionalmente los sentidos, pero toda exploración está siempre amparada en un concepto rebosante de color. El mejor ejemplo se encuentra en “Ice Cream”, tema de Gloss Drop (2011) donde juntan fuerzas con el excéntrico músico germano-chileno Matías Aguayo. Aquí, las barreras de sonido y las subversiones rítmicas responden siempre a una evocativo sensación de crema derretida y sabores artificiales. –Alonso Aguilar

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68. Lil B – Wonton Soup

Tan inclasificable hoy como lo fue al inicio de la década, “Wonton Soup” es la síntesis perfecta del genio de Lil B; una deconstrucción caricaturesca de los arquetipos del hip-hop elaborada sin una sola pizca de malicia, y filtrada por el maximalismo abrumador de la era de la información. Su superficie amateur y absurdo generalizado pueden llevar a algunos a reducir al rapero de San Franciso a una mera “novedad del internet”, pero existe una cualidad liberadora inherente a su arte marginal; una sinceridad abrumadora que solo puede ser exhibida por alguien que no concibe distinción alguna entre su “meme” y su identidad. Alguien que puede reconfigurar el sentido de un platillo chino y elevar el “swag” a su trillonésima potencia.  –Alonso Aguilar

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67. SVPER – El final de la noche

Le bastó a Sergio y Luciana tocar en directo “El final de la noche” en los sótanos de Canada para dar pie al hype de la banda anteriormente conocida como Pegasvs. Con un marcado escueto presupuesto, la melodía de semejante hit se impuso e hizo que la expectativa se convirtiera en máxima, como pocas veces sucede ante un debut. SVPER no acude a pasajes experimentales y progresivos, y prefiere acercarse con acierto al pop de forma brillante; pero manteniendo siempre ciertos formalismos del género, sobre todo en cuanto a repetición y monotonía rítmica. “El final de la noche” es tan impecable que aún nos sacia hambre de más canciones de SVPER. – Pablo Acuña

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66. Bad Gyal – Fiebre

Cada parte de “Fiebre” de Bad Gyal podría ser un estribillo de los que las mayores estrellas pop se morirían por tener en sus manos. No hay un solo segundo de “Fiebre” que no deje de sonar en tu cabeza una vez que la escuchas. Con una producción – cortesía de King DouDou – que mezcla lo duro del reggaetón y el dancehall con una melodía de sintetizadores y arpegios que suenan muy dulces y etéreos, no solo se merece el hecho de que sea una de las canciones más adoradas por los fans de esta cantante, sino el corazón de miles y miles de personas. – Tomás Gauna

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65. Crystal Castles feat. Robert Smith – Not in Love

Crystal Castles y su sonido revolucionario sonaron en todos nuestros iPods y en cualquier discoteca de corte alternativo a más no poder. Letras que atestiguan la experiencia de una generación romántica y rota. “Not in Love” fue el soundtrack a las rupturas de los inicios del 2010, con la colaboración del grandioso Robert Smith, era de esperarse una canción recubierta de nostalgia y melancolía, y así fue este tema lleno de dolor, con ritmos electrónicos bailables. Una aparente contradicción que nos llenó el corazón por mucho tiempo.  – Migue Chaves

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64. Gianluca – Siempre Triste

😦

La canción que definió musicalmente el 2017 en Chile – y que marcó una pauta para el desarrollo del trap en el país del cono sur – fue “Siempre triste” de Gianluca. 

El single parte de SSR Mixtape logró que un género como el trap, asociado a determinada actitud winner, también tuviera cierta vulnerabilidad. No era necesario ser parte de una trap house o estar cubierto en oro para sentir la esencia relajada que nos regaló Gianluca en esta canción, llevándola a un sentir pop y experimental que volvió a mostrar en sus siguientes trabajos.-Paula Altamirano 

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63. Destroyer – Kaputt

El single indiscutido de Kaputt tira toda la carne al asador musical con un saxofón al inicio, y al comenzanr con la sugerente línea cantada a coro: “Gastas tus días, buscando algunas chicas, seguro, buscando cocaína en los cuartos traseros del mundo todas las noches”. Quizás su mayor atractivo es que Dan Bejar parece hablar desde su experiencia personal, cuando las grandes ligas de la música y la vida disipada de una figura pública eran un sueño para él. Y es sincera, porque termina esta reflexión con algo de desencanto: “escribí una canción para América…¿a quién le importa?”Pablo Acuña

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62. SZA – Supermodel

La canción de la década de producción de Pharrell se sumerge en el mundo de las inseguridades actuales de la sociedad y la falta de amor propio. SZA describe la forma en la que por muchos años pasó comparándose con otras mujeres y como no se sintió suficiente para ser amada. Habla de cómo su propia percepción física y corporal depende directamente de la relación en la que se encuentra y cómo la hacen sentir. El tema contiene elementos sumamente personales y emotivos, como la grabación de teléfono de la madre de la intérprete, que escuchamos en otras piezas a lo largo del disco. Su tono de voz definitivamente transmite los sentimientos y emociones que experimenta, y hace que muchos nos conmovamos y nos identifiquemos con la lucha de la inseguridad propia. – Jimena Pizarro

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61. Parquet Courts – Total Football

Estamos ante una clase magistral sobre canciones de protesta que no sean obvias, o que no se sientan anacrónicas. Hoy más personas que nunca se consideran progresistas y los espacios de discusión correctamente se asignan a los grupos minoritarios afectados. Parquet Courts levantan el puño en solidaridad con sus compatriotas en lucha, alentando más allá de buscar protagonismo. La alegoría del “fútbol total” es sumamente ingeniosa en ubicar a la canción, además de su obvia referencia al activismo del quarterback Colin Kaepernick. Las personas merecen su espacio, y los que se consideran aliados deben escuchar y apoyar a los que buscan un mejor mundo, solo así se pueden integrar y avanzar juntos. Eso, y el rock aún tiene algo que decir en el siglo XXI. Dada total football, Beatles total football. – Jose María Quirós

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60. Father John Misty – Chateau Lobby #4 (in C for Two Virgins)

Josh Tillman nació para la composición. Ya habían indicios de eso desde temprano en su carrera, pero en I Love You, Honeybear (2015), fue la máxima expresión de su forma creativa, irónica y, en esta ocasión en específico, extremadamente romántico sin llegar al punto de exceso. En “Chateau Lobby” mezcla en múltiples ocasiones la forma en la que uno habla de enamorarse, con esos pensamientos de la primera vez en cuanto a encuentros sexuales. Como digo, esto no debería funcionar. Pudo ser innecesariamente cursi, fuera de lugar o por qué no, hasta incómodo, pero Tillman trata estos temas como si hubiera trabajado con ellos por décadas, haciendo de esta una de sus mejores canciones de este gran álbum. – Daniel Matarrita

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59. C. Tangana – Llorando en la Limo

Entre el 2017 y el 2019 el trap español ha visto una alza en popularidad. “Llorando en la Limo” encapsula perfectamente las influencias de otros géneros externos, y el mismo Alizz, quien produjo el tema, reconoce que su sonido se ve sumamente influenciado por Lil Skies, NAV, Lil Uzi y toda la nueva ola de personalidades del género urbano. La letra y la interpretación nos sumergen en una atmósfera melancólica y sentimental y hace contraste con la melodía vibrante; distrayendo del tema central: la depresión y tristeza que siente C. Tangana a pesar de todo el éxito que obtuvo en los últimos años.  – Jimena Pizarro

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58. Death Grips – I’ve Seen Footage

Quizás el testamento definitivo del improbable éxito de Death Grips se encuentra en “I’ve Seen Footage”, una de las extrañas instancias donde un tema abiertamente experimental cultiva la recepción de un banger. La agresividad de los gritos de MC Ride y los extraños grooves distorsionados de Andy Morin entrelazándose en sintonía con la vigorizante percusión de Zach Hill, para compilar así toda la energía del trío californiano en un pop abrasivo que no puede ser pensado sin un mosh a su alrededor.  –Alonso Aguilar

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57. Rihanna – Bitch Better Have My Money

Rihanna también podía mostrarse de forma violenta y jugar con matices de sonidos que nos llevaran a la rabia, saliendo de los esquemas del pop y todo lo que ello implicaba. En “Bitch better have my money” la cantante barbadense decidió apropiarse de las figuras que habíamos escuchado en el trap, cobrando las cuentas y haciéndose respetar. En un momento se pensó que esta canción podría ser parte de su octavo disco ANTI, pero quizás agradecemos que haya sido un single por sí solo, con la relevancia que sólo esta canción podría tener. – Paula Altamirano

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56. Carly Rae Jepsen – Run Away With Me

Me gusta ver que esta canción, al menos para mi, fue el momento exacto en el que reconsideré escuchar a Carly, que milagrosamente salió del agujero negro del “One Hit Wonder” con aquella canción que no pudimos evitar de ninguna forma a inicios de la década. Y es que Jepsen se ha encargado, casi que por si sola, de explorar y traer de vuelta otro subgénero que habíamos olvidado por un tiempo, como lo es el bubblegum pop. Esto sumado a una influencia increíblemente sólida al sonido de los ochentas, con el gated reverb de las baterías, los sintetizadores y ese angelical saxofón al inicio que me cautivó desde la primera vez que lo escuché. – Daniel Matarrita

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55. MC Bin Laden – Bololo Haha

Esta década, el funk brasileño (o baile funk) se transformó en uno de los sonidos más trendy en todo el mundo, con cantantes desde Madonna a Jennifer López incursando en este por uno o dos temas. Sin embargo, los MCs de Brasil son quienes traen toda la innovación a este sonido desde las favelas hasta todo el mundo, como MC Bin Laden. Su tema “Bololo Haha” es indudablemente baile funk, pero con una producción en la que se samplean motores de motocicletas o armas cargándose y disparando, y no tiene nada que envidiarle a Rabit, Amnesia Scanner o muchos más genios de la música club experimental, justificando más que nunca la presencia del funk a nivel global. – Tomás Gauna

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54. Blood Orange – You’re Not Good Enough

Es extraño pensar que en quince años vamos a escuchar este pedazo de canción por nada menos que un genio como lo es Dev Hynes y sentir nostalgia cuando al mismo tiempo, en el 2013, sentimos tintes de nostalgia de los finales de los 70’s cuando Prince hacía bailar a una generación completamente diferente. Es extraño pensar en el tiempo, en la nostalgia, en el pasado y su reflejo en nuestro presente; sin embargo, “You’re Not Good Enough” es como si siempre hubiera estado ahí. Sin sentir el paso de los años. – Daniel Matarrita

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53. Charli XCX – Boys

Por décadas, “la mirada masculina” ha sido un espectro incomodo de acechar constante en las artes. Sea por medio de reproducir idealizaciones anácronicas, anhelos fuera de lugar u objetivizar, es innegable hablar de una manera particular en la que las mujeres suelen ser representadas en la cultura popular; afortunadamente, los 2010 empezaron a ofrecer nuevas perspectivas, dentro de las cuales una de la más lucidas es la de Charli XCX. En “Boys”, la británica construye un himno inclusivo para el deseo en todas sus expresiones. Un pegajoso y juguetón hito pop cuya protagonista es la diversidad. –Alonso Aguilar

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52. Alex & Daniel – Una nueva aventura

Dos músicos chilenos se unen. No son nombres desconocidos, sino figuras icónicasy consolidadas de la escena musical chilena independiente, cuyo talento ha trascendido incluso al continente. Gepe y Anwandter no se guardan ningún preámbulo en Una Nueva Aventura. El ritmo, rápido y alegre mezclado con un fugaz monólogo, crea la idea de un pulso vital, tan espontáneo como el diálogo entre Alex & Daniel. – Pablo Acuña

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51. DJ Koze – Pick Up

Un track del año pasado se ganó un buen puesto entre los mejores 70 de la década y es que no es para menos. Extraída de la obra Knock Knock (2018) del genio conocido como DJ Koze, con un rito de disco setentero imposible de no sentir nos habla de la triste realidad de decir adiós en una agridulce mezcla entre la felicidad de la música y lo realista y frontal que es la letra, la cual nos recita una y otra vez: “It’s sad to think, I guess neither one of us wants to be the first to say, wants to be the first to say goodbye” – Stuart Roldán

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50. FKA twigs – Cellophane

“Cellophane”, muestra una relación a punto de desmoronarse, en la que ella está dando más de lo que la otra persona le puede dar; una relación marcada por la distancia, que otros quieren ver romperse. Acompañada de la producción justa y necesaria y de una de las performances vocales más hermosas de twigs hasta la fecha, en la que transmite mucha emoción, “Cellophane” resulta ser una de sus canciones más vulnerables y directas. – Tomás Gauna

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49. Cupido – Milhouse

“No tengo mucho, no te voy a mentir. No tengo una mansión, vivo en un piso pequeño con una habitación, pero si quieres venir tú solo dímelo y te ayudo a meter tus cosas en cajas de cartón”. El coro de “Milhouse” de Cupido no solo evoca a la perfección la personalidad del perdedor más amado en el universo de Los Simpson, sino que también cumple como un retrato sentido del amor millenial. Sin pomposidad y una modestia auto-flageladora, las líneas que recita Pimp Flaco, y el kitsch sincero de la instrumentación de Solo Astra, crean un verdadero himno generacional. 
Alonso Aguilar

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48. Playboi Carti – Magnolia

El trap como género tuvo quizás más escépticos que fans al instante en que explotó. La música impulsada Waka Flocka y Chief Keef rápidamente se absorbía por el pop de estadio de Migos. No es como que ninguno de ellos fuera muy respetado para comenzar: si el hip hop no dice nada, ¿cuál es el mérito? Por otro lado, menos es más, y la dupla Playboi Carti junto con el productor Pi’erre Bourne son líderes de esa escuela de pensamiento. Los beats minimalistas experimentales con la forma surreal de rimar de Carti potenciaron el género de manera paralela al maximalismo de Young Thug. “Magnolia” directamente explotó las nociones prejuiciadas del género y demostró que lejos de limitaciones, estas abren las posibilidades para formas de expresión innovadoras. ¿De qué trata esta canción? O, más bien, ¿Cómo me hace sentir esta canción? – Jose María Quirós

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47. Jenny Hval – Spells

Siempre es llamativo ver artistas experimentales incursionar en pop, y el caso de Jenny Hval destaca porque ella siempre se balancea entre ambos mundos con total naturalidad. La artista noruega se especializa en disfrazar ideas complicadas detrás de conversación casual, y en “Spells” esta prosa llega a su expresión máxima. Jenny baila en cámara lenta mientras le comenta a su interés romántico que el tiempo es efímero y la idea de pertenencia es absurda. Esa liberación absurdista de “Spells” da la impresión de que la más grande epifanía es en realidad un tema ligero, una idea temporal que tal vez mañana cambie. Cada momento es un milagro, toda esperanza impotente, entonces bailemos. – Jose María Quirós

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46. Grimes – Flesh without Blood

¿Cómo sonaría un anime estilo Sailor Moon si se redujera a una canción? ¿Qué se les ocurriría si esto pasara? ¿Qué forma tendría?
Pues básicamente sonaría a “Flesh Without Blood” sin duda alguna. La visión de Claire Boucher como artista y productora en el pop, es bastante diferente a lo que se puede escuchar de sus contemporáneas del mismo género. Y es que bajo la manta del subgénero del art pop uno puede ir donde sea, lo que hace el hecho de esperar resultados de artistas que toman este rumbo, mucho más emocionante. – Daniel Matarrita

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45. Angel Olsen – Sister

Siete minutos que se descompone en simples segundos que dan forma a una épica oda a un tema trillado en ocasiones, pero hecho de la forma correcta. Sincero, devastador pero maravilloso.
Contar una historia a través de una canción no es solo de escribir las palabras adecuadas en cada verso, un verdadero artista utiliza la melodía, los sonidos, el progreso de los instrumentos que toman parte de la canción y todo esto junto logran algo más que una linda canción, sino
más bien, una experiencia. – Daniel Matarrita

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44. James Blake – The Wilhelm Scream

2011 y James Blake arrancaba su carrera para luego convertirse en uno de los productores musicales más interesantes de la década. Del disco titulado como su nombre de pila, “The Wilhelm Scream” es todo menos un grito. Una balada que se acompaña de bajos, pianos, drum machines y la voz de Blake con su característico auto-tune, en la que por 4 minutos y medio se crea una atmósfera de relajación hipnotizante como una espiral que es cada vez más y más profunda. – Stuart Roldán

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43. Young Thug – Check

Más allá de todas sus tendencias, difuntas, emergentes y atemporales,  quizás el aspecto más definitorio del hip-hop en los 2010 fue la manera en que se transformó en un sonido liderado por otredades. Fuera de carácter sexual, identitario o estético, las idiosincrasias se convirtieron en la moneda de cambio por excelencia, y sin duda nadie forjó tanto el camino en ello como Young Thug. En “Check”, sencillo que lo elevó a la estratosfera musical, su esencia queda plasmada mediante la forma en que one-liners absurdos, aberrantes inflexiones vocales y una indiferencia absoluta por los cánones conviven con una infecciosa memorabilidad pop.  – Alonso Aguilar

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42. Arcangel y Bad Bunny – Tu No Vive Así

Rara vez un momento cultural queda marcado de manera tan aparente como sucede en “Tu No Vive Así”. En plena ebullición del sello Hear This Music, Mambo Kingz y DJ Luian construyeron una colaboración a manera de relevo generacional; Arcángel, pionero del trap en latinoamérica y leyenda del underground puertorriqueño, intercambiando versos con un tal Bad Bunny, precoz chico con apenas un par de canciones a su haber. A través de bajos pesados, efectos de disparos, y una percusión punzante, la exhibición desatendida de braggadocio lírico que representa el sencillo expone como veterano y principiante sacan lo mejor el uno del otro, y celebran en conjunto los excesos del género como un estilo de vida.  –Alonso Aguilar

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41. Lorde – Ribs

La neo-zelandesa se posicionó con su debut, Pure Heroin (2011), como sobresaliente por la alta intensidad con la cual escribe sus letras. “Ribs” la indudable mejor canción del álbum, reboza adolescencia, describe el ritmo de esa etapa en todo sentido. Para personas que ya pasamos por esos tiempos, el volver a sentir esa energía emocional en una canción es un suspiro de un pasado que ya se fue. Lorde con su prodigiosa voz nos abraza y nos recordó algo que una vez fuimos. – Migue Chaves

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40. Playa Gótica – Reptil no gentil

La banda chilena Playa Gótica a inicio de año anunció su ruptura, lo cual genera un sentimiento de nostalgia. Repasando su trayectoria musical, nos quedan dos álbumes sólidos, y canciones que se hicieron indispensables para cualquier compilado de música alternativa latinoamericana. “Reptil no Gentil”; la principal de todas, cargó a la banda a lo más alto. Un vaivén emocional es narrado desde la dulce voz de su vocalista, un desgarro interno amoroso en la cual podemos proyectarnos muy fácilmente. – Migue Chaves

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39. Neon Indian – Polish Girl

Afín a la velocidad con que se intercambia información en la era digital, los 2010 fueron marcados por una multitud de micro-momentos culturales de alto impacto pero efímera duración. Uno de los más destacados en la música indie fue el chillwave, cuyo legado de nostalgia romántica y oda al sintetismo quedó para siempre plasmado en temas como “Polish Girl”, donde el mexicano-estadounidense Neon Indian transporta a un mundo cibernético y de colores pastel guiado por la añoranza del amor juvenil. –Alonso Aguilar

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38. Future Islands – Seasons (Waiting For You)

“Seasons” es por mucho la canción del verano del 2014. Desde ese intro con el sintetizador, el bajo, el ritmo de la guitarra que atrapa desde ese primer
momento y pues, la pasión de Samuel T. Herring que se desborda y que atrapa desde el primer instante. Es synth pop pero con clase. Una banda que juega en ligas completamente diferentes a las agrupaciones de este y géneros similares, que desde el primer momento intentaron darle un giro diferente a la dinámica y el estereotipo de la banda del indie y simplemente lo volvieron boca abajo y esperaron que lo aceptáramos de esa forma. Y vaya que lo hicimos. – Daniel Matarrita

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37. Solange – Cranes in the Sky

“Cranes in the Sky” de Solange fue escrita junto a Raphael Saadiq mucho antes del resto de A Seat at the Table, de 2016. Habla de como logró sobrellevar sus peores momentos, después de la ruptura de su primera relación. Intentar escapar tus sentimientos a través de la fiesta, de las bebidas, de los bienes materiales, sin llegar a ninguna parte. Esta canción no presenta una solución a este ciclo, pero representa de la forma más poética posible que se siente entrar en él.  – Tomás Gauna

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36. J Balvin – Ginza

Era un paraje desolado e incierto en el entonces llamado “género urbano” cuando un joven colombiano reavivó la llama con una simple frase: “Si necesita reggaeton, ¡dale!”.

En gran parte Balvin cohabitaba con la vertiente más melódica y romántica que empapaba el sonido en aquellos tiempos, pero precisamente su genio, y la virtud de “Ginza”, yace en los diálogos que establece con otros referentes. En su visión, las texturas sintéticas del beat y la predominancia de líneas tarareables (en vez de versos “duros”) no son excluyentes de una clásica percusión de dembow, articulando dos momentos del género en aras de trazar el camino hacia su heterogéneo futuro de dominación global.   –Alonso Aguilar

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35. Odd Future – Oldie

Con tan solo 4 años de existencia, en 2012 Odd Future era una fuerza cultural tan grande como para tener su propio monumento, y ese vino en la forma del absurdo cypher de 10 minutos que es “Oldie”. Ante un clásico beat a lo boom bap, los numerosos miembros del colectivo se turnan para deleitar con su característica irreverencia, intercambiando referencias culturales, chistes juveniles y un palpable sentido de cofradía; todos elementos esenciales para un diverso microcosmos donde los dotes líricos de Frank Ocean eran tan integrales como los raps irónicos de Jasper Dolphin. –Alonso Aguilar

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34. Rosalía – Malamente

Escuchar “Malamente” de la cantautora y productora catalana Rosalía, por primera vez, fue un poco chocante. Era muy alejado de todo lo había hecho en su disco debut Los Ángeles (2017), mucho más minimalista y acústico, “Malamente” era la presentación de Rosalía como una estrella pop, no sólo como una figura del nuevo flamenco. Con un video lleno de efectos especiales y coreografía a lo Beyoncé, esta canción que mezcla el R&B y la electrónica con su característico estilo flamenco, logró ser uno de los éxitos del pop hispanoparlante más icónicos de los últimos años, y por merecidas razones. – Tomás Gauna

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33. Chief Keef feat Lil Reese – I Don’t Like

El hito cultural que no solo dio vida a la infame figura de Chief Keef, sino a toda una generación de artistas radicados en Soundcloud. Lanzada en 2012, “I Don’t Like” representó un despertar para muchos; la confirmación irrefutable de que las vertientes más escabrosas y abrasivas del hip-hop se empezaban a colar en el mainstream. Con el simple concepto de una enumeración de cosas que le disgustan, y amparado en una personalidad estrafalaria y un delivery imponente, el rapero de Illinois logró posicionar las 7 campanadas que componen el beat como un indicador universal de que “la mierda está por prenderse”, y colateralmente terminó por elevar la crudeza estética del underground hacia un merecido lugar en el zeitgeist cultural.  – Alonso Aguilar

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32. El Guincho – Bombay

Para muchos, “Bombay” es la mejor canción de la década en la escena latinoamericana. El tema apunta hacia arriba desde el primer segundo con efervescencia tropical. Aunque era y sigue siendo etiquetado como “pop”, “Bombay” y Pop Negro permanece empapado en su sonido idiosincrásico, uno que nadie más podría haber hecho en ese momento de la década. No obstante, encuentra una forma natural de integrar las melodías de canto, la desordenada vos de Pablo Diaz-Reixa que es medicina para nuestros oídos. Los obsesivos de la música hablamos mucho sobre la originalidad: si es importante o por qué tener un nuevo sonido debería o no importar. En los últimos años, algunos álbumes fantásticos han desanimado a varias personas por ser “recauchutados”, lo que ha provocado algunas discusiones interesantes. “Bombay”, que considera que El Guincho posee completamente un sonido único, se siente como el siguiente paso crucial en esa conversación. – Pablo Acuña

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31. Carmen Sandiego – Eructo de Semen

La década termina y una de las noticias más tristes fue la disolución de los uruguayos de Carmen Sandiego. Una lástima, ya que es una de las bandas que traían elementos diferentes a la escena latinoamericana. En “Eructo de Semen”, Flavio Lira se sumerge en una narrativa que no posee tiempo ni espacio. Hay caos, pero también hay paz. La canción es un inquietante lapso de atormentantes guitarras tronando y platillos golpeando, que se configuran a la voz de Lira para adentrarnos en una hermosa declaración de amor a una banda llamada “Eructo de Semen” que no le teme a lo fatídico.- Pablo Acuña

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30. Frank Ocean – Pyramids

La icónica canción de casi 10 minutos de Channel Orange (2012) demuestra la espectacular habilidad de Frank Ocean para narrar historias. El relato compara a su mujer con Cleopatra, describiendo la forma en la que lo traicionó y lo dejó por su enemigo. Con la ayuda de metáforas y comparaciones históricas, transmite el sentimiento de deshonra y vergüenza que él mismo siente al ver que ahora ella tiene que trabajar como “stripper” para poder financiar la vida de su nuevo amante. Esta canción destaca con fuerza en la década por su impecable transición de R&B a un electro-house melódico, una interrupción que parte la obra a la mitad pero hace que ambas partes calcen perfectamente entre ellas, de manera que también hace la separación entre ambos escenarios de la historia. – Jimena Pizarro

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29. Mitski – Your Best American Girl

Es posible que para muchas personas 2016 no haya sido un buen año, para mi no lo fue. Sin embargo, en ese año una artista japonesa-estadounidense luego de 4 años años de carrera decide lanzar al aire una canción que tocaría profundamente en nuestras emociones. “Your Best American Girl” habla de amores imposibles, de inseguridades y de intentar; siempre intentar. – Stuart Roldán

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28. Juana Molina – Eras

“Eras” de la argentina Juana Molina tiene varias de las cosas que hacen que su música sea tan buena. La mezcla de lo orgánico de las guitarras con una producción electrónica, y sobre todo su sentido del humor característico – algo que se ve mucho en el disco del que procede, Wed 21 (2013). Todo lo acompaña con uno de sus estribillos más pegadizos: “Come, come quickly”, repetido una y otra vez, haciendo de los aires lúgubres de la canción no sólo más llevaderos, sino muy disfrutables. – Tomás Gauna

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27. Julia Holter – Horns Surrounding Me

Julia Holter ha insistido que su versión favorita de “Horns Surrounding Me” es la de su disco In the Same Room, preferida por su rendición más íntima. La versión original, que se encuentra en Loud City Song, materializa la metáfora del título con una banda completa, lo que hace que la canción se vuelva más teatral, grandiosa; y menos personal, paranoica. La versión de LCS catapulta a Julia directo al centro efervescente del movimiento art pop. La universalidad del sentimiento, la motivación engrandecida, y la poesía evocativa de Julia operan en un ecosistema balanceado. Para quienes hemos seguido su camino, esta canción fue un preámbulo de lo grandiosa que llegó a ser la década de Julia – Jose María Quirós

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26. LCD Soundsystem – Dance Yrself Clean

La canción que marcó una generación, un himno de los 2010s completamente. Posiblemente gracias a “Dance Yrself Clean” sabemos lo que es el dance punk. El retorno glorioso de James Murphy con su This is Happening (2011) cambió la manera de sentir  la música en los comienzos de la década. Con varias bandas de estilo clásico (guitarra-bajo-batería-voz) en ese momento, Murphy cambió el paradigma de hacer música utilizando sintetizadores, instrumentos electrónicos y elementos ya más clásicos, como teclados, baterías y bajos. “Dance Yrself Clean” fue (y lo sigue siendo) un referente a lo que sería la mezcla entre lo clásico del indie-rock y lo electrónico. – Migue Chaves

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25. Ases Falsos – Simetría

La música romántica iberoamericana (en Costa Rica englobada bajo el detestable término de “música plancha”) ya es algo así como un patrimonio cultural y emocional de millones de personas que crecieron como su público cautivo, ya sea en fiestas familiares, transporte público, programas televisivos o nostálgicas listas de reproducción en YouTube. Cristóbal Briceño, compositor principal de Ases Falsos, como buen artesano de la canción, entiende y reconoce el poder emocional de estos estilos por tanto tiempo despreciados como melodramáticos y efectistas. En una de sus canciones más directas y abiertamente emotivas, nos ofrece una especie de Juan Gabriel y Miguel Bosé en clave indie, con un coro altamente karaokeable pero también emocionalmente devastador, y lo más admirable, lo hace sin ninguna necesidad de ironía o guiños a supuestos “placeres culposos”. – Marvin Coto

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24. Arca – Desafío

“Desafío” es de cierta forma la catarsis dentro de la discografía de Alejandro Ghersi. Con sus angustiados vocales como guía, el dolor y la añoranza tan presente en sus disonancias sonoras se traducen en devastadoras frases como “hay un abismo dentro de mi” y “es que reviento por dentro”. Como el punto clave del álbum homónimo de Arca, el tema existe como una síntesis conceptual del estrecho vínculo entre placer y sufrimiento; el momento de quiebre donde los deseos carnales se convierten en prioridad, y todo vestigio racional es nublado por una corporalidad libre hecha sonido.  – Alonso Aguilar

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23. SOPHIE – Immaterial

La década tuvo la percibida apropiación de espacios conocidos por grupos minoritarios, quienes en realidad han sido los que impulsan tendencias solo para que figuras hegemónicas exploten su potencial mercadeable. En este sentido, SOPHIE llama al bubblegum pop de Madonna a su verdadero hogar. El mensaje de la canción es clarísimo: el pop, así como la misma existencia, son inmateriales. El giro al clásico de Madonna se hace con total lucidez y autoría; la tesis del pop es maleable y Sophie decide qué sigue. “Immaterial” ya de por sí es un victory lap: SOPHIE levantó la carrera de Charli XCX, le vendió beats a Vince Staples, y colaboró con Diplo y Madonna. ¿Qué sigue? – Jose María Quirós

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22. The Knife – Full of Fire

Regresar de un break de casi ocho años con un disco como Shaking the Habitual (2013) ya era arriesgado, pero The Knife redobló la apuesta haciendo de “Full of Fire” su sencillo introductorio. Y valio la pena: nueve minutos de industrial techno con letras sobre el neoliberalismo, la identidad, el género, y mucho más. “Full of Fire” toca temas muy ligados a la política a través de una atmósfera llena de ansiedad, pero aun así lo hace entretenido, en el que Karin y Olof Dreijer hacen que esos nueve minutos pasen de forma desapercibida. – Tomás Gauna

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21. Sufjan Stevens – I want to be well

Es común sentir una conexión con el artista con solo ver el titulo del tema; claramente el intérprete se encuentra mal, sentimiento con el cual muchos pueden conectar emocionalmente y sentir curiosidad acerca del por qué. La frustración que esto conlleva se puede apreciar gracias al arte de esta obra y del álbum al cual pertenece, inspirado por la esquizofrenia paranoica del artista Royal Robertson. Esta canción destaca en su trabajo por los fuertes sintetizadores y percusiones convulsivas que utiliza para transmitir emociones. Estos nuevos sonidos denotan inestabilidad, frenesí, manía y conmoción eléctrica, cualidades que describen el proceso creativo y existencial que tuvo que atravesar Stevens después de sufrir una misteriosa condición crónica en su sistema nervioso al rededor del 2007, tres años antes de lanzar su sexto álbum. – Jimena Pizarro

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20. Beach House – Myth

En las canciones de Beach House parecería, engañosamente, que no ocurre gran cosa. Una percusión ultra mínima, guitarras soñolientas, algunos teclados y el ya característico contralto de Victoria Legrand. Pero en “Myth” todo esto se sintetiza en quizás su canción más conmovedora y redonda, construida alrededor de una sucesión de notas de guitarra tan lacrimosas que podrían acompañar el montaje de cientos de escenas cinematográficas en donde los personajes miran melancólicamente a través de una ventana. Esto, en vez de caer en el mero sentimentalismo de pretensiones universales de unos Coldplay, trasciende lo empalagoso para convertirse en algo más indefinible y etéreo que, a riesgo de sonar anticuado, podría caracterizarse como “lo bello”.  – Marvin Coto

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19. Fionna Apple – Hot Knife

La canción de The Idler Wheel… (2012) es interesante en papel, pero en ejecución trasciende a lo mágico. Apoyado solamente por la percusión inicial y un par de notas en piano, Fiona Apple crea un mundo entero alrededor de su premisa con su voz y la de un coro, superándose constantemente los primeros tres minutos hasta que se siente contenta con lo que ha logrado. Para ese momento, la canción cierra y muestra que tiene vida propia; su clímax es una reflexión de lo astuta que ha sido Fiona. “Hot Knife” crea su propia mitología y luego cuenta una historia con tal facilidad que la idea de que esta canción no haya existido es extraña, esta canción no podía evitarse. – Jose María Quirós

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18. Yves Tumor – Noid

“Noid” es una de las canciones más “pop” de Yves Tumor hasta la fecha, muy alejado de lo que hizo en Serpent Music (2016) o incluso en el álbum del que forma parte este tema, Safe in the Hands of Love (2018). Pero detrás de esa fachada accesible se encuentra una canción inspirada en la paranoia, el miedo, la ansiedad, las tensiones raciales – haciendo de “Noid”, además un tema fantástico y pegadizo en sí, algo profundo e infinitamente estimulante. – Tomás Gauna

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17. Buscabulla – Tártaro

El dúo puertorriqueño rinde homenaje mediante sonidos latinos e isleños al calor de la salsa erótica de los 80s, y su padre y gran inspiración, el maestro Frankie Ruiz. La interpretación se plasma en una carta de amor para Ruiz, haciendo referencia a sus letras más famosas que relatan historias sobre moteles y encuentros apasionados. Esta sensual melodía de ensueño está compuesta sobre percusiones caribeñas, sonidos centelleantes y sintetizadores ligeros que transportan a una ola de relajación. Perfecta para escuchar al lado del océano respirando la brisa marina. – Jimena Pizarro

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16. David Bowie – I Can´t Give Everything Away

Somos afortunados de haber visto nacer (incluso de incluir en esta lista) a ‘I Can’t Give Everything Away’, la última canción de David Bowie. De momento, no deja de atraernos escuchar el tema y pensar en la espectacular línea del tiempo que traza, marcada por la publicación de varias obras maestras que han influido profundamente en el desarrollo de la música popular moderna y seguirán haciéndolo en los años venideros. Bowie acepta sus debilidades, las enfrenta y acepta, incorporándolas de forma catártica a su persona. Bowie acepta que no es capaz de desprenderse de todo lo que posee, es un ser mortal, frágil y dueño de sus propios límites, y es más fuerte que nunca. Un pasaje de esta pieza toca brevemente la idea de esconderse, usar pretextos o hasta máscaras o personajes para este fin. Es claro que David Bowie es más que familiar con esta idea, habiendo adoptado tantos alter-egos en el pasado como estrellas hay en el cielo, pero siempre en virtud de lamento, la voz de Bowie pasa a ser más íntima, confesando que en ocasiones pasadas, la verdad se le ha escurrido de los labios en forma de mentira, y que a veces, todo está fachada se vuelve abrumadora para él, un hombre mortal. .Pero quizás el elemento más destacable de la canción es su sample de ‘A New Career In Town’ del propio Bowie, una de las canciones incluidas en su álbum de 1977, Low. Si bien la música de esta canción rompe notoriamente con el carácter de sus predecesoras en el disco, lírica y temáticamente es una conclusión perfecta para su carrera. – Pablo Acuña

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15. Björk – Stonemilker

En un sublime diálogo entre la teatralidad orquestal y la aspereza industrial, Björk crea un universo sonoro indudablemente suyo, y a su vez, inequívocamente universal. Su narrativa de desesperanza afectiva y los últimos momentos aún amparándose en la idea de una sincronía que ya no está, se palpa en la sentida entonación de cada una de sus palabras, pero el intenso flujo emocional se deja rebosar finalmente cuando las icónicas melodías vocales de la islandesa son sumergidas por la melancolía punzante de los arreglos de cuerdas; una estaca al corazón que aún en todo el dolor que genera no para de destacar por su belleza.  –Alonso Aguilar

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14. Empress of – Standard

¿A qué suena el pop de nuestra década? Hay quien hablará de la explosión latina y urbana, otros de la mezcla definitiva de infinitos géneros musicales, habrá quien argumente que lo retro y lo clásico siempre prevalecerá con las cifras de Adele sobre la mesa. La cierto es que Lorely Rodríguez, la cantautora situada en Nueva York que posee raíces hondureñas, se apropia de varios elementos del pop y los amolda de forma fantástica a su cultura. Las tonificaciones que se desatan en “Standard” seguramente han de resonar en la cabeza con sólo escucharla una vez. Lo que sí es que estamos ante un tema audazmente experimental, y el resultado es gratificante. – Pablo Acuña

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13. Todd Terje – Inspector Norse

Hacer canciones que solo son felices no es fácil. El internet está lleno de gente que prefiere escudarse con fachadas oscuras y hacer de una vida de amargura un personality trait. La felicidad ingenua es percibida como sumamente cursi, en particular si de alguna manera puede ser torpe. “Inspector Norse” destella tanta energía positiva que intoxica, su naturaleza dorky es inmediatamente reconocible, y sospecho que Todd Terje es el fan #1 de esta canción en todo el mundo. Una obra maestra en wholesomeness, la infecciosa melodía de Terje está destinada a permanecer en los corazones de aquellos que la escuchan, y a traer luz donde sea que suene. Como toque adicional, el video que lanzó Pitchfork del tema es el epítome de lo que la canción aspira a ser: una persona se droga para bailar en su casa a solas. – Jose María Quirós

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12. Jessy Lanza – It Means I Love You

Muchos remixes estériles de canciones viejas solamente agregan efectos baratos sobre la estructura original, roban de la canción más de lo que contribuyen. “It Means I Love You” suena como el sentimiento que tuvo Jessy Lanza cuando encontró “ndzi tenke riendzo”, euforia total y un mundo de posibilidades. El uso del sample en principio es similar a “Obvious Bycicle” de Vampire Weekend, pero infinitamente más creativo y lleno de personalidad. La canción representa lo que Jessy Lanza considera amor ingenuo, en el buen sentido. El latido de un corazón es igual a una mirada a los ojos de la persona que se ama, que es igual a descubrir que una canción no sale de nuestra cabeza. IMILY es de esos guiños culturales que se hacen con total apreciación al arte original, y que solo pueden hacer de nuestro mundo un mejor lugar. – Jose María Quirós

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11. Javiera Mena – Luz de piedra de luna

Si hablamos de buen pop hecho en Chile, Javiera Mena es el nombre insignia de toda una generación que fue reconocida como “El paraíso del pop” en su momento. “Luz de piedra de Luna” – single del disco Mena lanzado el 2010 – es una invitación a correr a la pista de baile y sentir la química que sólo se encuentra al momento de mirarte a los ojos con tu pareja y sentir la música a tu alrededor.  

En los coros la acompaña Lido Pimienta y su video dirigido por la productora Canadá son una marca registrada de un excelente comienzo de década para el electropop. Esos sintetizadores y cajas de ritmos – producidas en colaboración con Cristián Heyne – nos entregaron un single maravilloso de exportación. – Paula Altamirano

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10. Kanye West – Devil In A New Dress

Si nos devolvemos al 2010, es casi que imposible pasar por encima de esta canción. A pesar de no haber sido producida por él mismo, Kanye admite que el ritmo, el solo de guitarra perfectamente compuesto, su progresión y la afinación del piano y cuerdas lo cautivaron desde un principio. Sus metáforas, que en el momento fueron revolucionarias, comparan el despertar de sus pensamientos lujuriosos con imágenes religiosas. Una de las frases que más destaca de la década, es precisamente “We love Jesus but she done learned a lot from Satan”, la cual implica que todas las filosofías del bien y el mal que aprendemos a lo largo de la vida no significan nada si al final son las cosas repudiables y repulsivas de las cuales terminamos aprendiendo y recordando. La participación de Rick Ross es un elemento clave en esta pieza, y él mismo afirma que es el verso del cual se siente más orgulloso. – Jimena Pizarro

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9. Swans – A Little God On My Hands

Siete minutos le toma a Swans para desplegar su sonido crudo y crear un ambiente tosco y denso. La genialidad de Michael Gira se siente de gran manera y no es para menos. Desde la perspectiva de un dios, Gira nos cuenta la experiencia tediosa e incómoda que estos viven. Dentro de ese recuento, el orden y el caos se entrelazan y pugnan entre ambientes de violencia y calma; el resultado: una pesadez sostenida en la maravillosa voz de Gira. – Migue Chaves

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8. Kendrick Lamar – The Blacker The Berry

Esta canción apasionada y racialmente cargada presenta letras que celebran la herencia afroamericana de Lamar y aborda temas sociales y odio. El rapero de Compton concluye haciendo referencia a su propia hipocresía de estar indignado por el asesinato en 2012 del adolescente afroamericano Trayvon Martin, mientras que la violencia de las pandillas aún afecta a los vecindarios.

Lamar concluye la canción rapeando:

Entonces, ¿por qué lloré cuando Trayvon Martin estaba en la calle?
Cuando las pandillas me hacen matar a un n — más negro que yo, hipócrita

¿MTV News le preguntó al rapero de Compton de quién estaba hablando en el último verso? “Algunas personas piensan que es solo hablar y es solo rap; no, estas son mis experiencias”, respondió. “Cuando digo, ‘Golpear a las pandillas me hizo matar a un n — más negro que yo’, esta es mi vida de la que estoy hablando. No te estoy diciendo, quizás ni siquiera seas de las calles”.

“No estoy hablando con la comunidad, no estoy hablando de la comunidad”, agregó K-Dot. “Yo soy la comunidad”. – Pablo Acuña

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7. Maria Magdalena – Cvmc

Un arpegio muy al estilo del italo disco de los años 80 introduce este diamante de pop eufórico que en un mundo mejor se hubiese convertido en un hit mundial, más allá del público ultra nicho de los blogs musicales y conocedores de electro pop chileno con dos pies izquierdos. Parte de una noble tradición de música-máquina vocalizada por mujeres, en su ADN están desde los gemidos orgásmicos de Donna Summer hasta los momentos más disco de Kylie Minogue, rematada por esa refrescante habilidad de las y los músicos del país sudamericano para hacer un pop efervescente y queer que parece llevarle la contraria a toda una tradición de “rock en tu idioma”. – Marvin Coto

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6. Nicolas Jaar – No

“Si no puedo bailar, tu revolución no me interesa”, dijo la libertaria feminista Emma Goldman en la primera mitad del Siglo XX. En 2016, Nicolás Jaar escuchó, y tradujo toda la angustia engranada en la turbulenta historia política de su Chile natal en el hipnótico himno que es “No”. El letárgico ritmo de cumbia chilena se empapa de la atmósfera reflexiva que evocan los vocales de Jaar, invitando a movimientos lentos mientras frases como “No hay que ver el futuro para saber lo que va a pasar” calan en la mente. – Alonso Aguilar

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5. Joanna Newsom – Baby Birch

Como una de las figuras insignia del arte barroco contemporáneo, las composiciones de Joanna Newsom suelen ser matizadas y complejas yuxtaposiciones de elementos orquestales y folclóricos, pero en “Baby Birch” la multi-instrumentalista norteamericana purga todo artilugio como parte del compromiso del devastador concepto detrás del tema. Su capacidad para sumergir en la angustiada psiquis de una madre lidiando con la muerte de su bebé es uno de los casos más fuertes para sus dotes como narradora sonora; sus excéntricas inflexiones vocales moderadas para exaltar el sentir de desolación, y los sutiles acordes de su harpa ambientando en este arduo proceso de duelo. Quizás los 9 minutos más catárticos y desgarradores de la década. -Alonso Aguilar

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4. Alex Anwandter – Rebeldes

Alex Anwandter sabe como hacerlo, si es de engancharnos, lo hace con coros tan fáciles de diluir, como pegajosos; si de hacer bailar se trata, mejor ni que decir. Su exquisito ritmo ha sido producto de los constantes cambios que ha tenido su vida como cantante, ante todo, habria que agradecer-y empezar recordando- por supuesto lo que fue Teleradio Donoso, banda que Anwandter lideró y en la que cantaba en compañía de Martín del Real y Juan Pablo Wassaf, experiencia que le(s) extendió un mundo de oportunidades dentro de su escena nacional (antecedente desde allí del actual pop-boom en Chile). Fue en 2009 cuando Teleradio llegó a su final, luego de esto, empieza la historia con Odisea, proyecto en solitario con que Alex se colocó en el peldaño de las promesas musicales de su país. En 2011 se dejó de pseudónimos y publicó bajo su nombre de pila uno de los álbumes más completos y bellos que han salido del sur, Rebeldes. De su proyecto Alex & Daniel,  ¿Qué se puede decir? Nada más que fue nuestro disco favorito del 2013 y no hay que poner en duda la calidad de dicho material. Ahora bien, “Rebeldes”, canción dedicada para y por la adolescencia, el amor y la felicidad momentánea, engloba y subraya cada vez, lo que vivimos cada día en nuestro mundo; de rencores a amores y de errores a sueños. Con estética limpia y conmovedora, crea en nosotros las ganas de correr enamorados con nuestro significant other y amigos por la vida rebeldemente. – Alejandro Ortiz

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3. Deerhunter – Helicopter

Conociendo el talante enfermizo y prolífico de Bradford Cox, Halcyon Digest (2010) es propicio a un segundo tipo de lectura. Justo es recalcar –pues él mismo se encarga de destacarlo en los créditos a través de un texto explicativo de Dennis Cooper– la importancia de “Helicopter”, tema basado en el asesinato de un chapero de lujo por la mafia en Rusia. Musicalmente hablando la voz de Cox nunca ha sido tan clara y prístina, ya que comparte letras sugerentes sobre la fe (“¿Podrías rezar por nosotros / Sabemos que te ama de la mejor forma”) y el aislamiento (“Nadie se preocupa por mí / No le hago compañía? “). Sin embargo la cacofonía de sonidos ambientales y ruido ambiental se arrastran y alcanzan su voz de manera triunfante como pocos lo han podido hacer en esta década. – Pablo Acuña

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2. Dënver – Los Adolescentes

Hace unos cuantos años que la música chilena comenzó a evolucionar. No sólo se volvió más juvenil y alternativa, sino que también se transformó en un escenario diverso y multifacético. El papel de Dënver en esta historia es uno imprescindible que se puede justificar con canciones que nos hacen pensar en cosas locas que hicimos, que podemos hacer aún estando jóvenes, como “Los Adolescentes”, que a mí parecer logra plasmar toda esta etapa de la vida con las constantes frases contradictorias, como por ejemplo: “un día me dices corta, al otro déjalo crecer”. Y eso convirtió a la banda y a este tema en un himno de los adolescentes eternos, los que sufren por amor, los invade constantemente la nostalgia, y obvio, viven con esa nube melancólica. – Pablo Acuña

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1. Robyn – Dancing on My Own

Robyn, con una canción lanzada a inicios de la década, logró mostrar, con una delicadeza y elegancia que ya se le conocía, el camino hacia donde el pop se movería por los siguientes años. Hacer una balada de dance pop donde el contraste en el que retrata una de las peores situaciones que alguien puede pasar como el encontrarse a una pareja del pasado con una nueva persona, mientras uno está de fiesta en un club con luces y música a todo volumen. Los sintetizadores, la celestial voz, esa batería que transporta a lo mejor de los ochentas y esa forma de encontrar el lado positivo, con luz y alegre en un pésimo momento. No por nada, una gran lista de artistas de este género toman a Robyn como una de sus grandes influencias. No muchas pueden lograr con tanta facilidad lo que ella ha logrado con todos estos años de trayectoria. – Daniel Matarrita

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