Selección Destacada: Mayo 2019

El quinto mes de 2019 fue quizás su más ajetreado al momento. Con una abrumadora oferta gracias a la resaca post-Coachella y la antesala del Primavera Sound, el panorama independiente deleitó con varios lanzamientos que van ganando su lugar dentro de los incipientes listados de lo mejor del año. Densos ambientes de sintetizadores, cumbias eclécticas, rock deconstruido y soul de protesta son solo algunas de las propuestas que más nos cautivaron en el mes de mayo.


Caterina Barbieri – Ecstatic Computationcover

La compositora italiana Caterina Barbieri tiene como propósito entender la percepción humana desde las texturas de lo artificial. En Ecstatic Computation, su nuevo álbum de estudio, tal preocupación la lleva a explorar las dimensiones más contemplativas que puede proponer el mundo de los sintetizadores.

La distorsión, los patrones y la densidad sonora se conjugan de tal manera que el escucha es sumergido en un estado sensorial amplificado. La razón deja de regir y la mente traversa libremente en el errático mundo de la memoria; sus envolventes diagramaciones análogas siendo la única guía que se necesita. – Alonso Aguilar

Frank Carter & The Rattlesnakes – End of Suffering

frank

El nombre de Frank Carter es definitivamente pesado, sin embargo, desde su salida de Gallows con el proyecto de Pure Love, creo que Frank nunca se sintió tan seguro y cómodo como junto a The Rattlesnakes. Con End of Suffering se consolida y demuestra que sigue siendo tan relevante para la escena de rock mundial como cuando empezó con Gallows.

Un sonido que ha madurado durante 10 años de carrera, con influencias muy inclinadas a NIN y Black Flag, contando incluso con la colaboración de Tom Morello en “Tyrant Lyzard King”. Este es un disco diferente y con menos ira que los anteriores, con pensamientos claros y letras más razonadas, digeridas y menos vicerales -no que anteriormente esto fuese un problema-.

End Of Suffering es un disco de canciones relativamente cortas pero ricas en sustancia que involucra instrumentaciones poco ortodoxas en el punk rock y que marca un punto importante de Frank y compañía. –  Stuart Roldán

https://open.spotify.com/album/1KS8HJ4sPoHFnryujTqXIf

Combo Chimbita – Ahomale

combo

Originarios de Colombia, y con una fuerte influencia de la tradición de este país en su música, la segunda producción discográfica de Combo Chimbita marca un hito importante en la música latina alternativa al mezclar formas y sonidos distintos del continente. Es un álbum que tiende puentes entre cosas que parecerían ser distantes y lo hace con muchísima naturalidad.

Ahomale plantea una versión del futuro desde una perspectiva latina, que desde todos los flancos logra abrazar y empaparse de esas raíces culturales tan fuertes, sin dejar de lado la modernidad y la actualidad. En este álbum podemos degustar cumbia, rock de riffs pesados y oscuros, house, bolero, etc. Es un disco para escuchar el domingo en la mañana, o el lunes camino al trabajo, para la fiesta del viernes o para la goma del sábado. Un disco con una energía gigante desde “Sola” hasta “Esto es Real (8100mg)”. Rico en texturas y colores, un disco para complacer y no aburrirse que pone en perspectiva la música latina hacia el resto del mundo. – Stuart Roldán.  

Tim Hecker – Anoyo

Anoyo

El año pasado el músico canadiense Tim Hecker lanzó Konoyo, un disco que combinaba su característico estilo de música ambient denso y experimental con el género de música clásica japonesa gagaku, hecho en colaboración con el conjunto japonés Tokyo Gakuro. Este fue uno de sus trabajos más consistentes en su carrera de casi dos décadas, y uno de los discos más aclamados del año pasado dentro del terreno de la música vanguardista.

Anoyo no es un álbum de versiones de Konoyo ni nada por el estilo, y aunque si se pueden hacer varias comparaciones y paralelismos entre los temas de ambos discos, Anoyo funciona más como un disco “complementario” de Konoyo más que otra cosa. Si este era maximalista, en ciertos puntos llegando a la agresividad de la música noise, Anoyo es minimalista y delicado, pero sin ser aburrido, mucho más etéreo, centrándose en las interacciones de elementos acústicos con la atmósfera de la música de Hecker. – Tomás Gauna

Cate Le Bon – Reward

cate le bon

Ante una sociedad moldeada a partir de las gratificaciones, Cate Le Bon le da la vuelta a la idea de “recompensa” en su enigmático y arriesgado quinto álbum de estudio.

Sus letras funcionan como un rompecabezas sobre la desolación, donde las múltiples partes en conjunto evocan un retrato en torno a los procesos de aislamiento y por individual funcionan como obtusos imaginarios tan absurdos como poéticos.

Esta misma lógica funciona también para las intrincadas musicalizaciones del álbum. Las desencantadas melodías vocales de Le Bon danzan alrededor de elípticas composiciones de krautrock y  expresionistas atmósferas donde lo barroco, lo psicodélico y lo abiertamente vanguardista se contraponen entre sí.

Puede ser temprano aún en 2019, pero triunfos tan osados, ricamente compuestos e irradiantes de confianza como Reward no se suelen encontrar más allá de los podios de lo mejor del año. – Alonso Aguilar

Little Jesus – Disco de Oro

little jesus

Little Jesus lleva varios años en el radar de la escena alternativa en Latinoamérica. Lanzado a inicios de mayo, Disco de Oro viene a ratificar la posición que se han ganado en el corazón de muchos. Con la ayuda baterías sólidas, bajo groovy, guitarras pegajosas, sintetizadores ochenteros y voces cautivantes logran producir esta belleza.

Con piezas como “Los Años Maravillosos” y “Disco de Oro” ponen a bailar solo a más de uno.  Algún otro amenizara la tarde con “En Otro Planeta” o verán a alguien cantando para sí al sonido de “Plan Espectacular”. En resumen, este álbum tiene música tranquila, amigable y emocionante. Si están teniendo un mal día, escuchar Disco de Oro podría mejorarles el ánimo, y si ya están felices, los hará sonreír aún más. – Iskander Céspedes

Megan Thee Stallion – Fever

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El éxito comercial de “Big Ole Freak” hizo que Megan Thee Stallion fuese comparada con otras raperas como Cardi B o City Girls, por sus estribillos pegadizos y líneas llenas de actitud. Pero Fever, su segundo álbum, prueba que su éxito es más que un golpe de suerte, si no el comienzo de la carrera de una nueva estrella.

Fever toma el legado de otros raperos y raperas del sur de los Estados Unidos como UGK o Trina, por sus letras y flow llenos de seguridad, sexualidad y agresividad. Pero también se destaca la influencia de la escena del rap de Memphis, Tennessee. Iconos de la misma como Project Pat o Juicy J de Three 6 Mafia contribuyen a este ya sea con producciones o con features, y elevan su sonido a algo más único dentro del rap actual. Este álbum demuestra que Megan no es solo una de las raperas más prometedores hoy en día, sino una artista en su propio camino. – Tomás Gauna

Tyler, The Creator – Igor

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Varios piensan que ya la música que habla del desamor y rupturas del corazón es tediosa y repetitiva. En 40 minutos Tyler, The Creator les demuestra a estas personas lo equivocadas que están.

Igor es el nuevo lanzamiento de Tyler, quien utiliza al personaje homónimo como alter ego para embarcar en un viaje de sonidos influenciados en el soul, jazz, blues y rock. Al juntarlos con su icónico estilo de hip hop y cautivantes líricas crea una pieza artística exquisita y demuestra porqué este género continúa, y lo más seguro, continuará siendo la potencia en la industria musical.

Por otra parte, la producción es una experiencia completa por sí sola. La forma en que la canciones cambian con tal balance, pero igualmente suenan bien al escucharlas solas, es una demostración de un arduo trabajo de estudio. Los beats se sienten orgánicos, recordando al hip hop de los noventas, pero con precisión y perfeccionismo que solo se consigue con tiempo y esfuerzo, permitiendo agregar capa sobre capa de melodías minuciosamente pensadas. Estos son solo unos cuantos aspectos de la obra aquí presentada, pero nada se los va a describir mejor que experimentarlo por ustedes mismos. – Iskander Céspedes

Jamila Woods – Legacy! Legacy!

jamila

Más que un título, el nombre del nuevo álbum de Jamila Woods es un grito de protesta. Una efusiva declaración que sirve por doble partida como señalamiento y como celebración.

Cada tema alude al nombre de una importante figura en la historia racializada, y a partir de su referente, Woods canaliza tal energía disruptiva y esencia creativa desde su propia visión artística. Sus idiosincrásicas melodías vocales se alimentan de matizadas bases neo-soul que forjan una estética que, así como la lírica, sirve como un potente testamento de la “excelencia negra”.

Como un puente entre los hitos del pasado y las posibilidades del presente, Legacy! Legacy! destaca por la manera en que explica la urgencia desde la amenidad sonora. – Alonso Aguilar

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