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Mejores Lanzamientos del 2018

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El 2018 fue un año donde las barreras y las divisiones se volvieron cada vez más anacrónicas en el mundo de la música. Los lineamientos entre “lo que es” y “lo que no es” se tornaron cosa del pasado; una limitante ante un heterogéneo flujo de expresiones artísticas que se concibe desde sentires y experimentación pero no desde etiquetas. Los 50 lanzamientos aquí compilados tratan de ser un fiel reflejo de este panorama. La duración, el género o la geografía son indistintos cuando se trata de buena música. Disfruten y déjense sorprender por aquellos sonidos que nutrieron un año caótico.


50. Triángulo de Amor Bizarro – El Gatopardo

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Desde España, Triángulo de Amor Bizarro ha mantenido la misma receta a lo largo de su discografía, convirtiendo cada uno de sus discos en un necesidad aunque pase el tiempo. En Gatopardo los gallegos hacen bailar al ritmo del noise rock y la neo-psicodélia. El desenfreno, muy bien manejado desde el primer material discográfico, requiere la porción más grande en el nuevo disco. – Pablo Acuña


49. Let’s Eat Grandma – I’m All Ears

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Let’s Eat Grandma (Rosa Walton y Jenny Hollingworth) tenían solo 17 años cuando lanzaron su debut, Gemini (2016). Un matrimonio de magnificencia e improvisación, con sintetizadores, saxofones, juegos de palmas y grabadores.

Sus vidas han cambiado inimaginablemente desde entonces, y su segundo álbum, I’m All Ears, es una revelación aún mayor: pop furioso, grandeza y baladas íntimas. Presenta la producción de David Wrench (The xx, Frank Ocean), SOPHIE (Madonna, Charli XCX) y Faris Badwan (The Horrors); que cementa a Let’s Eat Grandma como una de las bandas más creativas y emocionantes del mundo. – Pablo Acuña


48. Jesse Baez – Turbo

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Baez es uno de esos artistas que vive la música y la fiesta al mismo ritmo. Shots y joints en hoteles, viajes en Uber XL a fiestas privadas y escenarios improvisados son precisamente las historias que cuenta Turbo, segundo álbum que lanza el guatemalteco desde que inició su carrera como solista (antes, cantante de Easy Easy). El disco cuenta con letras explícitas y dedicatorias a viejos amores salteadas con un Trap/R&B al mejor estilo centroamericano.

El grande de Álvaro Diaz acompaña a Baez en “Siempre” y Dillon Francis en “Quiero Saber” (pieza que cuenta con un videoclip que fácil se destaca dentro de los videos top del año en la música latina). Otra colaboración estrella fue la de C. Tangana en “No Eres Tú” y la de Fuego en “Tema 1 (SWOOSH)”. Trap de calidad, ajá. También se destaca la balada acústica (+ el sample que hace con una llamada telefónica de su madre) que tira el artista con una canción llamada igual al disco, “Turbo”. De las mejores del LP. A darle play una y otra vez. – José Andrés Cespedes


47. U.S. Girls – In A Poem Unlimited

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Una mezcla de sintetizadores, guitarra, instrumentos de viento y la voz de Meg Remy se conjugan en el nuevo lanzamiento de U.S. Girls, una fusión espaciosa de art pop y rock psicodélico con tintes de jazz, soul y R&B que continúa la línea de su pasado LP, Half Free (2015).

In a Poem Unlimited, un proyecto cargado de atmósferas ochenteras y elementos de pop experimental, no teme revisitar estilos pasados y adaptarlos al estilo composicional característico de U.S. Girls, creando así un amalgama de sonidos con los que Remy plantea su visión artística, cargada de memorables líneas de bajo, experimentación y una enorme sensibilidad por las influencias que inspiran su actual sonido, que fusiona atmósferas retro con pasajes de neo-psicodelia.

Aunque inconstante, este nuevo álbum de U.S. Girls funciona en mayor medida como un collage de sonidos que refleja el interés de Remy por hacer canciones interesantes, más allá de crear una experiencia generalizada respecto al álbum, permitiéndose sonar como ABBA o Blondie en un momento determinado (“M.A.H”) y luego cambiando a algo similar a Portishead (“Incidental Boogie”), una decisión arriesgada que sin embargo resulta en un proyecto realmente llamativo que complementa el estilo de songwriting de Remy. – Jose Mario Monge


46. Nils Frahm – All Melody

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Aún sin el gran amparo conceptual de sus trabajos previos, All Melody se presenta como una de las obras más ambiciosas en la carrera del compositor alemán Nils Frahm. Como bien alude el título, su noveno álbum de estudio explora las distintas conjugaciones de la melodía. Para Frahm, esto significa jugar con elementos tan disimiles como arreglos orquestales y armonías corales con marimbas y texturas electrónicas. Aún así, lo que une al material es su palpable sentido de unidad, en donde la diversidad de herramientas no eluden una cohesión estética notable. Constantemente melancólico y contemplativo, Frahm destaca gracias a su maestría a la hora de complementar los matices de cada sonido y cada instrumento hacia un sentir en común. En este caso, esto es más que suficiente para que el resultado sea un álbum excepcional. – Alonso Aguilar


45. Sons Of Kemet – Your Queen Is A Reptile

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Your Queen Is A Reptile llega en 2018 como uno de los proyectos más interesantes asociado al jazz británico; un lanzamiento que combina afrobeat, dub, soca, jazz-funk y la nada convencional estructura de este cuarteto de jazz (saxofón, tuba y dos bateristas) con el prevalente comentario político hacia la monarquía británica, titulando cada una de las canciones con el nombre de mujeres negras influyentes a lo largo de la historia.

Adicionando además intervenciones vocales (Congo Natty, Josh Idehen) y algunos pasajes de grime dispersos, Sons Of Kemet crea un panorama genuinamente ambicioso tanto en concepción como en ejecución, una atmósfera sónica centrada en instrumentos de viento y nutrida por una intoxicante atención por el ritmo africano y caribeño, explorado en muchas ocasiones gracias a su enfoque no tradicional de “jazz”.

Aún en canciones más tradicionales respecto al sonido clásico (“My Queen is Yaa Asantewaa”), el cuarteto mantiene ese sonido original y característico, en parte por la construcción rítmica de sus percusionistas y el prevalente sonido de la tuba como instrumento base, que se mantienen a lo largo del álbum para concatenar uno de los tracklists más dinámicos de la escena jazz en el 2018, una obra que merece su puesto como uno de los mejores lanzamientos del año. – José Mario Monge


44. Chini and The Technicians – Arriba es Abajo

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Aceptar al otro – una otredad – nos hace definirnos como sujetos a partir de ese reconocimiento de que hay algo distinto a lo que somos o a lo que creemos ser. Buscar los lugares, el tiempo y el espacio, las imágenes de las que estamos hechos y las cuales pretendemos ser, son algunos de los pasajes que nos invita a descubrir Arriba es Abajo, el primer largaduración de los chilenos Chini and the Technicians.

Y como todo proceso de conformación de identidad, hay momentos que terminan haciendo de nosotros un complemento. Entre instrumentos que otorgan sonidos más orgánicos como bombos o ukeleles y guitarras eléctricas a pedales que suenan sin miedo es que se mueve este primer disco, funcionando como la carta de presentación de la agrupación en donde la voz de Chini Ayarza y su complemento junto a Tiare Galaz (Niña Tormenta) te toman de la mano a lo largo de doce canciones.  Sin duda, un disco que te cuestiona y te invita a una propia cartografía. ¿Puedes amar a quien no quiere ser amado? ¿Cuándo quisiste ser? ¿Cuándo quisiste estar? – Paula Altamirano


43. Bad Gyal – Worldwide Angel 

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Jamaican vibes, barcelonian vibes; dancehall, pop y mucho perreo. La más reciente placa de la española Alba Farelo –la Bad Gyal– es un acierto dentro de lo que la contemporaneidad implica: fusiones llenas de sudor y fiesta interminable. En Worldwide Angel, la “pussy que manda” nos revela su lado más seguro, de la mano de una alineación de capos en la producción como Dubbel Dutch, Fakeguido, El Guincho, DJ Florentino o Paul Marmota. Que este disco figure en lo mejor del año no es cuestión del azar, la Bad Gyal quiso darle un giro al mundo redefiniendo el género urbano, y vaya que lo logró. – Alejandro Ortíz


42. Soccer Mommy – Clean

Soccer Mommy

Clean es ese nicho donde conviven amores, deseos, (des)ilusiones e inseguridades. Un álbum que intenta evocar la vulnerabilidad humana y trastocar cada fibra interna. Cada canción está basada en experiencias personales de Sophie Allison (la joven tras el proyecto) lo que produce que cada momento se sienta como si el álbum fuese en realidad un diario.

Su sonido transcurre entre lo tenue y lo dinámico, lo que asemeja el movimiento de las olas del mar; en ocasiones reina una calma casi zen y en otras se crea un ambiente más vigoroso. – Migue Chaves


41. The Holydrug Couple – Hyper Super Mega

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La neo-psicodelia, los synths y una atmósfera setentera son los elementos participes de Hyper Super Mega. El dúo chileno logra en su nueva producción amarrar una diversidad de elementos sonoros, haciendo un repaso sustancial de su carrera, pero también modernizándose y adaptándose a unos tiempos líquidos.

El álbum es una obra que pone en tela de juicio el avance tecnológico, el tiempo y el híper-consumo informático en los que hoy se desenvuelve la sociedad (post)moderna. La reflexión es la principal característica del disco, tanto como para la banda como para quién lo escucha. Un punto inflexivo que demuestra mucha experiencia y madurez.

Atmósferas experimentales recorren de una manera casi natural todo el espectro de esta producción, la linealidad no es participe, todo parece orquestado desde diferentes ángulos, cambios abruptos de ritmos, incorporación de sonidos exóticos que parecen aparecer de forma aleatoria, pero se incorporan a cada canción con naturalidad, como si desde el principio pertenecieran allí.

Siendo una de sus mejores producciones, Hyper Super Mega es la prueba de que Ives Sepúvelda y Manuel Parra, aún mantienen ese espíritu hechizante y fascinante con los que iniciaron hace 10 años – Migue Chaves


40. La Plata – Desorden

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Cuando en 2017 nos enamoramos del sonido de La Plata, supimos que estábamos frente a una de las bandas más prometedoras del panorama ibérico. Su debut –un EP de tres canciones- fue un reencuentro con aquella juventud desconectada que en algún momento nos representó. Este año el quinteto de Valencia (España) reafirmó su promesa con el revival del rock-pop al lanzarnos con su música a un espacio donde la ansiedad predomina por casi media hora.

Sin embargo, sería muy injusto plantear Desorden como un álbum devastador. El disco es todo lo contrario a una experiencia lamentable; se trata de un ejercicio catártico que toma el desorden como punto de partida para llevarnos hasta el júbilo. Es tan solo un primer paso para saborear el optimismo. – Alejandro Ortíz


39. Blood Orange – Negro Swan

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Dev Hynes, mejor conocido como Blood Orange, es un artista caracterizado por crear conceptos únicos para sus discos, cada uno marcado por un sonido característico y una temática común. Negro Swan, su cuarto álbum, no es la excepción. Es un disco con un concepto estético y musical que sobrepone la existencia personal frente a la cultura global, amarrado por temáticas relacionadas con las emociones, la construcción de una familia y la formación de una identidad anclada en lo racial. Negro Swan tiene una cuidadosa producción que mezcla sonidos diversos, que van desde el góspel hasta el R&B y el funk, pero que genera una identidad específica a través de teclados, saxofones y guitarras rasgadas con un modo ochentero. – Mario Fernandez


38. J Balvin – Vibras 

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En Energía (2016), Balvin lanzó éxitos como “Safari”, “Bobo” y “Ginza”. Este año incursionó en Vibras con sonidos más tenues y experimentales, mezclados al punto con el reggaetón clásico que acostumbra producir el colombiano. En este disco nos atrapa con beats fuertes y marcados como los de “Ahora” y “En Mí” y con hits que rompieron todas las fronteras como “Mi gente” o “Machika (feat. Jeon & Anitta)”.

Las mejores colaboraciones del álbum sin duda alguna las tiene con Rosalía en “Brillo” (la nata del disco) y con Zion & Lennox en “No Es Justo”. Este LP sorprendió a muchos fanáticos del artista ya que traía un reggaetón más “light” que no a todos gustó, pero a muchos fascinó. Personalmente, es uno de los mejores largaduración que he escuchado desde hace mucho, muy adecuado para el sonido que anda ahorita en el mercado, en las discos y en las fiestas que siempre prende la música de Balvin. Larga vida al reggaetón. <3. – José Andrés Cespedes


37. Mount Eerie – Now Only

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Después de su devastador proyecto A Crow Looked at Me, lanzado en 2017, Phil Elverum regresa con Now Only, un álbum que relata el segundo capítulo en la cruda y emotiva historia de este artista de Washington y pone en perspectiva la nueva visión de mundo y el bagaje emocional acumulado respecto a la muerte de su esposa, Geneviève Elverum.

Contemplativo y despojado de adornos, Now Only es la reflexión íntima de Elverum acerca de su propio proceso de duelo y la vida después de Geneviève, esta vez con una composición ligeramente más nutrida respecto a su pasado lanzamiento; un tanto menos áspera musicalmente pero conservando la intensidad temática y el estilo “stream of consciousness” característico de Elverum.

Now Only va más allá de un disco de b-sides para A Crow Looked At Me, valiéndose de una atmósfera folk minimalista y el impecable liricismo de Elverum para crear un lanzamiento que busca explorar otras vertientes de su estado emocional y reincorporar poco a poco algunos sonidos familiares. – José Mario Monge


36. Lucrecia Dalt- Anticlines

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Utilizando la geología y las formas terrestres como hilo conductor en su sexto álbum, la colombiana Lucrecia Dalt presentó un nuevo capítulo electrizante dentro de su grosa carrera en el género experimental. Para discernir el concepto de su más reciente disco, la artista nos entrega un terreno musical donde hay espacio para tantos sinónimos de “inquietud” como de “magia”. Se trata de un hipnótico paseo por las habituales atmósferas electrónicas creadas por Lucrecia, con una infinita cantidad de detalles que nos encierran y dopan al son de los loops.  – Alejandro Ortíz


35. JPEG Mafia – Veteran 

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Sumándose a los lanzamientos de artistas como Kids See Ghosts, Death Grips y Earl Sweatshirt, JPEGmafia presenta Veteran, uno de los lanzamientos más interesantes de hip hop experimental del 2018, un álbum con una producción desenfrenada y poco convencional que recuerda la abrasividad glitchy de proyectos como clipping.

Barrington DeVaughn Hendricks, la mente detrás del nombre JPEGmafia, presenta en este último lanzamiento una paleta de sonidos cargada de beats trap poco ortodoxos, samples vocales y una sensibilidad comédica inmediatamente reconocible, que aunque divisiva, funciona como sello característico de su estilo.

Irónico, dinámico y variado en su oferta composicional, Veteran es un álbum que no busca tomarse demasiado en serio, y aunque ligeramente inconsistente, resulta uno de los álbumes hip-hop con más personalidad del 2018, un proyecto que experimenta con múltiples enfoques de producción sonora para complementar el liricismo de “Peggy” de una manera atractiva. – José Mario Monge


34. Amen Dunes – Freedom

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El quinto y hasta el momento mejor disco de Damon McMahon es una incursión en terrenos ligeramente más accesibles, sin dejar completamente de lado el toque psicodélico y las estructuras de canciones pacientes y expansivas. En un panorama independiente que se ha diversificado muchísimo en los últimos 10 años, no podría decirse que existan muchas bandas o solistas minando un terreno similar al de Amen Dunes, lo que lleva a que no suene ni particularmente nuevo, ni particularmente viejo. A pesar de que pueda parecer lugar común, hay algo del terreno de lo atemporal en este álbum. Es música que uno puede imaginar tocada en una amplia habitación, con su toque británico, sus ánimos un tanto grisáceos pero nunca aburridos o deprimentes. – Marvin Coto

33. DJ Koze – Knock Knock 

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Koze puede considerarse como el bromista más prominente de la música bailable, lo que de ninguna manera implica una carencia en sus habilidades como productor ni un descuido a la hora de crear sus álbumes. El espíritu juguetón de DJ Koze  es a la vez generoso, Knock Knock es una obra carnavalesca, extensa y colorida, en la que conviven momentos contemplativos con otros en los que predomina el pulso bailable. Quizás la combinación más lograda de melancolía y euforia está en “Pick up” en donde un sample de una diva disco se mezcla con la repetición mecánica, creando una combinación emocionalmente ambigua. Aparte de esto, los invitados oscilan entre cantantes como Róisín Murphy, raperos como Speech, y figuras en un principio tan alejadas de la música bailable como José González y Kurt Wagner del grupo Lambchop. Como The Avalanches, Koze crea álbumes que funcionan de manera similar a sus mixes, con una trayectoria definida que es necesario escuchar de principio a fin, por más que nuestro déficit atencional a veces lo dificulte.- Marvin Coto


32. Lechuga Zafiro – Testigo

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En las notas de Testigo en Bandcamp viene un pequeño poema como anotación. Este habla de cómo los espíritus se han despertado por el paso de los humanos y de que ahora su rabia se hace corriente en el río. El sentido de este texto podría explicarse con la música que el productor uruguayo Lechuga Zafiro compila en este EP. La relación de Zafiro con su entorno cultural es fuerte.

Los sonidos que toma vienen de tradiciones latinoamericanas muchas veces invisibilizadas, y su forma de reinvindicarlos busca su coexistencia con los elementos más abrasivos e industriales de la música experimental. En sintonía con artistas como Elysia Crampton e Imaabs, Testigo aprovecha su tesis conceptual como una oportunidad de explorar y deconstruir las raíces de un entorno particular. En este caso, la rabia se expresa con bajos pesados y percusiones disonantes. – Alonso Aguilar


31. Melody’s Echo Chamber – Bon Voyage 

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Bon Voyage de Melody Prochet carga con una energía apabullante. Desde diferentes aristas la artista parece jugar con diferentes atmósferas, cada canción parece ser un experimento, lo que conlleva a mezclar sonidos que parecen evocar el caos, pero que al final logran convivir entre sí.  En medio de una danza de sonidos que acompaña cada pieza, la voz de Prochet sobresale con su jugueteo de lenguas, cambia del inglés al francés como un cambio de piel e incluye una canción en sueco, transmutando su ser muchas veces a lo largo del álbum. La sensación de embarcarse en un viaje a lo desconocido y la transformación interna que conlleva son elementos ineludibles del álbum. – Migue Chaves


30. Louta – Enchastre

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En Argentina, “enchastre” hace referencia a situaciones que conlleven suciedad…o grasa. Para Jaime James, alias LOUTA, dicho concepto es el más válido para englobar lo que su más reciente disco evoca: caos, baile y disrupción. James, como joven pródigo del pop sudamericano, nos entregó este año lo más cercano a la banda sonora de los millennial: canciones cuyos leitmotivs recaen en el desenfreno y la inestabilidad juvenil. Confeccionado con algunos retazos rock, otros rap y, sobre todo, por el imperante pop; ENCHASTRE se siente como un disco robusto con altas probabilidades de estimular a cualquier oyente. – Alejandro Ortíz


29. Las Luces Primeras – Forestal Tape

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Las Luces Primeras, es el proyecto de Mariano Peccinetti, conocido por su anterior proyecto musical Trasvorder. En Forestal Tape nos entrega canciones de ambientes espaciales y psicodélicos de dream pop, de melodías sensuales con letras surrealistas, donde escuchamos órganos y sintetizadores analógicos, riffs de guitarras penetrantes, más beats pegadizos que por momentos hacen nos llevan de la mano a un lugar trascendental. – Pablo Acuña

28. Christine and the Queens – Chris

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Uno de los discos de pop más disfrutables del año, con una Héloïse Letissier que explora su alter ego Chris, algo así como su versión desinhibida y sexualmente aventurada, ni completamente hombre, ni completamente mujer. En contraposición al “pop de comité” en el que la lista de créditos de una canción puede ser más extensa que la misma letra, la francesa opta por un synth pop inmediato, que coquetea con el funk, esquiva invitados estrella y nunca suena sobre producido o mercenario. Podríamos decir que es un pop de autor sin pretenciosidad, nocturno, lúbrico, emotivo y extrañamente liberador. – Marvin Coto


27. Balún – Prisma Tropical 

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Posterior a Memoria Textil (2010), la agrupación conformada por Angélica Negrón, Raúl Reymundi, José Olivares y Noraliz Ruiz; siguió confeccionando cuerpos musicales de electrónica etérea, conducidos por la melancolía que evoca la voz de Negrón. Ocho años después, el cuarteto rescató su legado caribeño y lo magnificó en su segundo gran álbum: Prisma Tropical.

Cortes como “El Espanto”, “Ascenso” y “La Nueva Ciudad” destacan sonidos conducidos por un mar de olas de ensueño (gestadas entre el mismo dream-pop y el ambient), que nos hunden en el encanto. Prisma Tropical nos embauca en un caleidoscopio sonoro que, si bien puede presentarse como una obra inofensiva y llevadera, pero que también guarda espacio para vértices que desbordan de detalles abrumadores. Ocho años después y con 16 tracks enfrente, el encanto de Balún sigue intacto en cada nueva escucha. – Alejandro Ortíz


26. Low – Double Negative

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Es realmente gratificante saber que una banda con tantísima trayectoria como Low, tiene la capacidad de salirse de su molde y reinventar su sonido, de deconstruir significados y servirlos en bandeja para que únicamente accionemos el botón de play en nuestros reproductores y  tengamos el placer de escucharlo.Con Double Negative -nada más y nada menos que el álbum número 12 de esta banda de Minnesota- no solo suben la barra a la calidad de su música, sino que suma muchísimo a las generaciones modernas gracias a la connotación política que un álbum como este trae consigo; esto lo convierte en una pieza de gran importancia para nuestra generación y en un momento histórico para la humanidad.Double Negative es un sencillamente la música que necesitamos escuchar en 2018, como soundtrack de nuestro año, como música de fondo para nuestros contextos sociales y políticos, para buscar paz y calma. – Stuart Roldan


25. Lolina – The Smoke 

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Luego de años en conjunto con Dean Blunt, Inga Copeland decidió darle vida propia a sus beats abstractos en una faceta solista. Bajo el nombre de Lolina, la artista radicada en Londres le ha dado mayor prioridad a la utilización de sus propios vocales, pero esto no significa que la música sea menos retadora o más fácil de digerir.

The Smoke, su segundo álbum de estudio, se centra en una gama específica de texturas análogas y  samples barrocos que forjan una estética sonora que favorece los poliritmos y las progresiones disonantes. Si bien se trata de atmósferas desconcertantes, y aún cuando las letras son voluntariamente obtusas, las desapegadas melodías vocales de Copeland dan justo el suficiente centro humano para que no se naufrague totalmente. Escuchar The Smoke es someterse al rocambolesco universo musical de Lolina; una vez que se haya dejado llevar, la mera idiosincrasia de la experiencia terminará de enamorar. – Alonso Aguilar


24. Jenny Hval – The Long Sleep 

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The Long Sleep es un pequeño-gran rompecabezas, es decir, a la manera en que Jenny Hval ha trabajado muchos de sus proyectos anteriores, cada canción se entiende mejor en el todo. El despliegue sonoro intenta recrear esas sensaciones oníricas que sólo el sueño produce. Al principio todo parece que será una experiencia dulce y tranquila, atisbos de un saxofón y un piano melodioso se dejan sentir al comienzo pero conforme se desciende, todo se vuelvo denso y misterioso.

Los sintetizadores alzan ambientes misteriosos y voces con palabras ininteligibles se dejan escuchar. Hasta que al final la voz de la artista se vuelve la caricia que da una cálida bienvenida a la realidad. Un álbum que reproduce de una manera magistral la experiencia misteriosa y milenaria del soñar. – Migue Chaves


23. Charli XCX- Pop 2 

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Con el mismo sentido de arrogancia que expresaron Ornette Coleman y Refused cuando titularon sus trabajos seminales como “el sonido venidero” del jazz y el punk, Charli XCX autoproclamó su más reciente mixtape como la secuela natural de la música pop. Así como los beatniks en 1959 y la comunidad hardcore 40 años más tarde, los millennials “poptimistas” también tienen que aceptar a regañadientes que la artista en cuestión no se estaba sobrevalorando.

Justo cuando Charli XCX estaba consolidando su nombre en el mainstream con coros icónicos en hits masivos, la excéntrica joven londinense decidió aliarse con la bombástica producción de SOPHIE y el equipo de PC MUSIC y comprometerse de lleno con forjar la música pop del futuro, aún cuando esto significa menor aceptación en el presente. En Pop 2, Charli toma los cimientos de Number 1 Angel (2017) y exalta sus virtudes en un paquete compacto y rebosante de sentir juvenil. Los altos y bajos amorosos, la auto-confianza ostentosa y la auto-destrucción del hedonismo son partes esenciales del mundo del álbum, el cual se construye desde producción vibrante y hipercolorida y melodías pegajosas y memorables. Tan extravagante como la misma artista, Pop 2 cumple su cometido de proyectar las posibilidades de un género que ya trasciende. – Alonso Aguilar


22. Flavien Berger – Contre Temps 

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Canción francesa modernizada, con la misma atención puesta a la palabra, las melodías evocativas y la falta de agresividad rockera, pero pasada por el tamiz del DIY, de las horas pasadas obsesivamente programando sintetizadores y cajas de ritmo. Todas las canciones tienen un filtro a veces medio Krautrock, a veces medio synth pop que, de forma casi milagrosa, evitan caer en un estéril gesto retro. Un disco mastodóntico, de extensa duración, en donde los coqueteos con el techno de “999999999” se extienden por 9 minutos y se combinan con canciones tan clásicas y redondas como “Brutalisme”.  – Marvin Coto


21.Kids See Ghosts – Kids See Ghosts

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En definitiva 2018 fue un gran año para Kanye West, quien además de sus múltiples momentos mediáticos, logró sacar su 8vo disco: Ye (2018), lanzó también -y casi al mismo tiempo- un álbum corto en colaboración con Kid Cudi.

Kid See Ghosts -álbum homónimo- es de esas piezas excepcionales que deben estar entre las colecciones de quien gusta del buen hip hop. Este un disco que nos habla de emociones, rupturas y quebrantos. Una sinergia exclusiva que estos dos monstruos del hip hop contemporáneo nos cedieron a mitad de año y para siempre.- Stuart Roldán


20. Daughters – You Won’t Get What You Want 

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Ocho años después de su último lanzamiento, Daughters regresa con You Won’t Get What You Want, un desgarrador testimonio noise rock que conjuga atmósferas disonantes y una visceral línea narrativa para crear uno de los lanzamientos más inquietantes del año; un monumento sombrío y caótico cargado de misantropía cuyo único objetivo parece ser mostrar la faceta más oscura del comportamiento humano.

En 48 minutos, Daughters logra enfocar la turbulenta visión pesimista de la naturaleza humana en un tracklist abrasivo y elocuente, que no deja atrás ninguno de sus elementos sónicos o líricos para la creación de una frenética experiencia artística que contempla una de las visiones conceptuales más interesantes alrededor del término “brutal”.

Con una impecable producción y una singular concepción sónica, You Won’t Get What You Want es uno de los álbumes más cautivantes del año, una obra lóbrega y estridente que recuerda a artistas como Swans o The Body y presenta una hostil visión de mundo llevada a la excelencia por esta genial banda de Rhode Island. – José Mario Monge


19. Parquet Courts – Wide Awake

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Wide Awake se encarga de plasmar grandes ideas mezclan de elementos del funk, punk y garage rock, entre otros. Bajo la producción de Danger Mouse, los neoyorquinos logran crear un compilado de sonidos orgánicos y frescos. 
Son muchos puntos altos. El bajo es el sonido más distintivo desde el inicio, con riffs bien pegajosos y en la mayoría de las canciones son la fuerza que lidera al resto de la banda. La batería llega a crear ritmos basados en algún fill y al cual agregándole percusión menor crea una sección rítmica algo bizarra para el rock, pero el resultado es espectacular. Sumen a esto un gran juego entre teclados y guitarras y se tiene una obra atractiva y divertida. 
Lo que hace de este álbum merecedor de un espacio acá es la muestra de capacidad de Parquet Courts de reinventarse a sí mí mismos con tanta facilidad, pero manteniendo su escencia viva. Es el sexto que tienen en menos de diez años y la emoción que generan siempre aumenta. – Iskander Cespedes

18. Clubz – Destellos

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Este primer LP de los mexicanos también fue uno de los más esperados, ya que desde su aparición han venido sacudiendo la escena musical latinoamericana -y más allá-. Muchos tuvimos el agrado de verlos en vivo en el Festival Epicentro tan solo unos meses antes del lanzamiento de su álbum.

Sus múltiples sencillos que desde dos años antes fueron antojando a sus escuchas, lograron mantener la expectativa para al final regalarnos un larga duración de 11 canciones en poco más de media hora y con colaboraciones importantes que mantienen la línea de su música en sus pop nostálgico lleno de sintetizadores. – Stuart Roldan


17. Playboi Carti – Die Lit 

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El álbum que llevó a nuevos horizontes el minimalismo en el hip-hop vino de nada menos que una de las figuras más irreverentes y poco ortodoxas de la generación soundcloud. En Die Lit, Carti mantiene sus rimas sin sentido,  sus temáticas juveniles y sus enfáticas reiteraciones en flow, pero esta vez las canaliza a través de un diálogo constante con la vanguardista producción de Pi’erre Bourne, quien se convierte en el verdadero protagonista del álbum gracias a la estética sonora que construye desde beats esqueléticos y samples poco ortodoxos.

El delirio que es el sonido de Die Lit, con su aura retro-futurista y atmósferas somnolientas, reta constantemente los preconceptos de melodía y de estructura, dándole una dimensión  tan lúdica como radical. De esto se alimenta Carti, quien evita ser consumido por la disonante producción y despliega el repertorio más surreal de ad-libs y de excentricidad vocal desde No, My Name Is Jeffery de Young Thug. Die Lit apropia el absurdo inherente a nuestros tiempos y lo regurgita de la manera más jovial posible, convirtiéndose así en todo un testamento de la época de la post-ironía. – Alonso Aguilar


16. Kali Uchis – Isolation 

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Un disco debut nunca es una excusa para no hacer un trabajo excepcional y esta artista colombiana-estadounidense lo demuestra cuando en el cuarto mes de este 2018, lanzó su primer disco Isolation.

Una mezcla híbrida entre varios sonidos que abarcan el hip hop, R&B y reggaeton, hacen de este álbum una diversa y exquisita carta de presentación, y que como si fuera poco incluye grandes colaboraciones con artistas como Jorja Smith, Tyler The Creator, Steve Lacy, entre otros.

Isolation es un gran disco en un grandioso 2018, musicalmente hablando. – Stuart Roldán


15. Tirzah – Devotion 

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Cinco años le tomó a Tirzah Mastin desplegar su ópera prima que se caracteriza por ser tan vulnerable como majestuosa. En Devotion, la elocuencia lírica de Tirzah se alineó nuevamente con las prolijas melodías de Mica Levi –compositora y productora nominada al premio Óscar- para engendrar así un brillante álbum de eléctronica y lo-fi que le canta a las relaciones bajo cualquier circunstancia. – Alejandro Ortíz


14. Imaabs – Discretización 

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Sin previo aviso, promoción ni un sello que lo acompañara, vimos salir a la luz Discretización, el álbum debut del productor chileno Imaabs. En diez tracks, el viaje que nos propone Imaabs es el siguiente: atomizar tus sentidos y desplazarte en los vertiginosos impulsos eléctricos que dirigen nuestro cuerpo.

Con sonidos que van más allá de la música club que estamos acostumbrados a escuchar, el productor nos empuja a escuchar loops de baterías metálicas, sonidos que rozan en lo industrial y cortinas de ruido que inundan tus oídos en una atmósfera oscura y futurista, casi como una distopía en nuestro interior. En esta cartografía – tal como él mismo la ha definido – hay ciertos momentos que nos tienden una mano hacia la pista de baile, como en “Osmosis” o “Serial”, mientras que tracks como “Virtuality” o “Cerotonine” hacen que nos atrapemos pensando en un futuro que no podemos manejar.

La discretización es una operación en donde se separan los objetos geográficos de una misma clase con aquellos a los que más se parecen y en ese sentido, creemos que Imaabs hace este ejercicio, marcando como punto geográfico el hostil cono sur y enviando desde allí, su declaración de principios a diversos oídos del mundo: la pista de baile también puede ser un espacio de reflexión. – Paula Altamirano


13. Snail Mail – Lush 

snail mail

 

La carta de presentación de Snail Mail llegó en Habit, un EP que lanzó en 2016 que nos dejó claramente a la expectativa. Ahora, con Matador Records, Lindsey Jordan nos entrega un álbum debut muy fino pero corpulento, donde suena emocionada, convirtiendo el triste sentimiento en una canción, mientras una ráfaga de bajo, batería y acordes constantemente la elevan.

Muchos críticos le han denominado a Lush, el álbum que comprende el “indie del futuro”. Y si tuviéramos que describir ese indie sería uno meramente melancólico. Por poner un ejemplo, ‘Pristine‘ es un tema punzante, que habla de no ser capaz de quitarte a alguien de la cabeza.

Durante las diez canciones, Lindsey Jordan constantemente abre su corazón sin rencor. Un disco de guitarras y de canciones de (des)amor, que en este caso, a parte de distinguirse por una voz pura, destaca por la firmeza de sus temas, tanto en lo melódico como en lo instrumental. Pablo Acuña


12. Christina Rosenvinge – Un Hombre Rubio

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En una carrera que ya ha pasado por el pop naif ochentero, la fase cantautora de los 90 y hasta los coqueteos con el indie rock en inglés, el más reciente disco de Rosenvinge puede ser algo así como la cumbre del renacimiento artístico que tuvo con Tu labio superior en 2008.  De tono personalísimo, Un hombre rubio, es paradójicamente una obra de empatía, en donde las canciones están narradas desde la perspectiva masculina, con todas las contradicciones y miserias que eso implica. Sobre todo, el fantasma del padre de la cantante flota por el disco y se muta entre los distintos narradores, como manera de buscar algún tipo de reconciliación con ese hombre distante y emocionalmente hermético. En la música, Rosenvinge y su banda optan por un robusto pop de guitarras que elude los ganchos fáciles sin por eso dejar de ser memorable. – Marvin Coto


11. Earl Sweatshirt – Some Rap Songs

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Después de desaparecer por varios años, Earl Sweatshirt regresó con un álbum innovador y completo, que desdibuja las fronteras entre el rap, el jazz y la poesía en su carácter performativo. No es un álbum común de hip-hop, con una línea de bajos y beats fuertes; es una mezcla de sonidos lo-fi, loops, samples y clips de audios que aparecen de forma aleatoria, siempre sobre la base de una batería estridente. Detrás de Some Rap Songs –titulado así casi con ironía–, Sweatshirt evidencia un interés por contar su historia de vida. Mediante tracks de uno o dos minutos, nos habla sobre su rehabilitación, la vivencia de una negritud radical y la relación con sus padres, quienes se convierten en actores activos del álbum. Some Rap Songs es un álbum de vanguardia, porque rompe con esquemas líricos, musicales y de producción, y demuestra que Earl Sweatshirt es un artista prodigio. – Mario Fernandez


10. Tim Hecker – Konoyo

tim hecker

Durante años, el genio del compositor experimental Tim Hecker ha residido en las maneras imaginativas en las que explora la recontextualización de sonidos. Ya sea con las apropiaciones de la disonancia del rock en sus inicios o la dimensión orgánica que le añadió el uso de instrumentación en Ravedeath, 1972 (2011), Hecker siempre encuentra formas de reinventarse y de retar el alcance de sus yuxtaposiciones sonoras.

En Konoyo, el artista canadiense crea uno de los diálogos musicales más potentes de su carrera al complementar las desoladas atmósferas digitales del glitch con la mística milenaria de un ensamble gagaku de música clásica japonesa. Más que una nueva herramienta con la que experimentar, Hecker apropia la perspectiva fresca que le brindan estas nuevas texturas y construye un flujo paralelo en donde el fin último es la inmersión. El resultado es quizás el lanzamiento más dinámico y con mayores matices en la ilustre carrera de Tim Hecker, y eso es decir bastante. – Alonso Aguilar


9. Niños del Cerro – Lance 

niños

Después de tres años de su gran debut en Nonato Coo (2015), Niños del Cerro elevan la calidad de composición en su segunda producción, Lance. El álbum junta ritmos hipnóticos, bailables y, en su propio modo, ligeramente violentos.

La voz es el primer elemento que atrae del disco, una que suena cansada pero no extraña. De segundo lo complementa las guitarras que cada vez se van haciendo más potentes, para así, al final, de una forma catártica y melancólica dejarnos ir en una de las mejores producciones latinoamericanas del año. –Pablo Acuña


8. Beach House –

beach house

Lo que hace Beach House es difícil de describir, las variaciones estilísticas en sus discos son notables pero aún así se trata de expansiones graduales de una estética muy definida. Poco dicen adjetivos muy manoseados como “etéreo” pues en un disco como 7, las pequeñas disonancias conviven con la belleza y la repetición hipnótica. Por ejemplo en “Black Car”, la presencia de un sencillo motivo durante toda la canción le da un aire ultra minimalista, en donde no existe ningún clímax o progresión evidente (no es de extrañar que algunos productores de hip hop han sampleado canciones del grupo). Y luego de esto, canciones más clásicas como “Lose your smile” nos remiten a los momentos más accesibles de discos como “Bloom”.  Así, 7 funciona como compendio de lo que ha hecho Beach House en los últimos 10 años y apunta a direcciones imprevistas para una banda que en apariencia, tendría una identidad ya muy consolidada. – Marvin Coto

7. Julia Holter – Aviary 

julia holter

Lo clásico y lo moderno luchan y se abrazan en Aviary. Cacofonía y armonía, un eterno ir y venir transcurre a lo largo del álbum. A partir de una diversidad de sonidos se lleva a cabo este proceso de una manera imponente. Caos que parece orden.  

Se pueden percibir diseminadas, influencias clásicas, barrocas y electrónicas lo cual junto se convierte en un hilado muy complejo. Cada canción desenvuelve todo esto de una manera diferente, conteniendo en sí cada una identidad propia,  siendo el disco en su totalidad un conjunto distinto, pero que explora de la mejor forma distintos parajes sonoros

Con todo esto, la artista intenta explorar la cultura moderna con muchas herramientas clásicas, siendo estas principalmente escritores/as que le permiten diseccionar las misteriosas pasiones del corazón humano. – Migue Chaves


6. Robyn – Honey

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La gran hazaña en Honey ha sido buscar una transición entre la máquina de pop comercial y hacer algo mucho más ecléctico acorde a 2018. Todo esto lo hace por medio de una figura poderosa y necesaria en la música pop, reafirmando la autonomía de las mujeres en un género que trabaja para mantenerlas desechables.

Hace 8 años que no teníamos noticias de Robyn. Ahora tiene ya casi 40 años. Su sonido ha evolucionado. Se ha pasado de moda el teñirse el pelo de gris. Falleció su colaborador y amigo Christian Falk. El sonido del pop global ha evolucionado. Honey muestra un sonido diferente pero el sentimiento es el mismo. – Pablo Acuña


5. Against All Logic – 2012-2017 

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Nicolas Jaar regresa en 2018 con una de los álbumes más particulares de su carrera; una recopilación de canciones inéditas cargadas de samples que retoman la estética house previamente explorada por el músico y presentan una de las visiones más consolidadas respecto a las labores de producción de este artista chileno-americano, esta vez bajo su alias menos reconocido, Against All Logic.

2012-2017 es un lanzamiento espectacular; una obra cargada de melodías memorables, tintes de funk y soul, un excelente uso del sampling y beats genuinamente dinámicos y entretenidos, conjugados en un tracklist prácticamente inmaculado, que recuerda en ocasiones a proyectos como Endtroducing (Dj Shadow) y Since I Left You (The Avalanches).

Jaar presenta en este nuevo álbum de Against All Logic su más refinada vertiente de música dance, un proyecto inolvidable que si bien no redefine el sonido, funciona como una magistral demostración de la ejecución artística de uno de los productores más importantes de años recientes. – José Mario Monge


4. Mitski – Be The Cowboy

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Nacida en Japón de padre estadounidense y madre japonesa, Mitski Miyawaki creció entre 13 países y varios continentes antes de eventualmente establecerse en la ciudad de Nueva York. Con Puberty 2 recibió una aclamación crítica generalizada, colocándose en los top 25 de las listas de fin de año de publicaciones de crítica de música importantes.

Be the Cowboy, su tercer álbum consecutivo con el productor Patrick Hyland, se mueve en una órbita menos personal que Puberty 2.

La portada del disco muestra a Mitski luciendo un lápiz labial rojo brillante y una gorra de baño de color neutro, mientras que la mano de un individuo fuera del foco se cierne para maquillar sus pestañas. Ella mira hacia otro lado, desafiante, fijando su mirada en nosotros, de manera intimidante, casi acusadora. Be the Cowboy se trata de capricho, negando los elementos de la belleza de alguna manera mientras se entrega a sus estándares en otras. Mitski camina la división entre el amor y la angustia, entre el abatimiento y la furia. Ella es el geyser y también la bailarina lenta. Como en nuestras vidas, ella está cantando para sí misma, pero también para su público. Hay un pequeño Mitski en todos nosotros. –  Pablo Acuña


3. Sophie – Oil of Every Pearl’s Unsides 

sophie

Durante los últimos cinco años, SOPHIE ha logrado que su aproximación maximalista y esquizofrénica a la música pop la posicione como una de las productoras más idiosincrásicas e influyentes de la actualidad. Habiendo más que probado su capacidad para concebir bangers hiperquinéticos y futuristas, la artista escocesa convirtió su primer álbum de estudio en una especie de auto-retrato, alejándose del enigma y la reclusión que acompañaban su figura hasta ese entonces.

Oil of Every Pearl’s Un-insides expande la innovación sonora de SOPHIE con la incorporación de los elementos más abrasivos del drone y el noise y los más coloridos del bubblegum pop, pero lo que termina de elevar al material es la dimensión personal que la productora le adhiere a cada canción. Desde la melancólica “It’s Ok To Cry” hasta el himno de emancipación “Immaterial”, el debut de SOPHIE contagia la radiante confianza de una artista que nunca se ha sentido más cómoda con si misma. – Alonso Aguilar


2. Rosalía – El Mal Querer

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El flamenco es un género espectacular. Ha sido influencia para varios artistas importantes, pero jamás había llegado al mainstream comercial de esta forma. El Mal Querer es la segunda producción de Rosalía. Este álbum cuenta una historia, evidenciado en el nombre de las canciones, que lleva un capítulo adjunto. Tiene de todo, gran música, narrativas, discusiones, emoción, amor, alegría, por mencionar algo. Entre tanto es fácil sentir que los 30 minutos de la obra como solo cinco. Realmente no hay manera de describir lo que se puede sentir al escucharlo, ya que puede fácilmente generar una interpretación distinta en cada quien. Esto y más es lo que llevaron a El Mal Querer a estar entre los mejores discos del 2018 y darle a Rosalía un espacio de headliner en Primavera Sound. – Iskander Cespedes


1. Yves Tumor – Safe In The Hands of Love

yves

En 2018, los consensos son cosa del pasado. Las idiosincrasias de los contextos específicos cada vez permean más el consumo masivo, lo que conlleva a un panorama de expresiones artísticas heterogéneas y eclécticas. Las etiquetas que antes se utilizaban como guía son obsoletas en tiempos de constante deconstrucción, y así como surgen los nuevos significados, también lo hacen las noveles herramientas que los transmiten. En este frenesí posmoderno, la música que destaca es la que se encuentra en constante reinvención y hace un esfuerzo consciente para escapar de los preconceptos y los lugares comunes. La encarnación sonora de todas estas ideas fluyen y se rebasa en los densos canales de Safe In The Hands of Love de Yves Tumor.

Al librarse de toda noción de lo que es “experimental” y lo que es “pop”, el artista conocido como Sean Bowie conjuga sus ideas sobre identidad y transfiguración desde una estética tan fresca como desconcertante. Desde el primer segundo, las abrumadoras barreras de disonancia se hacen presentes. Al jugar tanto con el apocalíptico  llamado de trompetas como con punzantes distorsiones electrónicas, Tumor sumerge en una dimensión cuya corporalidad es latente. La transformación, y el dolor que es inherente a ella, consumen todo a su alrededor. La incertidumbre del contexto social, del sexual y del emocional coexisten y se alimentan entre sí en lo que es una búsqueda de sentido integral que explora texturas tan disímiles como la sutil melancolía melódica y la devastadora confrontación del ruido.

La tumultuosa narrativa de Safe In The Hands of Love culmina con un renacer, aludiendo así a la idea de que la verdadera liberación solo puede existir con el desprendimiento total de lo que hubo antes. Para Yves Tumor, el cambio solo puede llegar cuando la revolución es interna, y su radical exploración de esta idea sirve como un potente testamento sonoro que resuena particularmente en nuestros tiempos. – Alonso Aguilar

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