Reporte de Hip-Hop: Segundo Semestre 2016 (+ Enero 2017)

arte-hip-hop

A pesar de todo, el 2016 fue un gran año musicalmente, y estos últimos meses en el mundo del hip-hop son una representación perfecta de ello. No solo hablamos de calidad, ya que varios lanzamientos terminaron en las listas de lo mejor del año,  sino también de una variedad pocas veces vista en otros géneros. Trap bangers que definieron las fiestas, hitos del jazz rap que estimularon las neuronas, one-liners memorables, coros pegajosos, beats demenciales, y hasta expresiones emocionales devastadoras fueron parte de un panorama reciente que cada vez dista más de las “concepciones tradicionales”. Más allá de sonar o identificarse como hip-hop, cada uno de estos elementos (representados en los lanzamientos de los que hablaremos) es una visión única de lo que ello significa, exaltando el amplio canvas que es esta cultura (shoutout a Migos). 


A Tribe Called Quest – We Got It From Here… Thank You 4 Your Service (Destacado)

a-tribeMuchos han resaltado el siguiente hecho: el milagro no es que exista, sino que el resultado haya sido tan bueno. El género suele ser terreno muy complicado para artistas con gran recorrido y rara vez un grupo o artista de hip hop permanece realmente relevante luego de 10 años de trayecto. Muchos argumentos (igualmente interesantes) pueden justificar este fenómeno, pero aquí va el mío:

Partiendo de los álbumes más conocidos del grupo, es notable el cambio en dirección de este proyecto. Esta nueva dirección es llamativa porque pareciera ignorar los matices de las nuevas generaciones y a la vez se siente como una transición orgánica para el colectivo, es decir, pareciera el resultado de un crecimiento que mira hacia adentro más que alrededor. Es un álbum de ellos inspirado en ellos mismos entonces toca terreno nuevo sin depender de matices populares actuales, lo que los separa del resto de artistas contemporáneos y de su propio trabajo a la vez. Por lo tanto suena como una evolución exitosa del grupo. Además, y muy importantemente, descartan cualquier actitud condescendiente con respecto al estado actual del hip hop, optando más bien por destacarlo.

La producción del proyecto es de lo mejor que Q-Tip y compañía han hecho. Los samples utilizados son una lección magistral en el arte de la práctica, por su diversidad y creatividad en uso. En aspecto lirico, el resultado es igualmente satisfactorio; un balance ejemplar de contenido político contrapuesto con actitud de diversión y ligereza, aspecto que tanto caracteriza a clásicos de la época dorada (De La Soul, KMD, el mismo Tribe). Aunque quizás algunos artistas invitados funcionen mejor que otros, estos ayudan a que la identidad del proyecto no recaiga mucho sobre Q-Tip y la muerte prematura de Phife Dawg. Además, cumplen una función conceptual recurrente dentro del proyecto, que es la de la comunidad de hip hop y la apertura que la caracteriza.

A pesar de que uno de los puntos más bajos del proyecto es “Lost Somebody” (quitando de lado el curioso sample empleado de “Halleluhwah”), el proyecto en gran medida afronta la pérdida de Phife Dawg de manera muy sobria y optimista, prefiriendo autenticidad a melancolía cliché. Al proyecto se le suma la sorpresiva participación de Jarobi White que resulta ser excelente y usos eficientes de “scratching” en 2016 por parte de Ali Shaheed Muhammed. Este proyecto es realmente algo a lo que se debe aspirar, tan genuino que parece imposible pensar que pudo no haber existido del todo. –José María Quirós

 Ab Soul – Do What Thou Wilt. (Destacado)

ab-soul-threatening-nature-mp3-715x715

Es difícil pensar en un TDE previo al auge astronómico de Kendrick Lamar, pero en el 2012, 5 meses antes del lanzamiento de good Kid, M.A.A.D. City, Ab-Soul era quien tenía al mundo del hip-hop en delirio con el genial Control System. Su flow paranoico, wordplay intricado y excéntrica personalidad lo consolidaron como una gran promesa para los seguidores del hip-hop más lirico. Lastimosamente, en su siguiente proyecto dejó muchas de sus idiosincrasias de lado con el afán de conseguir un sonido más accesible, lo que resultó en que These Days se sintiera falto de inspiración y un tanto blando. Soulo parece haberse dado cuenta de este traspié, y en Do What Thou Wilt. da un giro hacia la dirección opuesta, con su material más denso a la fecha.

El álbum tiene como base temática la exploración de la feminidad, pero como es Ab-Soul de quien estamos hablando, esta naturalmente viene desde un plano trascendental y se yuxtapone con el ocultismo de Aleister Crowley (de donde viene el título) y conspiraciones bíblicas. Si bien sus aspiraciones filosóficas son amplias, y llegan a alienar por momentos, el rapero californiano nunca se toma demasiado enserio y deja espacio para líneas con humor absurdo y coros con gran ligereza. Los beats, por su parte, son tan oscuros y eclécticos como las referencias de Soulo, dándole una gran cohesión estética al tono atmósferico del material.

Aunque la naturaleza ostentosa del rapero hace que el material se sobre-extienda un poco, Do What Thou Wilt. es sin lugar a dudas un regreso a forma para Ab- Soul, quien se resiste a quedar en la sombra de sus compañeros de sello y reclama su puesto como el “abstract asshole”que en un principio llegamos a amar. –Alonso Aguilar

Childish Gambino – Awaken, My Love (Destacado)

cover

La inclusión de Gambino en esta lista se da más por el contexto en el que se ha movido su carrera que por este último lanzamiento, ya que encasillar Awaken, My Love como hip-hop no solo sería errado en cuanto a su sonido, sino que sería una injusticia hacia la propuesta artística de Donald Glover.

En un giro totalmente inesperado para su carrera, el rapero y estrella de televisión californiano deja de lado los beats contemporáneos y one-liners excéntricos de su característico nerd rap, y opta en vez por una apropiación totalmente fidedigna del libertinaje setentero. Es cierto que varios grandes lanzamientos en la memoria reciente han incorporado elementos del funk y el soul de gran manera (Malibu, To Pimp A Butterfly, Coloring Book), pero estos mantienen un sentir esencialmente contemporáneo; este no es el caso de Awaken, My Love.

A pesar de no haber vivido esta época, el cariño y respeto que Glover le tiene a este momento histórico de la música afroamericana es palpable en cada segundo del material, transportando por parajes psicodélicos de sensualidad, melancolía e irreverencia. Estos son construidos de una forma orgánica gracias a sintetizadores atmosféricos, memorables riffs de guitarra y performances vocales totalmente desenfrenados. Cada uno de estos elementos parece fluir libremente, evocando el sentir de espontaneidad de los momentos más imaginativos de Funkadelic.

La seguridad que Gambino denota se muestra con la facilidad que tiene al pasar sin mayor problema de movidos temas a lo Sly and the Family Stone a sublimes baladas de las que Smokey Robinson estaría orgulloso.
Al enfocarse en la resonancia y el poder cultural de un sonido, Childish Gambino ha creado en Awaken, My Love una genuina celebración de la negritud que es tan efectiva e importante como lo hubiera sido en 1972. –Alonso Aguilar

Clipping – Splendor & Misery 

a2530397806_10

En papel, la idea de un álbum conceptual sobre distopía intergaláctica suena más afín a géneros con una disposición más teatral, como el rock progresivo o el metal, que al hip-hop. Para clipping esto claramente significa poco, ya que desde sus inicios han mostrado nulo interés en las concepciones tradicionales del género, subvirtiendo expectativas con su caótica mezcla de noise y rap. Splendor & Misery llega entonces como su proyecto más ambicioso a la fecha, y muestra a la banda optando por un enfoque artístico un tanto distinto.

La disonancia de la instrumentación sigue siendo un elemento notable en el sonido del trio, pero lo que en midcity era anarquía desenfrenada, ha venido convirtiéndose lanzamiento a lanzamiento  en un elemento más complementario. Los parajes de desolación industrial que cuenta la narrativa del álbum le dan un propósito al uso de estos sonidos, y si bien aún claramente innovadores, su uso en la composición es un tanto más comedido.

En este lanzamiento Clipping ha moldeado su sonido hacia una gran cohesión conceptual y estilística que lo hace más accesible, pero inevitablemente esto le ha restado un poco a lo abrasivo y visceral que inicialmente encantó de su música.  –Alonso Aguilar

D.R.A.M. – Big Baby D.R.A.M. (Destacado) 

cover

Con excepciones, el paraje actual del hip-hop comercial parece encontrarse plagado de variaciones de “el rapero excéntrico”, “el rapero solemne” y “el rapero controversial”, razón por la que el ascenso del siempre-sonriente D.R.A.M. se siente como una bocanada de aire fresco.

Es cuestión de ver la portada del álbum para darse cuenta el tipo de álbum que Big Baby D.R.A.M. es. El material está plagado del carisma desbordante y el híper-positivismo del rapero de Virginia, quien sumerge al escucha en un mundo de sol y perritos desde las primeras harmonías vocales en la colorida “Get It Myself”. El sentimiento de alegría es consistente, pero D.R.A.M. logra diversificar gracias a la efectividad de sus sorpresivos dotes románticos (¿Quién más podría hacer sonar una balada sobre Wi-Fi o líneas como “I choose you like a Pokemon” como algo sincero?).

Los beats en su mayoría comparten ese aire anacrónico de simpleza y diversión, exaltando lo inherentemente ridículo de éxitos como “Broccoli” y “Cash Machine”. De hecho los momentos menos memorables del álbum se dan en temas de trap y hip-house con un estilo convencional que priva a D.R.A.M. de su encanto. Aun así, por la mera idiosincrasia de su personalidad y la sonrisa que va a dejar en el escucha, Big Baby D.R.A.M. se distingue como una experiencia realmente gratificante.  –Alonso Aguilar

Danny Brown – Atrocity Exhibition (Destacado)

danny-brown-atrocity-exhibition-2016

“La grandeza de Danny Brown va de la mano con lo demencial de su arte, y si bien sus lanzamientos anteriores habían sido destacados, Atrocity Exhibition vino a confirmar el potencial que sabíamos que el rapero de Detroit tenía. Su flow frenético y sus rimas poco ortodoxas pintan un paraje de excesos y decadencia que es ambientado con varios de los beats más disonantes y descabellados jamás grabados. Cuesta pensar en algún otro rapero que si quiera se atreva a experimentar con las texturas abrasivas de este álbum, y mucho menos en alguien que logre conjugarlas con la maestría en que Brown evoca la esquizofrenia y el éxtasis. Una experiencia desafiante que sin lugar a duda será vista como un hito dentro del género y más allá”. –Alonso Aguilar (Originalmente parte de Los Mejores Albumes Anglo del 2016)

De La Soul – and the Anonymous Nobody…

cover

Los llamados comeback albums, en su gran parte suelen ser un carrusel de expectativa y desilusión para los fanáticos. A Tribe Called Quest demostró con maestría la fórmula para lograr trascender los preconceptos asociados a este tipo de lanzamiento, y si bien bastante competente, el retorno de sus contemporáneos de De La Soul lastimosamente no logró salir tan bien librado.

And The Anonymous Nobody… funciona mejor cuando el legendario trio neoyorkino opta por darle un giro contemporáneo a su excéntrico jazz rap en temas como “Pain”, “Property of Spitkicker.com” y “Trainwreck”. Basslines gruesos, el nostálgico boom bap y melodías relajantes remiten a los años dorados de 3 Feet High And Rising, mientras que el carisma y humor de las letras se cementa en la incuestionable química entre Posdnous, Dave y Maseo.

Con la conclusión de su primer tercio, el álbum da un giro inesperado hacia un pastiche de distintos sonidos. Es aquí en donde De La flaquea, dejando a la gran lista de colaboradores imponer sus sonidos, muchos que no se complementan particularmente bien con el estilo laid back de los de “Me, Myself & I”. Si bien hay excepciones como “Whoodeni” con 2chainz, esto lastimosamente resulta en temas poco memorables y segmentos no muy estimulantes.

El regreso de De La Soul sin lugar a duda muestra destellos de la grandeza que los consolidó en los anales del género, pero la inconsistencia a lo largo del material hace que difícilmente destaque fuera de su círculo de fieles seguidores. –Alonso Aguilar

DJ Khaled – Major Key 

coverExcéntrica figura motivacional, productor respetado, icono de Snapchat, meme. El nombre de DJ Khaled evoca pluralidad de cosas. Quizás no sean las cosas más cohesivas entre sí, y sin lugar a duda algunas son más efectivas que otras, pero todas tienen el sello idiosincrásico del productor de origen árabe. Esto esencialmente también describe a Major Key, lanzamiento en medio de su apogeo de viralidad.

Más que un álbum, la colección de temas que componen el lanzamiento se siente como una compilación de algún tipo, en donde la curaduría de Khaled junta luminarias de la producción con estrellas del hip-hop. Esto deja pegajosos sencillos como “I Got The Keys” y “For Free”, pero también destacados deep cuts como “Nas Album Done” (lo mejor que escuchamos de Nas en décadas) y “Holy Key”. Pasar del virtuosismo lirico de Nas y Kendrick a los estimulantes ad-libs de Future se vuelve un tanto extraño al no haber transición alguna, y si bien hay temas rescatables como los antes mencionados, la naturaleza de Major Key es inherentemente inconsistente. –Alonso Aguilar

Frank Ocean – Blonde (Destacado)

F.O.B

El día a día con uno mismo es un hecho innegable de la vida que recorre todo el segundo disco de Frank Ocean.

Blonde es una paleta de sensaciones altas y bajas, guitarras extrañas, suspiros de Kendrick Lamar y sobre todo un disco que sobrepone la búsqueda de la identidad a través de los sentimientos sobre todas las cosas. Frank Ocean es cada segundo del disco más él mismo. –Gabriel Castro

Injury Reserve – FLOSS (Destacado)

cx56nsaxaaavn4d

El 2015 vio en el mixtape Live From The Denist Office de Injury Reserve uno de los debuts más interesantes del año. Durante 11 temas, el trio de Arizona le dio al mundo una probada de su potencial con letras hilarantes, química entre sus MC’s, y sobre todo, varios de los bangers más imaginativos en la memoria reciente. Con FLOSS, Steppa J. Groggs, Ritchie With a T y el productor Parker Corey están de vuelta con un material que toma lo mejor de su debut y lo eleva a otro nivel.

La primera parte del álbum muestra una seguidilla de banger tras banger, cada uno más bombástico y poco ortodoxo que el anterior. Desde el beat tétrico de “Oh Shit” hasta la agresividad visceral de “What’s Goodie”, Injury Reserve explora una amplia gama de bajos pesados, percusiones tribales y melodías jazzy, siempre manteniendo la cohesión con su estética nocturna. El resto del lanzamiento vea al grupo experimentar con parajes sonoros más atmosféricos que caen como un necesitado respiro. Los beats de Corey sumergen en un mundo nebuloso de chill, mientras que Ritchie y Steppa no tiene problema en adaptarse, recitando flows relajados e introspectivos.  

Floss consolida a Injury Reserve como uno de los nombres ascendientes más emocionantes en el underground, y mientras manejen el balance de sus sensibilidades retro y su estilo visionario con la sagacidad que lo han hecho hasta ahora, su breakthrough no tardará en llegar.  –Alonso Aguilar

Isaiah Rashad – The Sun’s Tirade 

thesunstirade

El rol de Isaiah Rashad en TDE es quizás el más incómodo. Siendo el más joven del colectivo, debe codearse con varios de los raperos más reconocibles e inventivos de la actualidad y al mismo tiempo consolidar su propia voz. Cilvia Demo fue un buen indicio, cautivando con varios temas memorables, pero su estilo parecía un tanto derivativo. Ahora con The Sun’s Tirade, el artista de Tennessee apropia sus raíces sureñas y personalidad despreocupada en un lanzamiento efectivo, en su mayor parte.  

Desde muy temprano, Rashad establece un claro énfasis en el mood, construyendo un sentimiento envolvente través de percusión mesurada, sintetizadores atmosféricos, y bajos protagónicos. Su personalidad se muestra en versos interesantes, pero no hay duda de que su mayor fortaleza yace en su oído para crear coros memorables, como las pegajosas “Free Lunch”, “4 Da Squaw” y “Tity and Dolla”.

El momentum del álbum se pierde un poco luego de la sensual “Stuck In The Mud”, exponiendo un Isaiah poco inspirado y demasiado cómodo con un sonido que, a pesar de ser ejecutado de gran manera, se agota en el contexto de 17 temas. Este problema de síntesis ha sido una constante en varios proyectos de TDE, pero al menos The Sun’s Tirade muestra ejemplos a lo que puede llegar la jovén promesa del sello cuando se encuentra en estado de gracia. –Alonso Aguilar

Lil Yachty – Summer Songs 2

cover

Uno de los problemas más grandes del trap como modelo de negocio es que un flujo tan grande de proyectos no permite que los artistas crezcan o desarrollen sus fortalezas, piensen bien lo que quieren hacer o inclusive que se esfuercen por presentar algo especial. El artista de trap en gran parte navega a punta de carisma, cumpliendo exigencias de disqueras o buscando permanecer relevante a toda costa. A veces esto ofrece productos mediocres (esto) y a veces álbumes tan descaradamente malos que es ofensivo (qué es EVOL). Yo disfruté Lil Boat, pero está lejos de ser perfecto y el problema más serio que tiene es con respecto a la monotonía del contenido. Entonces, ¿qué se hace? Mi respuesta no sería sacar otro proyecto con 14 canciones un par de meses después.

Está claro que Yachty es joven y no se le ha dado (o él no se ha dado) tiempo para que crezca como artista. Sus colaboraciones han sido bastante buenas y en teoría con eso bastaría para mantenerlo relevante, no es necesario forzar este proyecto. Me parece que el mixtape sufre en gran medida de esto, no hay suficientes ideas para justificar más de la mitad de las canciones, muchas se agotan a sí mismas y la personalidad de Yachty a veces falla en mostrar una faceta interesante o que no se le conozca ya de por sí, por lo que se vuelve un ejercicio cansado.

Destaco “Dipset”, una de las mejores canciones de Yachty y la mejor de este proyecto. Es el crudo de lo que implica Lil Yachty como idea: la irreverencia como medio de una idiosincrasia que busca diversión tonta o juvenil para diferenciarse en un género lleno de artistas que se toman muy en serio a sí mismos. “All In” sería otro buen ejemplo, pero se cansa por la cantidad de colaboradores mediocres y sin personalidad en la canción. En general, este proyecto no va a cambiar la opinión de alguien con respecto a este artista y quizás algunos que disfrutamos el mixtape anterior nos cansamos un poco con este.José María Quirós

Migos – Culture (Destacado)

folderDesde la cima del mundo, Migos se regocija en su éxito y lo explota para establecer un sonido icónico que los diferencia de sus contemporáneos.

No es un disco perfecto, pero saca las mejores virtudes de sus creadores al tener una consistencia narrativa que ahoga cualquier duda sobre la relevancia y estilo de Migos. Eso sumado a las apariciones de Dj Khaled, Lil Uzi Vert, Gucci Mane, 2 Chainz y Travis Scott hacen a Culture no solo el disco #1 del planeta, sino también el primer gran trabajo de Offset, Quavo y Takeoff. –Gabriel Castro

NoName – Telefone (Destacado) 

covdifeuiaiv__f

 Simple pero efectiva, la música de Noname es un recordatorio de la belleza de las pequeñas cosas en el día a día.

La rapera de Chicago tuvo uno de sus primeros grandes momentos con su aparición en Acid Rap de Chance The Rapper, y desde entonces ha colaborado en varios temas de artistas con similar afinidad al jazz como Mick Jenkins, Donnie Trumpet y Saba. Telefone llega para consolidarla como una de las voces más interesantes trabajando dentro de este sonido.

En estos tiempos donde el revivalismo parece estar en boga, muchos utilizan la sutileza y las suaves texturas del neo-soul como plataforma para otros aspectos de su música, pero en el caso de Noname, su personalidad y su visión artística se sienten tan intrínsecas a la sensibilidad de este sonido, que realmente es imposible concebirlos por separado.
Su destreza como poeta permea de manera hermosa sus relatos cotidianos sobre feminidad, dando una cohesión conceptual y estética a los 10 temas que componen el proyecto, consolidandolo así como una experiencia tan refrescante como reconfortante. –Alonso Aguilar

NxWorries – Yes Lawd! 

cover

Anderson .Paak y Knxwledge están hechos para esto, de eso no tengo duda. Aunque quizás no sean los más famosos o aclamados en medios de cultura popular, ambos han recibido respeto de parte de las figuras más importantes en sus áreas. Ambos artistas han hecho proyectos que evidencian con impresionante confianza sus habilidades para emular a sus ídolos y a la vez presentar algo único. Por esta razón, me parece a mí, es que esta unión pareciera ser algo natural.

                Me gustaría pensar que ninguno de los dos artistas está en su mejor momento todavía, sin embargo ambos están en un pique creativo indudable. Knxwledge continúa con su estilo de producción de beats que utilizan melodías viejas y las voltea hacia un sentimiento stoner y hood, pero a la vez contemplativo. A su vez, .Paak utiliza estos como canvas para navegar entre ellos con gracia, como un cantante de soul utilizando hip hop como medio.

                Quizás lo que dije es muy obvio, especialmente porque esas de por sí ya son las fortalezas de cada uno por sí solo, pero por esta razón es que esta colaboración termina sonando tan lógica. Ese sentimiento de confianza en cada uno es evidente a través del proyecto, y lo hace ameno. Por la cercanía con el proyecto Malibu, Anderson .Paak (a pesar de su encantadora personalidad) podría sonar repetitivo o un poco rezagado creativamente con respecto a Knxwledge. En especial por la temática del proyecto, que no ve hacia muchos lados. A pesar de esto, el proyecto definitivamente vale la pena ser escuchado, y apreciado. –José María Quirós

Rae Sremmurd – Sremmlife 2 (Destacado)

cover

Quisiera sólo poder hablar de “Black Beatles” porque podrían ser cinco páginas de la canción que mejor definió al 2016.

Como un fenómeno mediático a veces borran las líneas que los separan y llegan a una trascendencia mundial. Además de ser la punta de lanza del mejor trabajo del dúo a la fecha, la sutileza de Swae Lee colida a la perfección con la entrega rápida y precisa de Slim Jxmii para crear himnos que van más allá de tendencias actuales del género. La estrella oculta del disco yace en la producción casi perfecta de Mike Will-Made It que lo establece también como uno de los mejores productores de la actualidad. –Gabriel Castro

Run The Jewels – Run The Jewels 3 (Destacado)

rtj3_cover

“Justo cuando el año agonizaba y las listas de fin de año se terminaban de publicar, Killer Mike y El-P levantaron la mano adelantando el lanzamiento de su tercer álbum como Run The Jewels. En esta edición, los raperos muestran su mejor repertorio de flows con varias de sus letras más incendiarias, instando a la inconformidad y a la rebelión en tiempos de incertidumbre política. La agitación viene de la mano con los beats más eclécticos de El-P hasta el momento, dándoles una dimensión más orgánica gracias a la experimentación con guitarras eléctricas, trompetas y saxofones. Este es el material más ostentoso y desmesurado de Run The Jewels, y justamente destaca en su extravagancia como su trabajo más solido. ¿Quién dijo que no hay terceras partes buenas?”  –Alonso Aguilar (Originalmente parte de Los Mejores Albumes Anglo del 2016)

Schoolboy Q – BlankFace 

cover

TDE ha sido muy criticado recientemente por el manejo de sus artistas que no son Kendrick Lamar y por la calidad de los proyectos de los mismos. Schoolboy Q comenzó su carrera como hype man de Kendrick, ganando apenas una fracción de lo que le pagaban, luego a través de TDE buscó una carrera como solista y miembro del colectivo Black Hippy. Schoolboy ha desarrollado una personalidad muy distinguida puesto que dentro de Black Hippy es de los que más facilidad tiene para temas de fiesta y humor, pero a la vez es de los que mejor exponen de manera dramática las dificultades de la vida en las calles de Los Angeles. Con su álbum anterior, muchas de las canciones efectivamente mostraban esta flexibilidad y a la vez el potencial del rapero, sin embargo, el álbum sufrió de muchas inconsistencias y canciones que sobran.

                Este proyecto muestra la realización más completa e interesante de lo que es la visión de Schoolboy Q. Es un proyecto mucho mejor realizado que el anterior, teje su narrativa a través de ambientaciones sombrías en su gran parte; dejando las partes de humor para que se adhieran al sentimiento ligeramente surreal con el que expone su visión. Está claro que el proyecto tampoco es lo que muchos esperaban. Canciones como “Ride Out” y “Overtime” no encajan totalmente con el resto del proyecto en términos de calidad y cohesión. Los features son diversos, con varias leyendas del west coast hip hop haciendo apariciones, ellos junto con artistas más nuevos y desconocidos son los que más tienen para ofrecer al proyecto.

                La personalidad de Schoolboy Q ajusta muy bien a este tipo de hip hop, no solo por su carisma sino por la manera en que une el álbum. Aunque no es el rapero más elocuente, logra exponer de manera vívida su perspectiva de lo que lo rodea. Se nota mucho el crecimiento entre proyectos y ese respiro le da vida adicional al proyecto. Termina con uno de los mejores singles del año: “Tookie Knows II“, un verdadero highlight, tanto por Schoolboy como por los versos de Traffic y TF y la atmósfera densa que se logra a través de sus relatos y del beat que es tan espacioso como efectivo. A pesar de que funcionaría mejor si fuera menos largo y más conciso, es un proyecto bien realizado y deja muy claro que TDE no es solo Kendrick Lamar. –José María Quirós

Travis Scott – Birds In The Trap Sing McKnight

travis-scott-birds-in-the-trap-sing-mcknight-bittsm-2016

Desde Days Before Rodeo, Travis Scott ha asimilado estéticas muy similares a artistas que admira, sin embargo los productos finales tienen una huella única que lo diferencia de los demás. En particular, una de las fortalezas a mi parecer del excelente Rodeo yace en la cohesión de la producción y de las temáticas. Scott aprovecha al máximo los productores a su disposición y obtiene a cambio un producto con fortalezas tanto espectaculares como sutiles (con defectos, está claro). No puedo decir lo mismo para este proyecto.

                En términos sencillos, la propuesta es mediocre y totalmente prescindible en comparación con otros trabajos del año. Y es una lástima en realidad porque pareciera ser el resultado de apuro y pocas ganas. Donde Rodeo presenta una faceta de hedonismo y exaltación de deseo a través de impulso y carisma mezclado con un desborde de talento, Birds in the Trap es el equivalente a conformismo motivado por falta de inspiración. Los colaboradores del lado de la producción no están al nivel de los de Rodeo y el carisma de Scott está en gran medida ausente, o quizás repitiendo mismas ideas de tal manera que no emociona.

                En trap pocas veces se ha visto que un proyecto sea aclamado universalmente por el círculo de críticos o fans. Yo por mi parte defiendo Rodeo como un punto alto del movimiento, pero no culpo al que piense distinto. Siguiendo la misma idea, perfectamente alguien puede leer esto y pensar que no entendí lo que este proyecto trata de exponer, y quizás sea cierto. Yo pongo de ejemplo momentos como el cambio de beat en “Way Back” y la melodía vocal encima justo de inmediato que se complementa con el verso de Scott, The Ends y Goosebumps como canciones que sí se sienten completas, el aporte de Kid Cudi en “Through the Late Night” (excepto una parte del coro que está de más) y la inmaculada ejecución de “Pick Up the Phone” (muchas gracias también a Young Thug), como la dirección que Scott tuvo que haber tomado como norte para que el proyecto tomara vida y no al contrario. –José María Quirós

Wiley – Godfather (Destacado)

wiley_0

El grime está teniendo un resurgimiento. Nombres icónicos del género, como  Kano, Skepta y JME, han vuelto con nuevo material, codeándose ahora con la efervescente ola de jóvenes raperos que crecieron con su música y hoy quieren dejar su propio sello. Aún así, el sentimiento de que hacía falta ese algo que consolidara el movimiento y que a la vez lo hiciera trascender las fronteras del Reino Unido era latente. Esto hasta que llegó Wiley y puso las cosas en su lugar con Godfather.

El llamado padrino del grime se consolidó como uno de los pioneros del underground británico en la década de los 2000, dejando clásicos innegables como el excelente Treddin’ On Thin Ice. 13 años más tarde, el rapero del este de Londres retorna con su lanzamiento más vivaz y agresivo.

El álbum es un completo asalto a los sentidos. Flows frenéticos, bombasticos beats sucios, one-liners devastadores; todo lo que es la esencia del género ejecutada al más alto nivel.  
Wiley sabe que Godfather no viene a cambiar las reglas del juego, pero cuando se es tan bueno en el, ¿para qué hacerlo? –Alonso Aguilar

Young Thug – Jeffery (Destacado)

young-thug

Young Thug sacó tres mixtapes en el 2016 (los dos primeros pasaron en gran parte desapercibidos) y colaboró en una gran cantidad de canciones para distintos artistas. Parece extraño que este nivel de exposición no lo haya consumido totalmente, y por eso cuando anunció este mixtape/álbum/lo que sea, no esperaba mucho. Aunque no es todavía una justificación para la cantidad obscena de material que saca al año, ni se siente como el proyecto definitivo del artista Young Thug, Jeffery es… algo. Y no de manera sarcástica, el proyecto muestra que a su manera, Young Thug y álbum (colección de canciones) no son conceptos antagónicos. Como dije, a su manera, muestra que el rapero es capaz de organizar un producto que cumpla con tener coherencia atmosférica y estética.

                Young Thug se ha caracterizado por su espontaneidad e improvisación, y Jeffery pareciera utilizar eso para definirse; como por ejemplo las canciones con nombres de artistas o personajes arbitrarios (con excepción a algunas referencias) y la portada que muestra el deseo del rapero de quitar taboo a temas de género dentro del trap. En realidad no hay ideas concretas ni temática establecida, es más como un grupo de conceptos unidos de manera indirecta que quizás en la cabeza de Young Thug tenga sentido. –José María Quirós

Advertisements

Leave a Reply

Fill in your details below or click an icon to log in:

WordPress.com Logo

You are commenting using your WordPress.com account. Log Out / Change )

Twitter picture

You are commenting using your Twitter account. Log Out / Change )

Facebook photo

You are commenting using your Facebook account. Log Out / Change )

Google+ photo

You are commenting using your Google+ account. Log Out / Change )

Connecting to %s