Mejores Albumes del 2016 (Ibero)

Cada uno de estos lanzamientos que vieron la luz del día de este podrido 2016 hablan por sí solos. Seguramente ya han visto estas producciones en otros listados, pero les pido que le presten un poco más de atención a aquellas que decidieron ignorar o que ni siquiera sabían de su existencia. Siempre nuestro deseo es que encuentren algo que les guste y se queden con ustedes. Estos son los mejores discos de Ibero y Latinoamérica.


30 Xenia Rubinos – “Black Terry Cat”a0160904032_10

La multiculturalidad y la inconformidad son los ejes conceptual de la música de Xenia Rubinos. Sus letras generan denuncia de forma sutil gracias a la gran manera en que la artista pinta el sentir de una joven latina negra en los Estados Unidos, pero lo que eleva su mensaje es la frescura de su música. Sus vocales marchan en una delgada línea entre lo sublime y el desenfreno, dejándose llevar según lo que beneficie a cada canción. Las influencias de Rubinos son tan variadas como las culturas que menciona en la incendiaria “Mexican Chef”, contando con elementos de Pop, R&B, Hip-Hop, y sorprendentemente, Post-Punk, pero la forma en que conjuga estos elementos evita el pastiche, y más bien le da al material un carácter de espontaneidad. Lo osado y poco ortodoxo de Black Terry Cat posiciona a Xenia Rubinos como una voz a la que habrá que estar atentos. – Alonso Aguilar


29 Las Bistecs – “Oferta”lasbistecs

Cualquiera que haya escuchado Las Bistecs ya debería estar familiarizada con el término Electrodisgusting, “una corriente artística, performántico-musical que tiene como objetivo incomodar a una sociedad indiferente que es diariamente saturada de información.”

Estas son las palabras con las que las dos artistas definen este nuevo género. Enfocan su música a un público especializado sin saber ni cantar ni bailar. Sin embargo eso no es requisito para no producir uno de las producciones más ricas del año. 

Por ejemplo hay humor muy perspicaz en sus letras, donde parafrasean a poetas como Machado y los reemplazan con refranes populares muy divertidos. Temas como ‘HDAy Caminante, se encargan de poner un tono despreocupado y divertido al disco, donde el objetivo es pasárselo bien cantando y bailando. – Pablo Acuña


28 Cala Vento – “Cala Vento”cala-web

Letras brillantes, palpitante indie rock proveniente de una mezcla entre el emo y el power pop, y una melodía que canción por canción nos mantienen al borde de nuestros asientos atentos y queriendo más. Lo que Aleix Figueres y Joan Torroella han hecho acá es magnífico: 10 canciones melódicamente rápidas y efectivas, y con una voz de crooner absoluto liderando la tropa. – Pablo Acuña


a2384846593_1027 Rabia – “Calles Negras”

En Calles Negras, Rabia cuenta con una mejor producción y un sonido más nítido. Si bien esta disminución en la disonancia podría significar una perdida de identidad para algunos, la banda demuestra que pueden sonar igual de abrasivos a punta de la energía visceral con la que tocan estos intensos 18 minutos, consolidando estos 13 temas como legítimos himnos para misántropos y melómanos por igual. – Alonso Aguilar


a3808346354_1026 Viva Belgrado – “Ulises”

Ulises fue bien recibido por mi adolescente amante del emo interior. Viva Belgrado creó a un disco que destila vitalidad. Como un puñetazo en la cara y una explosión en los oídos, la imponente voz de su vocalista Cándido Gálvez se eleva a paisajes claro-oscuros, el género de spoken word le queda como anillo al dedo. Además el post-rock es un ingrediente clave en el disco, el disco se imbuye de esas atmósferas y transiciones que caracterizan al post rock, pero le implementa la intensidad del screamo. El resultado, canciones que parecen poemas en la forma en la que se desarrollan.  – Migue Chaves


a0170907838_1025 Piedad os los ruego – “Gente Guapa en Sitios Feos”

Piedad os lo Ruego son un dúo español, que son parte del sello Club Social, magna casa que edita discos ilustres de Milagros, El Último Vecino, Javiera Mena o Los Rusos Hijos de Puta y que editó este disco, grabado por Juan de Axolotes Mexicanos y masterizado por Guille Mostaza.

Su álbum Gente Guapa en Sitios Feos flota de principio a fin entre las cuerdas llenas de efectos flanger y reverberación, sin dejar las letras que juguetean con lo absurdo y sustancial que nos lleva a nuestra propia visión más oculta de la actualidad. Y eso es algo que hoy en día pocos artistas lo hacen de esta manera. – Pablo Acuña


cover24 El cómodo silencio de los que hablan poco – “Run Run”

Estos chilenos “primerizos” lanzaron un disco debut digno de miles de halagos. Con integrantes de Patio Solar, esta banda logró abrirse paso para que muchas miradas se posaran en ellos. Honestas y melancólicas letras golpean de primera entrada, además de ese sonido como ensueño que tienen, además atisbos de post-rock y sonidos folclóricos se mueven con suavidad. Nadie está exento a la melancolía y la banda lo sabe, por eso a lo largo del disco se siente como con cada canción los hilos son movidos para provocar algo, para mover algo adentro nuestro. Es un perfecto soundtrack para esas tardes de lluvia. – Migue Chaves



balance23  Lorelle Meets the Obsolete – “Balance”

Lorena Quintanilla en la voz y Beto González con su visión construyen en Balance una intensa y eléctrica muestra de su versatilidad, desbordando olas de sintetizadores. El álbum es magistral y está pensado para maravillar a todo aquel que sienta la necesidad de vivir nuevas experiencias que lo orillen a tener una perspectiva diferente de sí mismos. Al final, de eso se trata la vida y si no buscan algo que los ayude a reinventarse, entonces están perdiendo su tiempo. – Pablo Acuña


las-pinas22 Las Piñas – “Espanto Caribe”

El trío argentino de La Plata comparte muchas cosas con nuestra amada banda nacional Las Robertas. Y eso puede ser un indicio de que es una banda que no se les puede pasar por alto. Sin embargo por si sola y en su álbum Espanto Caribe amalgama de forma agresiva y casi perfecta riffs rápidos y distorsión junto una porción de voces dulces para derretir nuestros oídos. Canciones rápídas pero efectivas hacen de este un disco corto pero apropiado para escucharlo de fondo en la playa comiendo pizza. – Pablo Acuña


kali-mutsa_mesmer_st-720x72021 Kali Mutsa – “Mesmer”

María José Celine Reymond Villegas o Kali Mutsa, volvió en 2016 para continuar hechizándonos de su misticismo andino. Mesmer retoma las aristas de la cumbia y la electrónica de Kali, proyectándose nuevamente en un disco que trasciende la magia multicromática en cada escucha. – Alejandro Ortiz


hqdefault20 Amarga Marga – “Mi Arma Blanca”

En Mi Arma Blanca existe una imagen en la que Amarga Marga comienza a utilizar una instrumentación mucho más exquisita para componer canciones que tiendan a ser himnos de una generación en desarrollo. Tal vez no todo en el álbum tiene el mismo volumen sonoro, pero esa es la virtud que tiene el disco para darnos un paseo a través de arreglos que, a menos de un minuto de haber pasado por nuestros oídos, sean capaces de dejarnos un dulce sabor de boca. – Pablo Acuña


19 Retirada! – “Victoria | Derrota”a0619896054_10

Retirada! no son el tipo de banda que entregan solo algunas canciones buenas en sus discos, sino que siguen siendo uno de esos ensambles que brinda experiencias completas dentro de ellos. Victoria | Derrota es exquisito de principio a fin y se apega a una línea instrumental que termina sirviendo en charola de plata. Así que espero que después de este año comiencen a recibir la enorme atención que se merecen. – Pablo Acuña


artworks-000140917064-24zwvy-t500x50018 Centinela Mira al Cielo – “Mañana el Vuelo”

El siempre inquieto, Claudio Gajardo (vocalista y fundador de Patio Solar) esta haciendo música todo el tiempo en  casa que da como resultante una fecunda producción musical. Como Centinela Mira al Cielo se trata de grabaciones de alcoba, el proceso y las condiciones de grabación fueron llevando a  Claudio jugar con elementos electrónicos que hicieran que su sonido se tornara aún más especial. Cladio Centinela, como me gusta llamarlo, es algo sumamente especial, así como puede brindarnos momentos hermosos, de la nada puede sumergirnos en una catarsis en la que simplemente se burle de nuestros complejos existenciales.  – Pablo Acuña


17 Useless Youth – “The Coldest Ocean”a4027497359_10

Useless Youth en muchos aspectos, es un proyecto que logra mantenerse en un stand interesante del espacio tiempo porque a pesar de ser extremadamente jóvenes y nuevos en esto de la música, logra desenvolverse en un género como el dreampop a diestra y siniestra. Se puede notar que la banda hizo lo posible por hacerse de su propio estilo en un mundo donde en este momento es prácticamente imposible. Hay mucho reverb y lo han adoptado sin complicación alguna para ir de lo adorable a lo impensable en un abrir y cerrar de ojos. – Pablo Acuña

 


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16 Violeta Castilo – “Errorws de Tipeo”

En Errows de Tipeo, primer larga duración de Violeta Castillo luego de sus múltiples EPs, la argentina se encuentra en un instante lleno de luz pero amenazada por una oscuridad proveniente de la inseguridad. Desde el título del disco, todo es sugestivo y disfrutable. Castillo se muestra en la mayoría de canciones frágil y consciente de sus decisiones de joven imperecedera. Sin embargo esa fragilidad hace de Errows de Tipeo un disco que brilla en las vías del pop como un material bastante seguro y convincente. – Alejandro Ortiz


univers15 Univers – “Límit Constant”

Los catalanes se atrevieron a buscar un sonido más denso, menos pop, ahora el sonido se escucha más seductor. La voz se empodera y es la base perfecta para que la melodía de las guitarras se expanda y cree un ambiente denso. Acá el pasado y el futuro conviven en su propio nicho, cavan un lugar intermedio para sonar como a  los discos de shoegaze y post-punk que tanto marcaron, logrando trascender el tiempo por unos minutos. – Migue Chaves


14 Espanto – “Fruta y Verdura”espanto

Hay una tradición de ironistas pop que entre sus filas incluye a The Magnetic Fields, Momus, en su vertiente castellana Hidrogenesse y por supuesto Espanto (que forman parte del sello Autrohúngaro, fundado por Hidrogenesse). En estos artistas la canción pop es menos un medio de autoexpresión y más una posibilidad de cruzar referencias eruditas y populares, hacer comentarios meta sobre la música, y compartir una visión algo sardónica de la vida. Pero esto no implica necesariamente frialdad, sino un predominio de cierto espíritu lúdico por encima de lo solemne. Fruta y Verdura es un disco en donde la muerte, la vida en las ciudades y toda la mitología asociada con la selva y el bosque se convierten en material de canciones ingeniosas, en el mejor sentido de la palabra.

En “La Selva” se nos presenta este espacio como uno más que debe ser administrado: las hojas secas deben tostarse y hay que estar pendiente de la luz de las luciérnagas, afinar el ruido del tigre etc. “Mal salvaje” comenta los deseos de volver a un estado de existencia más “natural” y que resulta solo una ilusión vana, en “Diamantes” estos aparecen como metáfora de todo lo que vale la pena en la vida ( “el poder de un solo diamante es suficiente para combatir el mal”). Aunque en principio la idea de hacer un disco centrado en el bosque, los animales y la selva parece un chiste que podría agotarse fácilmente, con este recurso Espanto logra hablar de manera poco obvia sobre la experiencia humana.

Hay muchas ideas en cada canción, como si no se pudieran quedar quietas. Son composiciones  de simplicidad aparente pero en la que se pueden encontrar siempre giros que descolocan ( como en ese final de aires casi barrocos en “El tigre y yo”), timbres de sintetizador geniales que en ocasiones dan aires medio cabareteros y una ausencia casi total de guitarras. Nada de lo anterior impide que algunas de estas canciones sean muy pegadizas aunque no tengan nada parecido a un coro en el sentido tradicional. Todo lo anterior me hace imaginar una especie de “Fruta y verdura: el musical”. En esta ocasión es un cumplido. – Marvin Coto


elysia-crampton13 Elysia Crampton – “Demon City”

Si American Drift fue un gran indicio de la demencia maximalista de Elysia Crampton, Demon City es la coronación de la boliviano-americana dentro del nicho de la electrónica experimental. Su exploración parte de texturas trilladas y anacrónicas, pero la forma en que Crampton conjuga estos elementos evade la nostalgia. Sus collage musicales pueden ser desconcertantes y hasta confrontativos en su disparidad, pero siempre mantienen un sentir apocalíptico de transformación que sirve como conceptualidad unificadora. Si bien Demon City nos sumerge por los parajes más ominosos de la posmodernidad, es imposible no querer regresar a una experiencia tan envolvente.  – Alonso Aguilar 

 


12 Aries – “Adieu or Die”aries

En “Adieu or Die” podemos apreciar por completo el lado mágico de la voz de Isabel Fernandez en canciones que se van alimentando de armonías gloriosas como en “Eclipse Total” y “Memorias”. La dulce sonrisa de Isabel es un gancho subliminal, ya que por más adorable que luzca, el sonido del disco tiende a absorber la vulnerabilidad de las personas. – Pablo Acuña


voces11 El Último Vecino – “Voces”

Siempre le cuento a mis amigos que si no han escuchado a El Último Vecino, aún están a tiempo de enmendarlos, y su último lanzamiento proporciona un recurso más que idóneo para llevarlo a cabo.

En el álbum destacan las melodías obsesivas que invitan a moverse como el caso de “Mi Escriba” y  “La Noche Interminable”, todo ello acaba conformando un tejido musical integrado en una atmósfera hipnótica que evoluciona de forma progresiva llegando al clímax en “La Selva”. En esta última mucha culpa de ello la tienen los motivos recurrentes de los teclados. – Pablo Acuña


10 Maria Usbeck – “Amparo”maria-usbeck

Ecuador, Argentina, Isla de Pascua, Portugal, e incluso Costa Rica son algunos de los lugares en los que se grabó esta especie de diario de viaje, que nunca se limita a tomar un poco de distintas culturas para dar algo de “color exótico”. María Usbeck, ecuatoriana residente en Nueva York, está en un territorio más íntimo, más personal, pues como lo mencionó en alguna entrevista, parte del impulso para el álbum fue reconectar con la música tropical y andina que creció escuchando en su país natal.

Son constantes las referencias geográfica a islas, playas, la selva, el mar, el norte de África, todo acompañado de instrumentación con base en xilófonos, sintetizadores, distintos tipos de percusión, flautas, e incluso saxofón. El resultado es una sensación constante de serenidad, emociones de bajo perfil pero no por eso menos significativas. Pareciera que a través de la música se evocara el recuerdo de los viajes más que su experiencia en tiempo real.

Además,en algunas canciones escuchamos sonidos del bosque, pájaros, una serie de timbres y sonoridades que mal  ejecutadas quedarían un tanto “new age”. Pero la belleza de “Amparo” radica en que más que ir detrás de alguna idea de autenticidad, esta especie de diario musical de viajes evoca lugares concretos que a través de la música se vuelven de fantasía. Discos como este rara vez llegan a ser considerados “el disco del año” pero en su intimismo y en su ingenio musical “Amparo” es una colección de canciones atesorada como un pequeño secreto por quienes encontramos en ellas algo de consuelo y luminosidad en un año tan conflictivo. – Marvin Coto


artworks-000199141161-sucm33-t500x5009 Tony Gallardo II – “Juventud Guerrera”

Este conteo arrancó sin este disco. De la mano de Discos Sentimiento, Tony Gallado II publicó el disco del que tanto hablaba en sus redes sociales que nunca se iría a lanzar. El disco se trata de una de las mentes más activas musicalmente hablando en Latinoamérica, y ya eso nos asegura toda una maldita experiencia musical. Dicha experiencia se va alimentando de escapes sonoros que sin problemas podrían convertirla en una entidad que está creando su propia visión del ruidosón y música electrónica con tonos angelicales y mantras ancestrales. Las canciones son meditativas y tienen espacios complejos donde su magia es capaz de deslumbrar a cualquiera. Ya hay tracks conocidos que Tony había lanzado como singles en el pasado como “Tormento”, “Cuchillada” y “La Ruptura”, que en todo momento siguen dejando en evidencia la temática bélica y social con la que fue concebida esta entidad.


8 Nicolas Jarr – “Sirens”nicolas

El silencio que Nicolas Jaar guardó durante un buen tiempo es comprensible después de la experiencia que Sirens transmite. El disco alberga gran cantidad de texturas que retumban entre ecos, samples y loops; forjándose así Jaar como un productor meticuloso y con mucho por explorar. En este caso, un estudio político que reclama por los fantasmas de su identidad chilena (tocada también por la época de Pinochet) y que es narrada entre  grabaciones de su infancia. Presenciamos entonces una captura sonora del presente que compartimos con Nicolas Jaar, pero tomando muy en cuenta el pasado que ha moldeado la actualidad considerada como lamentable o próspera. Sirens es un llamado de emergencia que merece ser escuchado y cuyo material sustenta una compleja epopeya musical del Siglo XXI. – Alejandro Ortiz


policias-y-ladrones7 Policías y Ladrones – “Flores”

Hay mucho amor en las manos de estos tipos que toman con una sutil delicadeza las cuerdas de la guitarra y el bajo para crear un seductor círculo en el que simplemente nos invitan a disfrutar de su música con una cerveza. Incluso desde que presentaron sus singles quedaba expuesta esa idea que tuvieron para hacer de Flores un manual con el que las nuevas generaciones puedan acercarse a lado más hermoso y delicado de la música. “Ya no soy tu amigo” es uno de los tracks más hermosos que se hacen presentes en el disco, ya que en él cada uno de los integrantes de la banda se luce por completo al poner el alto sus más grandes talentos: pasando por la sónica belleza de la guitarra que va guiando todo lo que sucede en la parte frontal de la canción, hasta el finamente relajado contoneo de la batería. Pero aunque solamente me he enfocado en hacer énfasis en la parte instrumental, no puedo olvidarme de la parte vocal que complementa gloriosamente la gama de colores que hace de este disco algo muy rico, pomposo y exquisito. Flores es el más claro ejemplo de que se puede hacer un álbum simplemente hermoso sin saturar la atmosfera del mismo. – Pablo Acuña


6 Helado Negro – “Private Energy”a2258764668_10

Lanzamiento a lanzamiento Helado Negro ha venido puliendo su estética y de paso cautivando a miles con su música de baile lento y grave voz llena de melancolía. Con gran parte de las canciones listas desde el 2015, el ecuatoriano-americano Roberto Lange se encargó de ajustar el material según prueba y error ante públicos en vivo. Este nivel de compromiso con el proceso de composición da frutos en Private Energy, su trabajo mejor consumado a la fecha.  

La música de Helado Negro siempre ha partido desde lo intimo (véase Double Youth), pero en Private Energy la introspección se enfoca en lo conflictivo de la identidad, ese sentir de falta de pertenencia y como afecta la forma de relacionarse con otros. Este sentimiento es explorado por Lange principalmente en dos dimensiones: una emocional, en donde la honestidad con uno mismo se vuelve esencial para forjar algo con alguien más, y una cultural, en donde las circunstancias compartidas y el mismo color de nuestra piel es suficiente para sentirse parte de un colectivo. Considerando los tiempos en los que vivimos, los temas que Lange toca tienen impacto por si solos, pero la forma en que se comunican a través de las atmósferas sutiles y la dulzura melódica del pop hace de esta energía privada algo palpable y sumamente resonante. – Alonso Aguilar


asco5 San Pedro el Cortez – “Un Poco Más de Luz”

Las 10 canciones de este material son perfectas a su modo y por separado se disfrutan a la perfección, pero una vez que se entra en un racionamiento mucho más profundo, los bugs que hay en algunos segmentos se hacen cada vez más evidentes. El sentimiento que emana de este disco muestra un sonido más furioso y en cuestiones líricas el grupo tiene mucho que decir, y todos deberíamos de ponerles mucha atención.  – Pablo Acuña


4 Extraperlo – “Chill Aquí”chill-aqui

En “Chill Aquí” encontramos #problemasdeprimermundo como creer que Barcelona ya no es una ciudad vibrante y querer escapar de ahí. Bares en donde beben señores mayores, se toca el piano y se canta a Julio Iglesias. Los celos y los enamoramientos inapropiados. La esperanza de que un romance pueda ser la excusa para “no tener que irse a Berlín”. El imaginar la ciudad como un oasis exento de turistas. La gente que a uno le cae mal y uno les cae bien, sin explicación posible. Un panorama emocional muy sucinto, muy banal incluso, pero no por eso menos entrañable.

Con Extraperlo siempre se parte del bajo y las guitarras funk, ese aire al pop español de los 80 que nunca se convierte en mero homenaje o pastiche. Un sonido que a pesar de una instrumentación más o menos tradicional del rock, nunca llega ni siquiera cerca de sonar a rock. A veces bailables, en otras ensoñadores, los mejores momentos se dan cuando las dos vertientes se encuentran, como en “Ciudad Oasis” o “Chill aquí”, una mezcla de fisicalidad con cierto rasgo etéreo.  Una música que sin ser folclórica en lo más mínimo, tampoco podría pasar nunca por anglosajona.

Si bien el panorama emocional de las letras contrasta a veces con la música, esta decisión no es gratuita, es parte de los encantos del disco la manera en que puede ser personal y bailable a la vez. Hay una perspectiva que es refrescantemente adulta (“no tengo vergüenza y a mi edad no me afecta un rumor” cantan en “Mecánica moderna”) . Aunque el título “Chill aquí” podría parecer irónico, quizás en realidad no lo es tanto. Tiene algo que podría parecer más aspiracional que irónico: la idea de finalmente hacer las paces con un lugar (un país, una ciudad, un círculo social) y sus circunstancias. –Marvin Coto


 
triangulo-salve3 Triángulo De Amor Bizarro – “Salve Discordia”

Es increíble ver como la magnanimidad de un disco se mantiene intacta por doce meses consecutivos (o más). Desde España, Triángulo de Amor Bizarro ha mantenido la misma receta a lo largo de su discografía, convirtiendo cada uno de sus discos en un necesidad aunque pase el tiempo. En Salve Discordia los gallegos hacen bailar al ritmo del noise rock y la neo-psicodélia, una sarta de imaginería histórica convirtiendo el álbum en una cuasi-obra pintoresca. De a pocos la agrupación de Galicia coquetea con el aura electrónica de su referente principal, New Order. El desenfreno, muy bien manejado desde el primer material discográfico, requiere la porción más grande en el nuevo disco y termina por dar a entender el barroco título de la Salve Discordia: [discordia] Situación en la que hay falta de acuerdo o conformidad entre personas que a menudo conviven o se relacionan de algún modo. – Alejandro Ortiz


2 Alex Anwandter – “Amiga”amiga

La gran incógnita que vivíamos alrededor del nuevo disco de Alex Anwandter era sería. Después de Rebeldes y tras el ataque y posterior muerte de Daniel Zamudio, Anwandter expresó públicamente su conmoción y afirmó que el joven fallecido era uno de sus fanáticos, con quien incluso tuvo contacto a través de internet. El segundo sencillo de Rebeldes fue “Cómo puedes vivir contigo mismo”; su video musical, inspirado en Paris is Burning, documental sobre la cultura queer en Nueva York, llamó la atención de medios internacionales, donde consideraron a Anwandter como un vocero de derechos homosexuales en Chile.

Con Amiga, el apoyo que ha brindado públicamente y la lucha que desempeña en favor a los derechos de la comunidad LGTB, Alex se ha configurado como un icono gay nacional. Con tracks como “Cordillera”, “Mujer” y “Manifesto”, se nota un Anwandter cansado ante un cuerpo político y social que no responde: no hay dinero para solventar los gastos y no hay cárcel para los agresores (la homofobia no se condena). Lo que queda es un infierno cotidiano de cortinas rojas y de boleros distantes puertas adentro mientras afuera se sigue negando. En esta dirección, Anwandter parece querer despertarnos. Y no está mal. – Pablo Acuña


 
1.

Carmen San Diego – “Mapas Anatómicos”

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Luego de un extenso scroll que seguramente terminó lenteando su computadora, me complace compartir con ustedes el puesto #1 de este humilde listado con los mejores discos del año.  ¿Pero por qué Carmen Sandiego? La pregunta es obligada, pero la respuesta no la van a encontrar en mis palabras o en las de otra persona, sino en cada una de las piezas que le dan vida a este maravilloso álbum en el que Flavio Lira y compañía no sólo utiliza sus cuerdas vocales para transmitir un sentimiento, sino también su corazón.  No sé qué más decir, es un álbum bañado de honestidad y sensaciones que se adhieren al cuerpo para arrancarnos una lágrima como es el caso de “Iluminada” con letras como “En todos los ingredientes de mi comida estás presente. En mi rutina vos estás siempre”. Mapas Anatómicos es un ejemplo de crecimiento, de madurez y del cómo se deben de hacer las cosas: con el corazón. – Pablo Acuña

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