Mejores videos del 2016

Todos necesitamos de un video que nos identifique con nuestras canciones favoritas, desamores, risas y lágrimas e ideales. Siempre hay algún audiovisual que destaca sobre el resto porque captura la gloria que deseamos que duren para siempre. Estos son nuestros videos favoritos del 2016, yendo desde influencias y creencias muy personales a simbologías ajenas, haciendo uso de similitudes entre la imaginación y la realidad para dar paso al mensaje.

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20. Aphex Twin – “CIRKLON3 [Колхозная mix]” 
Director: Ryan Wyer, de 12 años

Uno llega realmente a apreciar la mente creativa y artística de un productor cuando su primer video musical oficial en 17 años, está dirigido por alguien que ni siquiera había nacido en aquel entonces: Ryan Wyer, un niño de 12 años de edad de Dublín. 

El vídeo protagoniza a Wyer, sus amigos y su familia bailando alrededor de prendas de vestir de Aphex Twin y, a veces, con máscaras de Aphex Twin (con la cara del cover del cuarto álbum de Aphex Twin, Richard D. James). Existe una teoría de que el niño representa a Aphex Twin, un tipo solitario como una elección artística. – Pablo Acuña


19. Radiohead – “Daydreaming”
Director: Paul Thomas Anderson
  • 23 puertas = 23 años de matrimonio de Thom Yorke  
  • La imagen de una madre en cada ambiente, incluyendo la Madre Tierra.
  • 6:08, Thom dice: “la mitad de mi vida.” Curiosamente tiene 47 años.

18. Congelador – “Navegar”
Director: Ginés Olivares

“Navegador”, que cuenta con las vocales de Estefanía Romero-Cors y con algunas palabras de Santis, cuenta con un trabajo audiovisual dirigido por Ginés Olivares, chileno residente en Alemania. El vídeo muestra desde la altura de un drone lugares de Santiago de Chile, con hermosa fotografía sumado a algunas experimentaciones de Olivares y la sonoridad atmosférica de “Navegar” que transmiten magnanimidad. – Pablo Acuña


17. Jessy Lanza – “It means I love you”
Director: John Smith

“It Means I Love You” bordea la línea entre R&B y la electrónica bastante bien. La canción viene adjunta a un video que ve a Lanza bailando entre una tonelada de plantas. Lanza se obsesionó con rodearse de plantas tropicales para probar su convencimiento de que la calidad del aire en nuestras casas nos está matando lentamente. Y que las plantas han hecho una gran diferencia. – Pablo Acuña


16. Kaytranada – “Lite Spots” 
Director: Martin C. Pariseau

El nativo de Montreal Kaytranada nos ha regalado una de las canciones más bailables del año con “Lite Spots”, la cual tiene un tratamiento visual muy apropiado por parte del colaborador frecuente de Ryan Hemsworth, Martin C. Pariseau. El productor muestra algunos movimientos de baile con un robot hogareño que construye en su garaje. Los dos bailan por las calles de Los Ángeles, encontrándose con amigos que están más que dispuestos a enseñar al robot nuevos movimientos. El robot puede bajar, igualando el movimiento de casi todo el mundo que se encuentra. El video es prácticamente una clínica de cómo Kaytranada quiere que te muevas a su música. – Pablo Acuña


monte
15. Monte – Cuevas
Director: Cristóbal Serrá Jorquera

Hay algo en los movimientos ligeramente ralentizados de los peluqueros (ver el trabajo en su detalle y cuidado), el estado de vulnerabilidad que implica ponerle la cabeza a alguien que tiene en sus manos elementos punzocortantes (algo tan banal que se nos suele olvidar cada vez que nos cortamos el pelo). Dos elementos se juntan, sin tener necesariamente nada en común y de repente se vuelven indisociables. Es difícil pedir más de la interpretación visual de una canción. – Marvin Coto


14. Preoccupations – “Dregaded”
Director: Valentina Tapia

Considerado por muchos el mejor disco de post-punk del 2016. El primer LP lanzado por los de Calgary antes conocidos como Viet Cong, es una obra maestra, de inicio a fin. El vídeo para el sencillo “Degraded” es un gran punto de partida para el que se perdió de ello. Dirigido por Valentina Tapia, el vídeo es un desorden desorientado de efectos de computadora, una obra descrita por ella como “un encuentro con las ruinas primordiales de un paisaje post-humano, donde los artefactos escultóricos conscientes intentan re ensamblarse pieza por pieza” y también dijo que representaba “los organismos abstraídos no identificados continúan y prosperan en un terreno que ha comenzado a instalarse nuevamente en sí mismo, como se representa en escenas de animación mixta digital y pintada en 2D y 3D”. Como resultado, una ejecución demasiado bien lograda entre sonido e imagen. Una oda a la ansiedad, la memoria, la desolación y la desesperanza humana. – Jeziel Jovel


13. Dënver – “El fondo del barro” 
Director: Bernardo Quesney

El cineasta Bernando Quesney junta una plétora de seres que no conocen lo que es ser amado. Su crítica radica en como la sociedad se comporta tan prejuiciosa y solo responde a aquello que es semejante para su mente y lo demás lo rechazan. La misma letra del track se identifica con algunas vivencias de mi ser y se vive claramente en los tres adolescentes que encuentran la amistad en una tierra donde la ignorancia de los demás no deja ver en ellos que tienen mucho amor que entregar. – Pablo Acuña 


12. El Güincho – “Comix” 
Director: CANADA

Ya se está volviendo típico ver a CANADA en estas listas. En “Comix” deciden partir de la imagen de un video de Hip Hop y jugar con ella a su propia manera, poco ortodoxa. – Pablo Acuña


11. Hijos – Tu Amor
Director: Neto Villalobos

“Un beso eterno”, como lo describe Pablo, llega a ilustrarse entre Sandra Ribas y Alvaro Marenco como una aventura comunal, una fusión de dos cuerpos que envían comunicados a la pareja en forma de datos poderosos que surgen de cada uno. No sabemos si los personajes en el video, son pareja o no, lo importante aquí es que simbolizan de que tan excitante pueda llegar a ser el beso depende de la situación, el ambiente y la forma en que se dé. – Pablo Acuña


10. Triángulo de amor bizarro – “Baila Sumeria” 
Dirigido por: Jordi Cussó

El ejercicio que propone Triángulo de Amor Bizarro, desde que se aprecia por primera vez la portada de su disco Salve Discordia, se explica al tomar en cuenta distintas referencias históricas como si fuese un collage mental, digno de ser considerado el primer gran golpe de su nuevo álbum.

En el vídeo para “Baila Sumeria” hay una variedad de elementos míticos, sin embargo carece de una conexión hacia la antigua Mesopotamia y/o sus habitantes. El guión nos muestra a tres jóvenes amantes del revival que sucumben en un triángulo amoroso (¡hola coincidencias!) dentro de un audiovisual que pareciera ser sacado de las óleos de Goya y que irónicamente se va hilando al son de una pieza que canta al amor codependiente: la ciencia es mentira sin ti, proclama Isabel Cea.

“Baila Sumeria” reluce como uno de los mejores vídeos de este año por su narrativa llena de casualidad, alimentada del rompimiento con los cánones típicos (basta con apreciar el hermoso formato vertical del clip), y que nos invita a regocijarnos con la estética “confusa” o “incongruente”. –Alejandro Ortiz


09. ANOHNI – “Drone Bomb Me”
Director: Nabil 

La canción está escrita desde la perspectiva de un niño cuya familia es asesinada por “drones” (aviones no tripulados). El gran autor de música y video Nabil dirigió el video, que protagoniza a la supermodelo Naomi Campbell, quien sincroniza la canción mientras llora. La inclusión de Campbell en el video no es coincidencia, ya que este año recibió el galardón Mujeres que lideran el cambio en Tel Aviv.- Pablo Acuña


08. Los Crveles | “Desastre”
Director: Dirección: Kevin León x Joel Obando

“Es interesante como se incomoda la gente cuando se muestran caricias entre dos hombres mientras que, cuando se trata de golpes o de una pelea, se internaliza como algo normal y aceptable”, declara Joel Obando, vocalista de la banda Los Crveles sobre el video “Desastre”. El video dirigido por él y Kevin Leon nos muestra la violencia física entre dos hombres representada en una lucha cuerpo a cuerpo, hecho que arquetípicamente es visto como complemento de la brutalidad musical. Lo interesante del audiovisual es la subversión de las expectativas en la conclusión, cuando los dos hombres se besan apasionadamente. A partir de ese instante, se expone el concepto real del trabajo: la deconstrucción de nuestra perspectiva de masculinidad, donde la violencia está normalizada y el afecto sigue siendo “tabú”.  – Alonso Aguilar


07.  Alex Anwandter – “Siempre es viernes en mi corazón”
Dirigido por: Alex Anwandter

De Alex Anwandter no se puede refutar mucho. Su incansable visión lo ha llevado hasta el éxito de varios discos destacados en el paraíso pop latino y recientemente hasta el desfile del Séptimo Arte en la Berlinale del presente año.

Siguiendo con la eficaz dirección de sus videoclips, el chileno se ha valido del corte más abrasivo y sintético de su disco Amiga para concretar un thriller pop con “Siempre es Viernes en mi corazón”. Con guiños a las presentaciones en vivo de Kraftwerk y una carga (doble) de política, Anwandter proporciona sus argumentos a la par de su exquisita música para proyectar así la represión, el gozo y las luces de neón en un vídeo elocuente y transgresor. Alejandro Ortiz


 

06. Mitski – “Your Best American Girl” 
Director: Zia Anger

“Your Best American Girl” es la canción más relevante que mejor representa el ADN de Puberty 2. ¿Has querido alguna vez querer a alguien tanto pero no puedes porque hay historias por detrás que te lo impide? La canción toca ese tema de amar a esta persona pese a su tan notorio problema con tus origines/historias. El video es tan hermoso y triste que se va desvaneciendo como una vela se apaga, y deja el último humo que resopló en el aire. – Pablo Acuña


05. Kendrick Lamar – “God Is Gangsta” 
Director: the little homies | Jack Begert | PANAMÆRA

El cortometraje dirigido por Jack Begert fue producido por Psycho Studios. El video fusiona dos de las melodías, “U” y “For Sale?” en un viaje cinematográfico de 7 minutos. “U” se inicia con Lamar borracho escupiendo las letras de la acerbica, “Loving you is so complicated”.

El video más tarde muestra las imágenes de Lamar en Le Silencio en París, Francia en “For Sale?”, donde un grupo de mujeres semi-desnudas mantienen su cuerpo caliente. Más tarde Lamar se muestra empapado en una bañera de agua, que simboliza un bautismo / limpieza. – Pablo Acuña



04. Liyv – “Laser Eyes” 
Director: Olivia Holman y Joel Marchand.

Descrita a sí misma como una artista “pastel-pop” que hace música para gente triste a la que le gustan los colores brillantes. Olivia Holman, una poco chica de Seattle comenzó en Enero de 2016 el proyecto de “One Song A Month”, que consistía básicamente en lanzar una canción nueva cada mes a través de su Bandcamp. Haciendo, de Enero a Diciembre, 12 canciones en total que terminarían dando como resultado su primer LP. Cada sencillo fue revelando lo talentosa que es, talento que ya había expuesto como ilustradora y directora de arte. Pero esta vez, tratándose de sus creaciones sonoras, se nota que estamos ante una sólida propuesta que se mezcla con su buen gusto y habilidad. Dando como resultado una experiencia audiovisual fascinante y refrescante. Muestra de ello es el vídeo que, ella junto a Joel Marchand, también de Seattle, dirigieron y produjeron. Una delicia, filmada en posición vertical. A veces recordando a tUnE-yArDs y otras a Hot Chip. Maravillosamente bien ejecutado y filmado, el vídeo es uno de los sucesos más importantes y reveladores generados en la música de este año. Y sin duda, nos atrevemos a decir que el mejor. Liyv fue una de las cosas más hermosas que le sucedió a nuestro año. Un subidón en esta montaña rusa llamada 2016. – Jeziel Jovel


03. David Bowie – “Lazarus” 
Director: Johan Renck

“Lazarus” es un momento del disco que demuestra con elegancia esta fragilidad en Bowie, no sólo en su voz. Entre saxofones Johan Renck dispone de un Bowie quien se encuentra vulnerable, debilitado ante la vida, sin nada que perder. “Mira aquí arriba, estoy en el Cielo/ Tengo cicatrices que no pueden ser vistas/ Tengo drama, no puedo ser hurtado/ Todos me conocen ahora/ Mira aquí arriba, hombre, estoy en peligro/ No tengo nada más que perder”, canta en Lázarus. Al igual que el personaje de Lázaro, David Bowie se ha ido, y ha regresado. Algunas veces regresó sin haberse ido. – Pablo Acuña/Marco Golcher


02. Solange – “Cranes in the Sky” and “Don’t Touch My Hair”
Director: Alan Ferguson y Solange Knowles

Partamos que A Seat at the Table en sí es una obra pulcra y bien trabajada. Desentrañando toda la producción de su arsenal de conceptos, es más que inevitable no mencionar la grandilocuencia audiovisual que Solange Knowles ha desarrollado en su más reciente obra.

Como una bomba inesperada, la unión de Alan Ferguson -esposo de Solange y director de ambos vídeos-, Carlota Guerrero -directora de arte- y Solange, dio como resultado la patente delicada y regia que engloba todo el argumento detrás de A Seat at the Table. La dimensión audiovisual trasciende con cada segundo; en cada coreografía, plano y transición hay amor. Un acto que se niega a convertirse en un “vídeo” gracias a la convergencia artística de tres grandes visionarios (Knowles, Ferguson y Guerrero).

“Cranes in the Sky” y “Don’t touch my hair” no llegan únicamente al recap del 2016 como dos de las mejores canciones del año, sino también como grandes representaciones visuales que hacen justicia a su contenido musical hasta convertirlo en algo mágico. –Alejandro Ortiz


01. Frank Ocean – “Nikes” 
Director Tyrone Lebon

En cada generación del hip-hop desde su nacimiento, desarrollo, muerte y resurrección. Existe el poeta, el profeta y la estrella. Frank Ocean es esa santísima trinidad dentro del género. Tres en uno mismo, y uno mismo en tres. Un artista que se esconde detrás de la persona y una persona que se muestra frente al artista. Para “Nikes” son muchas las metáforas usadas, y las referencias. Muchas de estas únicamente entendidas por su autor. Yendo desde influencias muy personales a simbologías ajenas, haciendo uso de similitudes entre la imaginación y la realidad para dar paso al mensaje. Un mensaje a veces entendido, pero muchas otras malinterpretado. Luego de la entrega de Endless, Frank Ocean dejó muy alta la expectativa audiovisual que experimentaríamos al especular cuál sería el primer sencillo de Blonde, antes llamado Boys Don’t Cry. Y la primera impresión al ver el vídeo de “Nikes” fue el uso exagerado de los símiles. En cuanto al mensaje en su letra, dentro del género moderno. Los hay más directos como Kendrick Lamar, los hay más breves en su discurso como Childish Gambino, y oscuros hasta la depresión como Earl Sweatshirt. Pero sólo alguien como Frank Ocean utilizaría la religión como punto de comparación al referirse al exceso, banalidad, materialismo y frivolidad que artistas como Beyoncé y Kanye West promueven. Véase como negativo para unos o positivo para otros. Frank que ya había hecho la comparación de un amor no correspondido con una mala religión en channel ORANGE, ahora utiliza el culto suicida Heaven’s Gate para demostrar que, como creyente, está tratando de emparejar su fe con la de otros a través de un llamado divino, que a veces puede ser justificado para violentar. La voz de Frank Ocean permite ver como se convierte en su propia consiencia que lo lleva a moldear su mejor persona. Lo de “Nikes” es una metáfora para decir: “Su religión es el materialismo pero yo prefiero el realismo.” Y en una mala religión, lo mejor es abandonarla, y a veces para abandonarla la única salida es la muerte inducida por el suicidio. Literal o no. – Jeziel Jovel

 

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