Lo Mejor De Cada Año

Los Mejores 50 Discos del 2011

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El 2011 nos ha regalado (dichosamente) grandes números de discos con gran calidad musical. Lo especial de este 2011 es el equilibrio que ha existido entre la oleada de grupos nuevos y las grandes producciones de grupos ya reconocidos como lo son Foo Fighters, The Strokes, Arctic Monkeys, Death Cab For Cutie, Red Hot Chili Peppers, R.E.M., entre otros.

Tuvimos mas de 80 candidatos y mas de 500 votos en la encuesta realizada en nuestro Fan Page de DTTR. Hay opciones de que hayamos dejado alguna de sus opciones por afuera cuando reducimos la lista a 50. Nos encantaria que escriban su opinión de este ranking en la parte de comentarios abajo del artículo. Nuestro deseo es que usted como lector se beneficie tanto de los comentarios que ustedes mismos dejen abajo y de la opinión de nuestros colaboradores en esta nota.

Lista de escritores en la nota:

 

50. St. Vincent – Strange Mercy:

 

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Una de las chicas que fuera integrante del colectivo The Polyphonic Spree,  Annie Clark bajo el pseudónimo de St. Vincent trae hasta nuestros oídos once melodías perfectamente bien realizadas. Y es que, en su tercer álbum, St. Vincent experimenta con las formas musicales de aquella Kate Bush con quien la han comparado. Pablo Acuna.

 

 

49. Cults – Cults

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Con la aprobación de Pitchfork y catalogados como “best new music” la banda se abrió paso en el mundo de la música con su disco homónimo, simple, dulce y sencillo, tres adjetivos que describen a su primera producción, una joya low-fi, llena de atmósferas y lugares a los que solo se llegan escuchando cada una de las canciones.

Madeline y Brian hacen una buena dupla en el disco pero también en escena. Monica Rodriguez.

 

48. The Joy Formidable – The Big Roar

 

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El trió de Gales ha impactado de gran forma la escena del New wavePost-punk con la energía y fervor que se les caracteriza. La gran voz y presencia de Ritzy Bryan los llevo a ser una de las presentaciones más destacadas en SXSW. Nos regalan uno de los mejores discos del 2011 que cuenta con vocales femeninas. Pablo Acuña.  

 

47.Bombay Bicycle Club – A Different Kind Of Fix

 

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Con un sonido muy parecido a Foals, estos 4 jovenes de Londres nos regalaron una joyita de disco. Con excelentes progresiones de guitarra acustica a electrica y ni hablar de la voz de Kack Steadman, esta agrupación encanto a todos los que esperaban ansiosamente este disco. “Shuffle” (primer sencillo de este disco) es uno de los puntos altos de esta producción. Pablo Acuña.  

 

 46. Continental – Adiós

 

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Hago trampa. Este material salió a finales del 2010. Por cosas del destino terminé en el palco del lanzamiento oficial y bueno, no salí satisfecho. Luego me senté a escuchar las piezas, las letras, a tocar baterías en el aire y me enamoré. Robando las palabras de un amigo, esto no es un EP, es una compilación de himnos. Vuelvo a hacer trampa: todas las piezas que trae son mi favorita. Carlox Soto.

 

45. Neon Indian – Era Extraña

 

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Alan Palomo, mejor conocido como Neon Indian ofrece en Era Extraña himnos de festivales y canciones que ruegan por ser remezcladas. Y así como Era Extraña juega con la combinación de sentimientos, lo hace con las influencias, desde OMD y LCD Soundsystem hasta la muy descarada referencia (por no decir imitación) de “Kim & Jessie” de M83 para “Halogen (I Could Be A Shadow)“. Pablo Acuña.

 

44. The Pains of Being Pure At Heart – Belong

 

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The Pains of Being Pure at Heart es un grupo proveniente de Nueva de York el cual se formó en el año 2007.
Para este nuevo disco, trabajaron con el productor Flood (U2, PJ Harvey) y con Alan Moulder (My Bloody Valentine, Arctic Monkeys), logrando así gran parte de este sonido más confiado y atrevido. Belong es un disco que te lleva a recordar épocas en donde My Bloody Valentine o Velvet Underground estaban en su momento dorado, escuchar Belong es hacer una parada en el tiempo de una forma reconfortante llena de sonidos que van de los melodioso a lo explosivo. Pablo Acuña.  

 

43. The Horrors – Skying

 

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Bienvenida de nuevo al hermoso género de la Neopsicodelia, con los grandes representantes de The Horrors y su nuevo material que salió a la venta el 11 de julio del 2011. Este disco fue producido por ellos mismos, sin duda alguna la hermosa esencia de estos británicos esta en cada canción. Bailar, bailar, bailar eso es lo que provoca Skying. Andrea Rodriguez

 

42. Feist – Metals

 

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En una carrera como la suya, recordada por sus grandes éxitos, y en cuyos discos también es posible escuchar los ecos de fascinantes obras totales, Metals es ciertamente el álbum que logra equilibrar los dos rasgos más distintivos de la música de Feist: la creadora instantánea de ganchos melódicos deliciosos y la compositora ecuánime de piezas musicales de alta envergadura. Pablo Acuña.  

 

41. Metronomy – The English Riviera

 

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Más que una referencia geográfica este disco marca un antes y un después en la música de esta banda, canciones como “The Look” muestran una propuesta vocal y lírica sumamente interesante, pero sobre todo fresca, mientras que la sofisticación de “The Bay” se gana el título indiscutible a la favorita del album, la crítica de revistas como NMEno pudo ser más que acertada: 9/10, estamos ante una producción impecable. 

The English Riviera muestra a Joseph Mount como un compositor y un cerebro que no teme experimentar, en el disco encontramos canciones para todo, pero no solo el trabajo de composición es digno del aplauso ya que el bajo de Gbenga Adelekantiene un presencia muy importante a lo largo de cada una de las piezas. 

Sin duda alguna este disco de Metronomy se perfila como uno de mis favoritos del año. Monica Rodriguez.

 

 

40. Florence and the Machine- Ceremonials

 

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Ceremonials es el segundo álbum del grupo ingles Florence and The Machine, seguido del éxito obtenido después del lanzamiento de Lungs en el 2009 este disco sin duda no se ha quedado atrás. Florence Welch asegura que el sonido de Ceremonials es más fuerte en comparación con su primer material. Considero que es de admirar, a pesar del poco tiempo que tiene la agrupación, lo rápido que han logrado ascender a diferentes carteleras de música. A medida que se escucha el disco es fácil notar el cambio y la transformación que han tenido los integrantes, con un sonido como lo menciono Welch más fuerte y decidido. Puedo asegurar que Ceremonials, es solo una muestra de lo que traerá Florence and The Machine y la capacidad de que tan solo en cuatro años después de su formación, logren posicionarse donde se encuentran hoy en día. Andrea Rodriguez.

 

39. Yuck – Yuck

 

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El homónimo debut discográfico de la banda Inglesa Yuck nos remite inevitablemente al rock underground de los noventas, pues son evidentes las influencias de Pavement, Sonic Youth, Dinasaur Jr. y My Bloody Valentine. Hasta ahí no hay nada nuevo en una banda “revival” como esta, la pregunta es: ¿lo hacen bien? La respuesta es: definitivamente si. Yuck debuto con su álbum homónimo este año y se convirtio en uno de mis grupos nuevos favoritos. Nada mas escuchen “Get Away” y sabrán de que les hablo. Los 90’s han vuelto! Pablo Acuña.  

 

38. Monte – Monte

 

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Algunos dicen que es noise rock, con tintes de krautrock. Yo digo que es música. Música directa, pura, llena de repeticiones y ruidos. Monte muestra que con lo más sencillo (guitarra, batería y voces) se puede hacer mucho, muchísimo. Mi favorita es “Vapor”. Pero no me hagan caso; mañana seguro cantaré “Imperios” en el bus y pasado mañana, “Neón Furioso” en la ducha. Carlox Soto.

 

37. James Blake -James Blake

 

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Este es un disco introspectivo que recomiendo escuchar a la luz de la luna o bien cuando el día apenas comienza. El álbum homónimo de James Blake marca el inicio de la carrera artística de un joven músico que con texturas y armonías de delgada envergadura inyectan energía y pasión sin necesidad de alcanzar altos niveles de decibeles y velocidad. Y es que actualmente en el mundo del dubstep hay dos caminos antagónicos a tomar: el “agresivo y enérgico” de Skrillex y demás imitaciones por venir, y el de carajos como James Blake que se pierden en estas dimensiones sonoras y encuentran un nuevo lenguaje que los encuentra capaces de levitar. Alessandro Solís Lerici.  

 

36. Washed Out – Within And Without

 

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Desde la portada este un disco exquisito que te atrapa enseguida, y para ello “Eyes Be Closed” es la encargada de abrir las primeras notas, una canción mas que perfecta que te transporta. En fin, son 9 increíbles piezas en las que cada una te hace sentir de una grata manera diferente. Creo que me han faltado palabras para describir la alegría y confort que me provoca escuchar este disco. Pablo Acuña.  

 

35. M83 – Hurry Up, We’re Dreaming

 

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Hurry Up, We’re Dreaming es un enorme dispositivo sonoro que se despliega siempre en una sola dirección: hacia arriba. Presenta el brillo y el color de una historia de ciencia ficción que se desarrolla a toda prisa frente a nuestros ojos. Sin embargo, es difícil no distraerse; escuchar las veintidós canciones de un solo golpe y quedar satisfecho, antes de quitarse un poco del sonido metálico y brillante que M83 ha dejado en nuestros oídos. Pablo Acuña.  

 

34. The Drums – Portamento

 

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The Drums recibió un tibio reconocimiento de la crítica con este disco, pero ¿Debería importarnos eso? La respuesta es más que obvia cuando al checar mi itunes el disco aparece como el más escuchado, y es que esta banda es una amalgama de la música que llega a tocar las fibras más profundas, The Drums tiene ese sentimiento que transmiten grupos de antaño como Joy Division (por ejemplo), solo que aderezados con algo de pop.

En resumen The Drums depura su estilo y Portamento resulta placentero al escucharlo, además marca una evolución musical importante para el trío de New York. El bajo se vuelve protagonista en varias canciones y los sintetizadores acompañan a las guitarras de forma magistral. El único punto débil para algunos son las letras y quizá “Money” no fue la mejor elección como primer sencillo, ya que líricamente no hace justicia al disco.

Si les gustó el primer material de la banda les aseguro que disfrutarán Portamento. Monica Rodriguez.

 

33.Death Cab For Cutie – Codes and Keys
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A 15 años de su formación y a 8 de haber entrado a los grandes terrenos sonoros, Death Cab For Cutie vuelve a convidar a la industria con un esfuerzo que en definitiva no tiene nada que envidarle a esos álbumes forjadores que impulsaron el éxito que hoy vive el conjunto de Washington. Su séptimo trabajo, se absorve en una esfera más justa y honesta que marca su distancia respecto al cuestionado pasado inmediato de Narrow Stairs, en donde la banda se aposentó en un círculo sin salida y dirección que dio como resultado un trabajo versatil pero quizá poco coherente. Codes & Keys se apiada en gratas melodías de piano y guitarras más sutiles que en conjunto con el resto de elementos, logran desplegar una obra que será recordada por años. Josue Vargas.  

 

32. Real Estate –  Days

 

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Un álbum en forma de sorpresa. Los temas de Days recrean nostálgicas escenas de un verano que se va acabando y que tienen cierto tinte dramático, a pesar de lo que reiteradamente la crítica ha encontrado bien afirmar como canciones soleadas. Los de Real Estate tocan suave y en esa sutileza reside gran parte del encanto. En ese sentido, hay un aire inevitable a Yo La Tengo.  

Days, por el peso de sus composiciones, es un disco tan agradable como los días de ocio y despreocupación. Pablo Acuña. 

 

31. Smith Westerns – Dye It Blonde

 

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El grupo conformado por los hermanos Omori era desconocido por muchos antes de este año. En el 2009 había lanzado su primera producción la cual es más grunge y garage. Con Dye It Blonde vemos poco de eso. Es un disco que ha sido considerado como un disco “con sonido sexy” y que de hecho ha sido calificado como el “Disco del verano” en Norteamérica. Pablo Acuña.  

 

30. Touche Amore – Parting the Sea Between Brightness and Me

 

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En medio de la ascendente prescencia del The Wave entre la industria del hardcore contemporáneo, Touché Amoré pudo haberse convertido en la banda más importante de la movida, después de emitida la salida de Parting the Sea Between Brightness And Me, un álbum que abrevia como no se necesitan más de 30 minutos para rebosar el cometido en la música punk, con un modelo severo, ansioso, agresivo, rebelde, audaz, enérgico y robusto. A diferencia del resto de bandas que han recién emergido bajo pretenciones de Post Hardcore y screamo criollo, Touché Amoré es de las menos experimentales, pero es las más coherentes y con apuntes directos al grano. Si por lo pronto los desconoces, aun estás a tiempo de entromerte con una de las obras más candentes del casi finalizado año, que de seguro será de agrado para cualquier seguidor de Rise Against y Defeater. Josue Vargas.  

 

29. Cold War Kids – Mine Is Yours

 

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Mine Is Yours es un disco más maduro, más catártico y más emocional que el sonido visceral con el cual se han caracterizado desde su primer álbum. Esto, junto con la participación del productor Jacquire King, responsable de hacer explotar a Kings Of Leon, asegura una experiencia sonora buena, pero conservadora. Pablo Acuña.    

 

28. Fucked Up – David Comes To Life

 

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Pocos discos tan largos son tan inmediatos como el intento de Fucked Up este año. Diversificando su clásico sonido hardcore punk con gamas melódicas y cautivantes, la agrupación disfraza en una hermosa historia de amor algo más profundo: la fragilidad de nuestra existencia y sus pormenores en el mundo industrializado. Eso sí, en nuestro papel de escuchas, como casi todo lo verdaderamente excelente en la vida, debemos comprometernos con la historia y sumergirnos en su contexto. Hay una lección al final del viaje, una lección vitalicia. Alessandro Solís Lerici.   

 

27. Los Campesinos! – Hello Sadness

 

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Donde comen 2 comen 3 y donde comen 3 comen 7. Los Campesinos es un compuesto de indie rock de 7 integrantes que ha desplegado su cuarta producción de estudio en el pasado mes de noviembre, con el cual la banda se consolida con mayor soltura en su apartado. A pesar del número de miembros dentro del esquema, sus toques no se ven saturados, tampoco tenemos grandes despligues de virtuosidad ni una ensalada de instrumentos musicales no convencionales. Los muchachos de Wales, se condensan en pop inocente mediado por driven guitars, enjugadas en apasionantes voces melodicas y arreglos de teclados. Notamos en este esfuerzo como la voz de su compositor, Gareth, se posiciona en la ramaje principal de la producción, desplazando notariamente el uso de vocalización femenina el cual era más evidente en pasadas ocasiones. En fin, Hello Sadness, es una entrega cargada de sensaciones oscuras y emociones personales de indie rock añejo que de pronto te evocaran los mejores momentos de bandas como Built To Spill, Spoon y Belle & Sebastian. Josue Vargas.  

 

26. Bjork – Biophilia

 

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Bjork cómo no sentir agrado, por tan maravillosa artista. Su nuevo disco lanzado al mercado el 5 de octubre, compuesto por diez canciones. La música del mismo apareció por primera vez en una aplicación para Ipad, la cantante afirma que Biophilia ha sido parcialmente realizado en un Ipad. “Crystalline” fue el primer sencillo dado a conocer, toda la producción es simplemente una obra excepcional por parte de la cantante islandesa, es como un fenómeno de sonidos. Andrea Rodriguez.

 

25. Eddie Vedder – Ukelele Songs
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Vedder logra muy bien la tarea de convencer al oído únicamente a punta de su garganta y un ukelele. Recordemos que quien canta no tiene una voz cualquiera: este señor puede grabar un disco a capella sin mucho efecto y seguirá siendo memorable.

Este disco se escucha casi como una continuación del soundtrack de Into the Wild, que ya incluía algunos temas con ukelele. Vedder se sale bien de la senda de su eterno Pearl Jam, se suaviza hasta cortar venas y le regala a sus fans una faceta recomendadísima para los nostálgicos y para los que se enrumban hacia la playa. Póngalo completo de un solo y disfrútelo antes de que las nubes tapen el sol. Arturo Pardo.

 

24. Puscifer – Conditions of My Parole

 

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Sweet baby jesus on fire. Este es el segundo larga duración de Maynard James Keenan en solo. La mayor parte de las grabaciones fueron escritas y grabadas en su viñedo, en Arizona. La gente tiende a comparar el trabajo de Keenan con Tool o A Perfect Circle y aunque tengan ciertas similitudes este LP2 brilla por sí solo al tener un sonido de banda más amarrado. El disco en sí podrá no ser “perfecto”, pero vaya que se disfruta. Carlox Soto. 

 

23. The Movement In Codes – The Art Of Falling Down

 

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Marzo 2011 fue el mes en que vio la luz, The Art Of Falling Down, catalogado como uno de los álbumes más anticipados en materia de rock nacional desde bastante tiempo atrás. El compuesto se integra de 11 fragmentos que han sido puestos mejor que nunca, y denotan como la banda ha logrado emerger hacia un sonido más propio y firme. Es principio de gentileza reconocer cuando un fruto ha sido cultivado con el cuidado requerido y cuando este, a pesar de haber llegado en una época en donde todo ya ha sido patentado, puede exponer un trabajo con clara escencia exclusiva. El sonido de lo que podría ser considerado su disco debut oficial, esta fertilizado bajo una gama de influencias que ronda especialmente el rock alternativo de mediados de los 90’s, con notables brochazos del emo-core y Post-Hardcore de la misma época de actos como Samiam y Quicksand. De por seguro, este es uno de los mejores cinco discos de rock que se han editado sobre nuestros pastos. Hazte un favor y escuchalo. Josue Vargas.
Distorsión, distorsión, distorsión. Algunos sueñan con ver a Dave Ghrol y compañía en tierras ticas; yo agradezco que -al menos- una vez al mes estos tipos toquen en un bar capitalino. Si bien la experiencia de escuchar un álbum no se compara a ver a la banda tocando esos temas en vivo, este material siempre eleva el ánimo lo suficiente para continuar la jornada. Si no me creen, escuchen Shadowboxing. Carlox Soto.

 

22. Red Hot Chili Peppers – I’m With You

 

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Hay que aceptarlo. La partida de John Frusciante de los Red Hot Chilli Peppers fue lo mejor que le pudo pasar… a ambos. El I’m With You no es el mejor disco de los Peppers ni mucho menos, pero es un disco, digamos, fresco.
Fresco porque no se repiten a sí mismos nuevamente. Fresco porque si bien no tiene los solos virtuosos y riffs rabiosos de Frusiciante, tiene cuerpo, tiene feeling, tiene Groove. La partida del guitarrista doblemente reincidente (en regresar y en abandonar) le dio espacio a que figuras como la de Flea y Chad Smith aporten más y dejen de ser solo “la base de los Peppers”. Anthony Kiedis, en palabras del mismo Rick Rubin, canta mejor que nunca (si ponen atención al Blood Sugar Sex Magic, no hay más que rapeo) y el aporte más importante y que le da una nueva dirección al sonido de los Chiles lo hace Josh Klinghoffer, que no llegó a sustituir a Frusciante (con quien a colaborado en sus discos como solista) si no a hacer lo suyo, riffs sobrios, texturas elegantes, efectos, en fin, a darle un nuevo aire y una nueva oportunidad a la banda. El origen del álbum queda en evidencia en los primeros segundos de jam de “Monarchy of Roses”, que junto con “Brendan’s Death Song” (cuya historia es punto de partida para el regreso de la banda y la creación del I’m With You) son los tracks  recomendados del disco. Roberto Chaves.

 

21. Bright Eyes – The People’s Key

 

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Este no es un disco para todos los gustos. Tampoco es un disco que todos los fanáticos de Bright Eyes vayan a disfrutar. Es un momento diferente en la historia del proyecto, en que lo espiritual le gana la carrera a lo personal y se presenta no como un dogma, sino como una solución inclusiva a los problemas que atraviesa actualmente la humanidad. Es un ensayo de Conor Oberst sobre la simetría, el ying y el yang, y la lucidez.  Mis canciones favoritas son la primera y la última, “Firewall” y “One for You, One for Me,” respectivamente, porque son los sellos de un material con infinitas dimensiones de consciencia. Alessandro Solís Lerici.

 

20. Beirut – The Rip Tide

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Hay un elemento innegable al escuchar cualquier canción de Beirut, un sentimiento que atrapa enseguida y del cual no hay escapatoria: parsimonia. El balance perfecto entre la nostalgia y el buen ánimo, la festividad. Equilibrio. The Rip Tide no desilusiona en todos estos campos, sino que amplía el espectro de lo que Zach Condon es capaz de lograr. La madurez que el tipo ha alcanzado es indescriptible, y la aglutinación musical de los suyos se ve totalmente reflejada en arreglos de finísima categoría. Alessandro Solís Lerici.

 

19. Face To Face – Laugh Now, Laugh Later

 

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Laugh Now, Laugh Later es su primer álbum en casi diez años, el primero tras su regreso, y coincide además con el vigésimo aniversario de la formación de la banda. El trabajo está compuesto por once temas, de alrededor de tres minutos cada uno. e

El primero de ellos es “Should Anything Go Wrong”, un corte rápido que demuestra que la banda no ha perdido su gancho en todo este tiempo. Una acertada elección para arrancar la escucha. “It’s Not All About You” es, quizá, la canción más pegadiza del CD. Comienza a capela, y sigue con una melodía asequible y un estribillo simple pero efectivo. Pablo Acuña.

 

18. My Morning Jacket – Circuital

 

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La visión del mundo a través de los ojos de Jim James es radicalmente psicodélica, espiritual, introspectiva. La música de My Morning Jacket, un viaje absoluto que toma altura considerable con Circuital. El paso de James por Monsters of Folk trajo sonidos más acústicos a Circuital y por eso la banda presenta una fusión de rock atmosférico, folk, country y mucha mucha elevación. A disfrutar “Circuital” y la hermosa “Wonderful (The Way I Feel)”. Roberto Chaves.

 

17. Foster the People – Torches

 

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Foster the People es un trío de música pop que refuerzan su sonido con sintetizadores. Con base de operaciones en un departamento de Venice Beach en Los Ángeles, Mark Foster (teclado y voz) Mark Pontius (bateria) y Cubbie Fink (bajo) tomaron por asalto a la escena con su canción “Pumped Up Kicks”, la cual editaron el año pasada pero no fue hasta inicios de 2011 que fue valorado, incluso por algunos ya es considerada como un himno hipster. El disco esta inundado de coros fáciles y pegadizos, como “ooo, la, la” en “I Would Do Anything for You”. Aquí no van a encontrar música con letras complicadas, según se rumora los inicios del vocalista Mark Foster se dieron por su interés de generar música para comerciales y series de TV. Por ahí lei esta frase:

Foster the People es como el Splenda te sabe bien, te sabe dulce pero sabes que en el fondo sabes que no es real.Pablo Acuña.  

 

16. Girls – Father, Son, Holy Ghost

 

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Musicalmente hablando, el segundo disco de Girls está inspirado en los sonidos de artistas clave de los ‘60s y ‘70s como Beach Boys y Elvis Costello. En cuanto a temática y significado, es un retrato de nuestra sociedad actual, de nuestros temores y ambiciones, de la fina línea que divide lo racional y lo emocional, y la disputa que entre ambos mundos se da en nuestra cabeza. Christopher Owens es un autor fenomenal y con este disco su banda simplemente coloca la barra más alto y se posiciona como uno de los actos más notables de los inicios del siglo XXI. Alessandro Solís Lerici.

 

15. The Kills – Blood Pressures

 

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Después del reciente proyecto de The Dead Weather junto a Jack White, Alison Mosshart regresa a hacer música con Jamie Hince en este álbum cargado de sonidos fusionados entre el synth y el rock. Si bien sus 3 producciones anteriores se veían más marcadas por guitarras distorsionadas y secuencias básicas de batería, Blood Pressures consolida el sonido mezclado de The Kills. Comercial y menos ruidoso. Pablo Acuña.

 

14. The Antlers – Burst Apart

 

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The Antlers logra provocar profundos sentimientos sin la necesidad de recurrir a un exceso de arreglos instrumentales, dándole importancia y realce al menor detalle, un conjunto de historias que se vuelven tan comunes de la manera que Silberman las ha logrado plasmar. Si alguien se pregunta por el trip-hop, pienso que The Antlers no se queda muy lejos de experimentar un poco de ello, sin dejar de mencionar su fuerte influencia en lo electrónico. Bellísimo. Pablo Acuña.  

 

13. Fleet Foxes – Helplessness Blues

 

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Al líder, vocalista y principal compositor de la banda, Robin Pecknold, le preocupaba mucho caer en el fatídico mal segundo disco, tanto así que eliminaron todas las primeras sesiones de grabación del disco, también el nivel de perfeccionismo de Pecknold afecto las relaciones personales con los demás miembros de la banda y hasta con su pareja. Al final tal nivel de detalle y trabajo se notan en un excelente producción, que si bien mantiene las harmonías vocales y arreglos con gran cantidad de instrumentos de cuerdas no-tradicionales (incluyendo un Marxophone) que los caracterizan, amplía la gama sonora de la banda, adentrandose en un campo mas etéreo con canciones que son llevadas mas que todo por el sentimiento y no tanto la melodía. Jorge Rodríguez.

 

12. TV On The Radio – Nine Types Of Light

 

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Gran banda formada en Brooklyn, New York. Este disco es el quinto de la agrupación, y probablemente con el que mas se han dado a conocer. Una producción sumamente innovadora, sus videos demuestran un trabajo digital grande. Las canciones de Nine Types of Light, deben de escucharse detalladamente para envolverse en el rico sonido de TV on the Radio. Andrea Rodriguez.

 

11.The Decemberists – The King Is Dead

 

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Lo escencial está en lo simple, dicen por ahí. En The King is Dead, The Decemberists aterrizó su propuesta musical a un folk muy directo y concreto que hace de este disco un compilado de canciones sencillas, melódicas y fácilmente digeribles. El álbum incluye composiciones que tienen toda la pinta de himnos inspiradores, como “This is Why We Fight” y “Down by the Water”. El mérito principal de la banda es haber resumido bien las raíces del folk estadounidense e inclusive algunas influencias del country sin caer en cursilerías. Arturo Pardo.

 

10. Blink-182 – Neighborhoods

 

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Han pasado ocho años desde que Blink-182 había publicado su último material de estudio. Entre tantos inconvenientes, polémicas y proyectos alternos, los seguidores aguardaron ansiosos por un nuevo trabajo, reunido en conjunto por el trío más querido de San Diego California. A pesar de que Neighborhoods es un disco bastante agradable y dinámico, queda en duda si la espera fue compensada. Además de ser el primer álbum sin la producción de su finado cómplice, Jerry Finn, el proceso de creación se realizó por separado (Cada integrante en su propio nicho con reuniones esporádicas), cuestión que se hizo más que evidente en un esfuerzo que deja “un algo” debiendo. Neighborhoods se integra de 14 tracks con excepcionales escritos oscuros que recolectan de forma un poco desordenada, los diversos sonidos por los cuales atravesó el grupo. Desde la vibra del Dude Ranch en Hearts All Gone, hasta los riffs del enema de Wishing Well/ Even If She Falls, pasando por el respire de Anthem Pt II en Ghost On The Dance Floor o decayendo en los innesesarios experimentos ala A&A en Love Is Dangerous/ Fighting Gravity, las cuales a mi parecer entropecen el material y en un todo evidencian un brete con grandes momentos y excelencia lírica pero carente en personalidad sonora. En conclusión Neighborhoods es una gran entrega, pero si se pusiera en una balanza al lado de sus hermanos menores, se podría evidenciar una merma en peso bastante notoria, la cual podría verse nivelada en una pronta producción. Josue Vargas.  

 

9. R.E.M. – Collapse Into Now

 

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This is my time and I am thrilled to be alive.
Inevitablemente el disco tomó otro significado cuando a pocos meses de su lanzamiento el grupo anunció el fin de su carrera. A mi entender se fueron en plena forma, dejando atrás treinta años de ensueño dentro de los cuales se perdonan un par de malos momentos que en comparación con otras carreras de tal duración resultan pocos. Collapse into Now definitivamente no es uno de ellos, es un disco brillante e intenso que me llenó de felicidad y gratitud; me sacó las lágrimas. La humanidad y la sinceridad en su música y letras le convirtieron en pieza escencial dentro de la discografía de R.E.M., muy a pesar de que muchos le hayan desestimado o ignorado porque la banda ya no estana en su “prime”. Pfff. ¡De lo que se perdieron!Un tema: El último, “Blue”. No se me ocurre mejor cierre para el disco y para su carrera. Michael lee un pequeño ensayo (toda una oda al adulto haciendo las paces con la vida moderna) a dúo con Patti Smith antes de que el tema reviente de frente con el primero del disco. Hermoso, vibrante. Diego Delfino.

 

8. Noel Gallagher’s High Flying Birds

 

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I’ll be by your side, when they come to say goodbye (We will live to fight another day). 

Un crítico de un diario español ridiculizaba a Noel por “madurar” y daba a entender que este disco (y su nueva música) no pasa de ser mierda promedio. Indicaba que Noel había caído en el cliché de convertirse en el roco amable con hijos que toca música suave y pierde la intensidad de Supersonic y Live Forever. En buena medida es cierto. ¿Y? El cliché es el del periodista, que pretende que todos vivamos en los 45 como si tuvieramos 23, metiéndonos 30 líneas de coca y jurándole el amor eterno a la decadencia. Satanizar el proceso completamente humano de “crecer” es propio de quien no ve más allá de su propio pipí y de su afán de pasar todo el día tocándoselo. Parece que debemos huirle a todo lo cálido y optimista para comprarnos el cartel de “cool”. Lamentable.
10 canciones marcadas por bellas melodías con el sello de la casa que nos llevan por senderos de gratitud, introspección y soulsearching antes que por caminos de sexo drogas y rock n roll. Deliciosos como lo son, ya los hemos recorrido antes y también los hemos disfrutado. Entonces, ¿qué tiene de malo entender la vida como una colección de diversidad en momentos y emociones? Hasta Ozzy Osbournesabe lo que es llorar cuando se abraza a un ser querido. Déjense entonces de joder y de pensar que la vida solo comprende los momentos “punk” porque cualquiera sabe que no es así. 

Un tema: “If I Had a Gun” pone de manifiesto una vez más quien siempre fue el genio detrás de Oasis. Como si quedara duda. Diego Delfino.

 

7. The Vaccines – What Did You Expect From The Vaccines

 

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The Vaccines son una banda recién formada en el 2010. Su álbum debut ha causado una gran impresión y se encuentra en medio de fuertes críticas que van desde las que los nombran “Salvadores del Rock” o “Joyas Inglesas”. Las canciones de este material pueden dividirse simplemente en dos tipos; tenemos canciones como el primer sencillo: “Wreckin’ Bar (ra ra ra)”, así como “Blow it Up”, “If you Wanna” y “Post Break-up Sex” que son rápidas y festivas, mientras que canciones como “A Lack of Understanding”,All in White” y la que cierra “Family Friend” se sienten más lentas. Pablo Acuña.   

 

6. The Strokes –  Angles

 

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Los papás del “garaje revival” (?) volvieron este 2011, y volvieron viendo para atrás… nuevamente. Mucha influencia del garage, el indie, el new wave.  Más sintetizadores, menos distorsión. La distancia entre Julian Casablancas y la banda se acorta, pero sigue siendo larga (Atención al video de “Undercover of Darkness” y la no interacción entre los susodichos). The Strokes mejora con cada disco, y el Angles sin duda es el mejor hasta ahora. Para muestra “Two Kinds Of Happiness” y “Undercover of Darkness” primer sencillo del disco. Roberto Chaves.

 

5. Florian Droids – Florian Droids

 

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Florian Droids se ganó un espacio de respeto dentro de la música nacional con esta producción, si no me creen a mí, créanle a la encuesta de DTTR donde obtuvieron más votos que ningún otro disco (52, para ser exactos). Progresivo, psicodélico, incoherente, nostálgico, enérgico; FD grita y el mundo escucha, probablemente el mejor debut del año. Mi tema favorito, sin disputa, es “La Fábula de los dos Androides”. Carlox Soto.

 

4. Arctic Monkeys – Suck it and See

 

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Suck It and See, impactó más por su título “agresivo” que por el sonido más pop que tendría a comparación de Humbug (tercer disco de la banda). En efecto, es un disco diferente a lo que venían haciendo los Arctic Monkeys, pues no sólo engloba las influencias tomadas tanto de bandas legendarias como de sus productores Josh Homme y James Ford, así como el crecimiento y madurez que han tenido Matt, Nick, Alex y Jamie, lo cual se refleja en esta cuarta entrega de la banda en la que hay calidad sonora y lírica, ésta última siempre presente aunque es evidente la metamorfosis por la que ha pasado la manera de escribir así como los temas que abarca Alex Turner. Pablo Acuña.  

 

3. Radiohead – The King Of Limbs
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Radiohead retoma su carrera discográfica con un paso que ya no es sorprendente. Continúa con su tradición iniciada en 2007 al enviar el correo para anunciar la llegada de su nuevo The King of Limbs. A diferencia de aquella ocasión, la banda pone precio a la descarga oficial de la nueva placa y eleva con cierta moderación la edición física de este trabajo al que denomina como “Álbum / Periódico”; incluye largas hojas de arte, 625 piezas del mismo y una pieza plástica de color con calidad “oxo-degradable”. La versión digital llegaría a las direcciones electrónicas de los interesados el 19 de febrero de 2011, aunque ellos mismos deciden leakear el esperado material junto con el sencillo videoclip de la canción “Lotus Flower”. El resto de la historia se relata con mayor intensidad entre los Trending Topics de Twitter y las innumerables reacciones mediáticas.

Una de las características que más se agradecen en las producciones de los de Oxford es la necesidad de reinventarse continuamente. Aunque no es un sonido ajeno a nuestros oídos, esta producción preserva la imperiosa necesidad de revisarse en más de una ocasión para comprender su contenido, pues desmenuzar cada uno de los detalles que la distinguen es una de sus virtudes. The King of Limbs no presume ser la cumbre en su historial discográfico, pero si la obra en que Radiohead consolida su estatus como la banda más trascendente de las últimas dos décadas. Pablo Acuña.

 

2. Bon Iver –  Bon Iver

 

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Después de un gran 2010, en donde tuvo la oportunidad de participar en la obra maestra de Kayne West, Justin Vernon logran aún mas éxitos en este 2011. Si bien es cierto el álbum debut de su proyecto Bon Iver tuvo gran acogida por parte de la crítica especializada, no obtuvo tanta aclamación y éxito comercial como este homónimo álbum, incluyendo un #2 en Billboard y una nominación a los Grammy. Igual tal éxito parece no importarle mucho a Vernon, ya que su principal objetivo musical siempre ha sido satisfacer a si mismo antes que a los demás.

Musicalmente hablando el disco cuenta con una instrumentación mucho mas amplia que su predecesor, incluyendo arreglos de instrumentos de vientos y guitarras distorsionadas, sin embargo esta amplitud no significa que haya abandonado el carácter minimalista y acogedor que lo hizo notar en sus inicios. Jorge Rodríguez.

 

1. Foo Fighters – Wasting Light

 

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Este es el mejor trabajo de Dave Grohl y compañía en los últimos 14 años del grupo. Cohesión, fuerza, innovación, atrevimiento… los adjetivos de lo que viene en este disco pululan y no sobran.

La banda estadounidense sacó lo mejor de su arsenal no solo en la etapa de composición y grabación, también se lució en la campaña de expectativa y en la consecuente fase de promoción en tarima

El Wasting Light es una clara muestra de que el rock está vivito y coleando. Aquí cada canción tiene su encanto, unas con la fórmula clásica de un tema roquero, otras son bien pesadas con justificación y las menos tienen tintes nostálgicos. En una década esta joyita de Foo Figthers será un clásico y un referente musical del siglo XXI. Arturo Pardo.

4 comments

  1. Primer lista sin Adele, ¡gracias por eso! Muy buena y todo, pero, ¿mejor disco? ¡Naaah!Imperdonable faltante “El Camino” de los Keys y bueno, personalmente el “w h o k i l l” de tUnE-yArDs que ha sido lo más explota cabezas que he escuchado en el año y por último “D” de White Denim. De todos modos es muy difícil que una lista pegue completamente con el gusto de todo mundo, pero la lista que más me ha gustado sin embargo.¡Qué bien los Florian Droids por acá!

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